• Pauvreté des programmes culturels
    De la gauche et de l’art

    par Evelyne Pieiller

    Ouvrant leurs collections aux foules avec l’appui des pouvoirs publics, MM. François Pinault ou Bernard Arnault deviennent les saints patrons des arts, dont ils contribuent à fixer les prix. Les industries culturelles promeuvent des formes qui modèlent la perception et les valeurs. Mais nombre de progressistes portent le combat ailleurs, en demandant à l’art des comptes sur son utilité sociale.

    Les moments de franche rigolade ont été assez rares pendant la crise sanitaire. Il y en a pourtant eu un, en plein confinement : lorsque le président Emmanuel Macron, en bras de chemise, quasiment ébouriffé et l’air intense, s’est adressé à des artistes pour leur expliquer le sens de la vie et du « timing » : « Robinson Crusoé, il ne part pas avec des grands principes, il va dans la cale chercher ce qui va lui permettre de survivre. Du fromage. Du jambon. Des choses très concrètes. Pour pouvoir ensuite inventer quelque chose et créer. Robinson, quand le naufrage est là, il ne se prend pas les mains dans la tête [sic] en essayant de faire une grande théorie du naufrage (1). »

    Si cette argumentation peut faire l’effet d’un sketch comique, elle paraît néanmoins relever du bon sens. Il est en effet peu commode de « se prendre les mains dans la tête ». Il est tout aussi vrai, côté jambon-fromage, que les besoins élémentaires sont généralement prioritaires, comme le rappelle Bertolt Brecht dans L’Opéra de quat’sous, avec son « D’abord la bouffe ensuite la morale ». À l’évidence, le propos présidentiel visait à remettre les artistes à leur place. Du concret, pas de la théorie.

    M. Macron n’est pas le seul à vouloir les remettre à leur place. C’est aujourd’hui une position commune à nombre de mouvements et de penseurs considérés comme progressistes. Leur place : non plus à part, vaguement éthérée, au-dessus des simples mortels que n’ont pas favorisés les muses, mais de plain-pied avec leurs concitoyens, face aux mêmes urgences et nécessités. De façon cohérente, c’est l’art lui-même qui est jeté à bas de son piédestal.

    Il suffit pour s’en convaincre de lire les programmes des partis dits de gauche, ou de voir leur concrétisation dans les municipalités qu’ils gèrent. L’exemple écologiste est édifiant. À Bordeaux, dans le cadre d’une grande campagne destinée à « faire participer le maximum de Bordelais et Bordelaises à la définition de la politique culturelle », via une plate-forme où l’on peut donner son avis, des affiches, en mars 2021, demandaient innocemment : « La cuisine, c’est de la culture ? », « La culture, ça coûte trop cher ? », « Artiste, c’est un métier ? » Le « forum » ainsi ouvert n’est pas un « événement pensé par et pour les professionnels », mais une « coconstruction », car « chacun.e est porteur [sic] de culture ». L’élu, M. Pierre Hurmic, entend engager une réflexion sur les lieux « pour qu’ils soient tout autant des lieux de création artistique que des lieux de discussion, de rencontres et des lieux-ressources », explique son adjoint Dimitri Boutleux (2). Tête de liste Europe Écologie - Les Verts (EELV) pour la métropole en 2021, Mme Pascale Bonniel Chalier, enseignante en management culturel, renchérit : « On impose la culture aux gens sans leur donner le choix, sans écouter leurs cultures, or nous sommes dans la coconstruction (3). » M. Éric Piolle, maire de Grenoble, précise : « Après la grande phase Malraux et la grande phase Lang, on est arrivés au bout. (…) On ne doit plus être dans une logique surplombante, verticale, descendante. » Un de ses conseillers résume : « Le maire veut rendre la culture, trop longtemps parisienne et élitiste, aux Grenoblois (4). » En bref, il faut du local, de l’horizontal, de l’accessible. Du populaire. De l’authentique. De l’animation. Et de la coconstruction. En clair, baissons les subventions élitistes et rendons les « lieux » aux « gens ».
    Ce que le public « ne sait pas qu’il désire »

    Du côté du Parti communiste français, longtemps un ardent promoteur de l’implantation de lieux de création dans ses villes, le propos est flou sur l’art (« redéfinir les missions artistiques et citoyennes » des établissements subventionnés), et « tendance » sur la nécessité de l’« accès à la culture dans un processus d’appropriation et de valorisation des pratiques culturelles de chacune et chacun » (5). Le Parti socialiste, dans les textes qui préparent son congrès de septembre 2021, fait dans la sobriété : les artistes doivent aller dans les écoles. Quant à La France insoumise, son livret-programme, sensiblement plus étoffé, rappelle avec autant de force que d’originalité que « l’art est une source d’émotions, d’invention », et entend « encourager » la… « coconstruction de la programmation culturelle avec les publics ». Quelques banalités : l’opéra est une « pratique culturelle marquée par de profondes inégalités », « les plus aisé.e.s se réservent les visites fréquentes et l’art “savant” ». Mais le parti de gauche dénonce également la culture de masse qui « permet de formater les comportements ». Place aux droits culturels : « Chacun.e doit pouvoir manifester son existence, sa créativité. » Développons donc les « pratiques artistiques et amateurs » (6).

    Il y a là enfin une réelle « union de la gauche ». Attaques contre l’art pour nantis, défiance envers les « professionnels », désir de les mettre au service d’animations diverses, salut à la spontanéité des « identités culturelles », mise en avant des amateurs, exaltation de la créativité, validation des goûts du public : la « démocratisation » flirte par moments avec la démagogie, loin de Jean Vilar, fondateur du Festival d’Avignon en 1947 et longtemps directeur du Théâtre national populaire, qui avait pour ambition de « faire partager au plus grand nombre ce que l’on a cru jusqu’ici devoir réserver à l’élite », tout en soulignant qu’« il faut avoir l’audace et l’opiniâtreté d’imposer au public ce qu’il ne sait pas qu’il désire ». On se faisait alors, dans le sillage du Front populaire et du Conseil national de la Résistance, une autre idée du peuple, et des forces de l’art.

    Ce qu’avancent les prescriptions actuelles se retrouve dans de nombreuses analyses et notions du champ universitaire. Rien de plus commun que le refus de la hiérarchisation en art, et ce qui autrefois, avant la fin des années 1960, était dédaigné comme sous-culture a depuis longtemps conquis ses galons d’honorabilité. Assurément, comme le formule avec précision Philippe Olivera à propos de la littérature, sa « représentation dominante (…), loin de s’imposer comme par nature, est le résultat d’un travail de légitimation et de discrimination », qui a relégué dans des « genres dits mineurs » des « espaces qui sont souvent des refuges du discours critique ». La valorisation du roman noir, par exemple, comme « reflet, conscient ou non, de ce qu’est l’époque et de la résistance à cette époque », selon l’expression de l’auteur Marin Ledun, ne fait plus débat, sauf peut-être chez les conservateurs crispés, même si la notion de « genre » — polar, noir, thriller, science-fiction, etc. — demeure, signalant une marque, et un registre (7). Le propos sarcastique du compositeur Pierre Boulez, rappelé dans Majeur/ Mineur (8), ne paraît plus guère audible : « Toutes les musiques elles sont bonnes, toutes les musiques elles sont gentilles. Ah ! le pluralisme, il n’y a rien de tel comme remède à l’incompréhension. (…) Tout est bien, rien n’est mal, il n’y a pas de valeur, mais il y a le plaisir. » Hiérarchiser semble définitivement réactionnaire. Car, comme le dit M. Jack Lang dans le même ouvrage, « la vraie distinction est à établir entre la beauté et la laideur, mais qui peut en être l’arbitre suprême ? ». Ce lexique n’a effectivement plus cours. Ce qui fait aujourd’hui la valeur de l’objet artistique, ce sont son projet et son usage, qui doivent être directement identifiables dans le combat contre les diverses formes de la domination, y compris celle du « bourgeois cultivé ».

    Ce combat libérateur s’exprime notamment dans l’« art documentaire », dont la philosophe Carole Talon-Hugon interroge vigoureusement la revendication à « être un modèle appelé à subvertir le savoir académique », adoubé par les institutions officielles, tant artistiques qu’universitaires (9). Cet « art documentaire », qui se déploie en installations, théâtre, films, utilise documents, archives, etc., pour témoigner de la réalité, être un révélateur de la vérité, à des fins politiques. Mélange de fiction, de mise en scène et de données factuelles, s’appuyant sur l’« histoire vraie » et l’attention au sensible, il brouille la frontière entre réel et représentation, entre travail artistique et savoir objectif, entre vérité et émotion. Le document, au service de la dénonciation du système, justifie l’œuvre.

    La réflexion sur un art politique, et notamment sur l’art documentaire, est conduite également par le philosophe et sociologue Geoffroy de Lagasnerie, enseignant à l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy. Il incite à « élaborer une éthique des œuvres », qui oblige l’artiste à se demander : « Ce que je fais va-t-il m’inscrire dans le divertissement, la diversion, la complicité au monde ? » Pour une pratique véritablement « oppositionnelle », il faudrait refuser l’art, au sens « esthétique » du terme, et l’imagination, deux « complices des forces de l’ordre ». Et s’employer « à dire la réalité, à dire la vérité, à la montrer, contre les mystifications instituées et les récits mensongers ». Place à l’art explicite, rejetant le poids de références stigmatisantes, qui se devra également de questionner l’ensemble des dispositifs mis en jeu par sa création et sa diffusion. Il faudra donc non seulement refuser l’« entre-soi », mais aussi s’abstenir d’exposer dans un musée, où s’exhibe le « plaisir de la distance de classe », ou de jouer dans une salle de concert classique, excluante en tant que telle (10).

    On pourrait conclure que mieux vaut directement militer. Pourtant, Lagasnerie signale que tout n’est pas perdu : « Ce sont en fait plutôt les auteurs centraux, ou dont les œuvres parviennent à conquérir une certaine centralité publique et institutionnelle, qui produisent les avancées révolutionnaires les plus importantes. » Ah ? Révolutionnaires, vraiment ? Et il conclut par un éloge du cynisme : autant utiliser tout ce qui peut permettre de remplir ce rôle, accepter de ruser avec l’impureté de l’argent, de l’institution, en résumé des pouvoirs, pour faire exister la pureté des « pratiques émancipatrices ». Ce n’est d’ailleurs pas si compliqué : un essai précieux, L’Art et l’Argent, souligne que les « élites contemporaines » aiment « qu’on les agresse ». À preuve, le rappel de la « culpabilité coloniale » dans le travail de l’artiste Adel Abdessemed séduit M. François Pinault (11).

    Ce même recueil met en relation certaines de ces évidences jugées progressistes avec le règne du néolibéralisme. Élitiste ? Plus personne ne l’est, bien au contraire. Voyez les « grands » collectionneurs : leurs collections, riches en « pompiers » séduisants, « sont de nature à devenir des attractions touristiques ». L’art ? Il sert l’« idéologie des manageurs », à travers le développement de la créativité dont chacun est doté. Sa spécificité ? Tout peut faire art, y compris la mode, le « luxe » — d’ailleurs, Jeff Koons crée des sacs pour Louis Vuitton. Le jugement esthétique ? L’émotion, le « ressenti » suffisent, proclament les journalistes. Son utilité dans la vie « citoyenne » ? Le programme de la biennale Manifesta 13 Marseille, initiative d’une fondation privée, est typique : il s’agit désormais, « au-delà des sujets artistiques et culturels », de se centrer « sur l’humain et ses problématiques écologiques ».
    Une « communication des inconscients »

    Jadis, à gauche, la réflexion fut souvent moins en accord avec les tendances du marché, moins prompte à confondre l’affichage moraliste et la visée transformatrice. Antonio Gramsci, cofondateur du Parti communiste italien, rappelait que « l’art est éducatif en tant qu’art, mais non comme art éducatif ». Theodor W. Adorno analysait le rôle des industries culturelles : insuffler la « voix de leurs maîtres » aux consommateurs (12). On interrogeait le poids de l’idéologie dominante qui façonne la « spontanéité » des demandes. Le philosophe hongrois Georg Lukács, membre de la République des conseils en 1919, s’élevait contre la réduction de l’art au « sociologisme vulgaire » — la réduction de toute perspective artistique à des questions de classe (13). Pierre Bourdieu, étudiant les conditions de la « révolution symbolique » opérée par Édouard Manet, soulignait qu’elle s’accomplit en apportant des contradictions aux codes en vigueur, tout en précisant que « la communication entre une œuvre d’art et un spectateur est une communication des inconscients beaucoup plus qu’une communication des consciences (14) »… Enfin, comme l’écrivait Adolfo Sánchez Vázquez, philosophe communiste qui s’exila au Mexique à la fin de la guerre d’Espagne, s’il faut aspirer à la socialisation de la création, celle-ci n’interviendra que dans une société « qui n’est plus régie par le principe de rentabilité », l’artiste devenant alors le « créateur des possibilités de création que d’autres doivent réaliser » (15).

    En attendant, rappelons avec Bourdieu que l’art peut être porteur de dissonances, susceptibles d’induire une nouvelle représentation du monde. Brecht approuve. Charlie Chaplin aussi.

    #art #culture #coconstruction #artiste #peuple

    • J’ai trouvé ce texte assez juste, interessant et plutot déséspérant pour mon avenir d’artiste qui doit faire de la coconstruction pour espéré bouffer tout en culpabilisant de "la honte d’être artiste" comme le dit le dernier bouquin de Lagagnerie que j’ai lu.
      https://artais-artcontemporain.org/lecture-lart-impossible-de-geoffroy-de-lagasnerie

      "Enfin, vers la fin de l’ouvrage, Geoffroy de Lagasnerie prône un cynisme programmatique et invite les artistes à exposer, sans âme , chez Vuitton ou au Palais de Tokyo. Le « cynisme » porté par l’auteur n’est que le cynisme du monde. Philosopher chez Bolloré ou écrire chez Lagardère, exposer chez Vuitton, c’est penser, créer dans un monde malade. Ne demandons pas aux artistes, une vertu que nous autres sommes incapables de revêtir. Créer dans un monde mauvais semble de plus en plus impératif."
      J’imagine qu’il dit ca pour défendre Assa Traoré et Paul B. Preciado qui sont proches de lui et font de la pub respectivement pour louboutin et LVMH. Mais en fait l’art cynique c’est le plus rentable et le plus valorisé aujourd’hui et j’arrive pas complétement à adhéré à ca non plus (surtout faire un art sans ame pfff à quoi bon faire de l’art alors..) meme si c’est vrai que c’est plutot des patriarches qui peuvent s’acheter mes patriarches et ca me rend plus triste qu’autre chose.

      Les ccl sur un sujet pareil c’est pas evident et Mme Pellier sur le diplo ne s’en sort pas mieux avec la sienne qui est décevante comme un beau soufflé qui s’abouse à la sortie du four.

  • La mégère et le protecteur-collectionneur.

    Je pense que je dois à ton égard représenter un mâle occidental alpha avec tous ses défauts alors que je suis un homme qui a fait un long cheminement pour etre qui il est à ce jour.
    Ma perception est que tu considère mes paroles comme une prise de pouvoir et de contrôle alors que je me considère comme bienveillant et protecteur.

    C’est ce que m’a écrit un collectionneur hier suite à mon refu de bosser avec lui. Mon refu n’etait pas lié au fait qu’il soit un homme, mais à sa mentalité qui me plaisait pas et j’en ai eu la confirmation dès que j’ai contrarié ses plans de bienveillant protecteur. Bien sur je lui ai pas demandé d’être bienveillant et protecteur mais qu’il soit un minimum respectueux et professionnel ca m’aurai pas dérangé. Il enchaine donc sur ceci :

    A titre de collectionneur, je suis heureux en tout cas d’avoir acquis une de tes œuvres récentes les plus intéressantes et je te prie à ce titre de ne plus la diffuser en ligne ou la reproduire de quelque manière que ce soit sachant que je suis désormais l’unique propriétaire.

    A titre de collectionneur ce patriarche a l’air très heureux du pouvoir qu’il croit avoir sur mon œuvre et sur moi. Le pouvoir de me faire taire. Sa bienveillance protectrice le pousse à tenté de me punir d’avoir refusé son offre en cherchant à me confisqué mon travail. Tant de bonté ca me fait chaud au cœur !
    Avec de bienveillants protecteurs tel que lui, pas besoin de malveillants prédateurs...
    Bref je lui ai rappelé la loi qui fait de moi l’unique propriétaire des droits de reproduction, en le remerciant d’avoir confirmé mes intuitions le concernant et lui précisant que j’étais syndiqué. J’étais bien contente de le remettre à sa place merci @monolecte pour le CAAP c’est grâce à toi que j’y suis.

    Je pense que ca va m’inspiré un dessin ou deux. C’est un bel exemple à mon avis de comment les femmes artistes disparaissent : leurs « bienveillants protecteurs » les effacent quant elles n’exécutent pas leurs 4 volontés de dominants. Il a voulu m’exciser la parole mais heureusement j’ai un baubellum en acier trempé !

    #censure #bienveillance #protection #sanction #art #artiste #invisibilisation #silenciation #syndicat #femmes #féminisme #argent #valeur #pouvoir #punir #patriarche #grand_homme #caap #domination #baubellum #mégèrisme

  • Quelles libertés pour l’art post-covid 19 ?

    Je commence cette réflexion sur la liberté de l’art et des artistes dans l’ère post-Covid 19 en m’appuyant sur deux informations récentes : d’une part, on estime que, dans le monde, le nombre de nouveaux pauvres attribuables à la pandémie se situera entre 119 et 124 millions[1] (c’est-à-dire presque la totalité du nombre de personnes nées durant cette période), d’autre part et en même temps, jamais encore la richesse des gens les plus fortunés de la planète n’avait crû de manière aussi rapide et importante.[2]

    Dans le même contexte, on apprend que le patron de Moderna, l’un des producteurs de vaccins utilisés pour lutter contre le coronavirus, compte parmi ces heureux nouveaux milliardaires. Comme par hasard et sans que les médias n’éclatent de rire en rapportant ses propos, il préconise « une troisième dose de vaccin dès la fin de l’été pour les personnes à risques »[3]...

    Sachant que la population humaine, qui ne cessera de croître pendant plusieurs décennies encore, est le seul « territoire » en expansion que le capitalisme peut continuer de conquérir sur une planète limitée dont il aura bientôt épuisé les autres ressources sans avoir d’alternative (seul un idiot peut prendre au sérieux la chimère et l’imposture spéculative que constitue la conquête de l’espace), il n’est pas surprenant que le Covid 19 ait fourni à ce capitalisme prédateur la bonne occasion d’assujettir cette dernière proie. En instrumentalisant la santé des individus, il continue en effet d’engranger des profits, alors que tout le reste se fait rare, y compris la biomasse qu’il détruit de manière écervelée afin de produire l’énergie nécessaire à sa survie.

    Cette réalité s’inscrit dans la tendance générale des dernières décennies qui ont vu le fossé se creuser entre les riches et les pauvres et, corollairement, les idéaux démocratiques s’éroder. Elle confirme la thèse de Naomi Klein selon laquelle toute crise dans les sociétés contemporaines - et une pandémie en fait partie, comme les catastrophes naturelles et les bulles financières qui éclatent - induit systématiquement une concentration des pouvoirs et des richesses, et augmente donc simultanément la masse des indigents.

    Cette réalité est aussi celle des artistes et de l’art.

    Or, la conception de l’art comme expression de la liberté individuelle et comme puissance d’élévation et d’émancipation, tout comme celle d’un art engagé capable d’influer sur le développement de la société (conception qui, me semble-t-il, prévaut dans le projet Störende Wahrheiten et que je défends également), s’est constituée sous des prémisses fondamentalement autres. Elle est la conséquence de la lente transformation du statut des artistes, longtemps enfermés dans les protocoles stricts des corporations du moyen âge, transformation qui ne s’est, de fait, concrétisée que vers la fin du 19ème siècle.

    Et encore, à bien y regarder, seulement pour les artistes d’avant-garde, qui n’étaient de loin pas la majorité - il s‘agissait en gros, de ceux qui remettaient en question les enseignements des académies (aujourd’hui remplacées par les écoles d’art) et que seuls, logiquement, l’histoire de l’art moderne tend à retenir. C’était également l’époque où l’Occident a imposé sa suprématie partout dans le monde, l’époque de l’industrialisation galopante, du triomphe de la bourgeoisie sur l’Ancien Régime, de l’exploitation coloniale et de l’alphabétisation d’une grande majorité des populations - alphabétisation devenue si essentielle au fonctionnement d’une société urbanisée et dé-ruralisée que l’on peut douter qu’elle fut juste le fruit d’une volonté philanthropique.

    Évidemment, ce processus s’est enclenché bien plus tard dans les sociétés non-occidentales et colonisées : pour certaines il n’est pas encore terminé, pour d’autres il est déjà interrompu.

    Dans ce contexte nouveau, les tout aussi nouveaux intellectuels pouvaient compter sur une audience devenue consistante : pour la première fois dans l’histoire, la chose écrite était susceptible d’atteindre les masses, ce qui explique, entre autres, les succès populaires des romans d’un Victor Hugo, d’un Alexandre Dumas, d’un Herman Hesse ou d’un Jules Verne.

    Les écrivains qui réussissaient vivaient comme de grands bourgeois (ils étaient d’ailleurs souvent issus de cette classe) et se voyaient admirés par le peuple. Les peintres, les musiciens, les acteurs et les danseurs, eux, bataillaient encore pour être vus comme autre chose que des marginaux ou des singes savants : si les plus originaux (ou les plus dévoyés) parmi les anciens aristocrates et les nouveaux riches aimaient s’encanailler en leur compagnie, ces artistes ne jouissaient pas d’une véritable considération sociale – d’où aussi, l’apparition du mythe de l’artiste maudit, dont Vincent Van Gogh est le paradigme, ou de l’artiste cherchant l’idéal d’une société originelle et pure, loin de l’Occident, comme Paul Gauguin.

    Mais très vite, une scission se produisit entre ceux qui ne possédaient que les bases de l’instruction et ceux qui avaient accès aux études supérieures. De là découle la séparation artificielle qui s’est instaurée depuis entre la culture populaire et la culture savante (low and high culture) – ne pas mélanger les torchons et les serviettes et imposer les codes de cette distinction a de tout temps été une préoccupation majeure des classes dominantes.

    Marcel Duchamp incarne à merveille ce passage. Fils de notaire, intelligent, doué et cultivé, il a parfaitement compris quelles libertés artistiques le monde en train de se faire allait permettre. D’ailleurs, ce n’est pas un hasard si c’est Outre-Atlantique qu’il s’est d’abord distingué. Les États-Unis étaient, en effet, le premier pays industrialisé à établir une société fondée sur trois niveaux d’instruction, chacun destiné à environ un tiers de la population : le bas pour le prolétariat, le moyen pour les commerçants et les employés des services, le haut pour les dirigeants.[4]

    Lorsque, bouleversant les codes communément admis par les gens cultivés de l’époque, Duchamp exposa son Nu descendant l’escalier à l’Armory Show en 1913, il donna à la jeune classe des académiciens américains, plus éduquée encore, un premier point de ralliement. Par la suite, ses ready-made, son Grand Verre, et son Etant donnés, toutes œuvres exigeant une belle ouverture d’esprit et un affranchissement des repères établis, ne firent que confirmer son statut d’artiste pour l’intelligentsia naissante.

    Et ce n’est pas un hasard non plus s’il est devenu un mythe en Europe seulement à partir de l’après seconde guerre mondiale, lorsque les Européens ont commencé à rattraper le retard en études supérieures qu’ils avaient par rapport aux États-Unis – trop tard donc pour empêcher New York de détrôner Paris (et d’autres villes européennes) comme capitale mondiale de l’art, comme le montra bien l’attribution du prix à l’Américain Robert Rauschenberg à la biennale de Venise en 1964.

    Mais, en même temps, les deux guerres mondiales successives ayant fait des ravages parmi le gros des populations tout en laissant également quelques trous à combler dans les hautes sphères, elles ont poussé à la reconstruction massive et à la modernisation à marche forcée : cela a permis, de manière plutôt inespérée, à un certain nombre de gens issus des classes populaires (peu, en réalité) et de la petite bourgeoisie (beaucoup plus) d’accéder aux études universitaires et d’intégrer le monde académique.

    Rétrospectivement, cette époque semble être celle où l’ascenseur social a le mieux fonctionné (probablement plus par nécessité économique que par volonté politique établie) et celle qui a forgé le sentiment des avantages de la démocratie chez la plupart de ceux qui en ont recueilli le bénéfice – de fait, dans les années 1960, l’écart entre les riches et les pauvres avait atteint son niveau le plus bas en Occident, grâce aussi à l’exploitation colonialiste du reste de la planète, bien entendu.

    Or, ce monde académique, jeune et mélangé socialement comme jamais auparavant, allait presque naturellement s’identifier avec les formes d’art intellectuellement plus exigeantes et les promouvoir, approfondissant du même coup, de manière plus ou moins consciente et probablement involontaire, le fossé entre art populaire et art savant.

    L’avènement de l’art conceptuel et des pratiques artistiques hautement théorisées de cette époque corroborait et alimentait ce développement, même si simultanément, le pop art brouillait superbement les frontières, perpétuant l’illusion de son accessibilité auprès du petit peuple (il ne faut pas perdre de vue que cet art aussi était possédé uniquement par les – nouveaux – riches). Cependant, pour la première fois, des gens d’origines modestes pouvaient, grâce à leurs capacités intellectuelles (et généralement beaucoup de travail), accéder aux sphères supérieures et tenir dans les universités, les musées et les débats publics le même rang que les éternels fils à papa (les femmes étaient encore très minoritaires dans le secteur culturel) qui y parvenaient davantage par le privilège de leur naissance et de leurs relations que par leurs mérites réels.

    On peut donc comprendre que l’art a dès lors pu apparaître comme un facteur d’émancipation, d’élévation et d’expression d’une liberté individuelle, et même de transformation sociale – cela correspondait à son rôle réel aussi bien du point de vue intellectuel que sociétal.

    C’est sur cet arrière-fond que, suite à la révolution (avortée) de la jeunesse (généralement gâtée) de mai 1968, les académies d’art traditionnelles ont été réformées pour devenir les écoles d’art d’aujourd’hui.[5] Là aussi, le modèle vient des États-Unis, bien qu’on puisse aller chercher ses origines dans le mouvement Arts & Crafts de William Morris et le Bauhaus de Walter Gropius : le fameux Black Mountain Collège en est l’archétype accompli.

    De fait, si la plupart des parcours artistiques qui ont marqué l’histoire de l’art depuis le milieu du 19ème siècle jusqu’en 1945 se sont construits et affirmés par opposition au métier enseigné dans les académies, en revanche, les artistes qui ont marqué l’après-guerre sont très souvent issus de l’université, et ils ont d’emblée introduit le discours théorique (et politique) dans leur démarche. Les écrits des artistes deviennent alors de véritables thèses, intellectuellement sophistiquées et méthodiquement construites, très différentes des manifestes et des publications philosophico-mystiques des avant-gardes historiques d’avant 1914. Il suffit pour s’en convaincre de comparer le lyrisme emphatique du futuriste Filippo Marinetti ou les obscures élucubrations poétiques de Kandinsky avec la clarté discursive de Daniel Buren ou avec la rigueur structurelle de Donald Judd, par exemple. Et il est logique que ces artistes, une fois consacrés, aient transformé l’enseignement artistique à leur image.

    Ainsi, la première génération d’enseignants des nouvelles écoles d’art était fortement imprégnée des idées gauchistes qui ont promu les idéaux d’émancipation dont elle était elle-même le fruit. Et cette tendance s’est ensuite propagée dans les musées qui, jusqu’alors largement conservateurs et élitistes, se sont d’abord vus concurrencés par les centres d’art contemporain, plus indépendants, apparus à partir des années 1970, et ont ensuite intégré, pour une partie d’entre eux du moins, les mêmes idéaux progressistes et démocratiques.

    Mais la réaction ne s’est pas fait attendre ou, plus précisément, le sens de l’histoire allait encore s’inverser. Incapables de prolonger leur mouvement libérateur et égalitariste au-delà du seuil nécessaire à la consolidation des nouveaux repères, les sociétés redeviennent conservatrices et rétablissent les anciennes hiérarchies, fut-ce dans de nouveaux oripeaux et en intégrant les homines novi, tout en se servant des technologies de pointe à leur disposition.

    Au moment même où le talent, le mérite et la maîtrise intellectuelle permirent à certains, grâce aux connaissances acquises et au discours réfléchi, d’accéder, dans les institutions culturelles, aux postes habituellement occupés par ceux qui jouissaient des privilèges des sphères dominantes, le rouleau compresseur néolibéral commença à freiner les ascensions sociales et à rigidifier les situations, rétablissant les compartimentations entre les classes selon le seul critère du succès économique et des richesses accumulées.

    Ainsi, on peut considérer que l’offensive idéologique contre l’art conceptuel et ses développements (le land art, l’arte povera, l’art corporel, les performances, etc.), dont l’idéal consistait justement à se libérer de toute emprise marchande, est venue du marché de l’art dès le milieu des années 1960, au plus tard lorsqu’a été fondée la première foire des galeries à Cologne. Peu après, le retour à la peinture (Neue Wilden en Allemagne, transavanguardia en Italie, figuration libre en France, bad painting aux États-Unis, etc.) consacrait à nouveau la primauté du produit artistique sur les démarches poétiques et politiques qui espéraient fonder la société sur de nouvelles bases.

    Un demi-siècle plus tard, le constat est sans appel : les musées d’art ne sont plus qu’un rouage parmi d’autres de l’industrie culturelle et touristique et ne servent (presque) plus qu’à entériner les tendances du marché et à valoriser les collections privées des nouveaux riches en soif de reconnaissance – ce pauvre ersatz des valeurs humanistes. Ils ne sont plus les lieux de la découverte, de la réflexion et de la contemplation qu’ils ont rêvé d’être, et n’incarnent plus, sinon par une communication fallacieuse, l’utopie démocratique dont ils se sont un temps fait les hérauts. Ils sont aujourd’hui à la traîne, voire à la botte, des foires d’art qui, à travers conférences, colloques et symposiums, organisent des rassemblements d’intellectuels réduits à servir d’alibi à ces événements marchands et people.

    Le monde de l’art est désormais intégré à un système pour lequel le seul critère d’évaluation est le succès financier et médiatique - ces deux vont de pair, puisque les grands médias sont détenus par les mêmes milieux, et loin de constituer un contre-pouvoir, ne font que renforcer celui en place. Aucune parole critique n’a plus prise sur lui : le discours critique même ne sert d’ailleurs plus que de faire-valoir et de divertissement à ce système.

    Pour les artistes, la situation n’est pas commode. Il faut tenir compte du fait que, en règle générale et à peu près partout dans le monde, moins de 2% de ceux qui se déclarent artistes vivent de leur art, qu’une moitié d’entre eux survit grâce à des métiers alimentaires ou un soutien extérieur (rémunération du conjoint ou rente) et que la grande majorité est paupérisée.

    On retrouve donc dans la sphère artistique les mêmes proportions et les mêmes dépendances que dans la société dans son ensemble : une infime minorité accapare l’argent et l’attention des médias, tous les autres nourrissent le système en y participant mais, sans levier pour le transformer, ils ne font que le subir. En effet, pour les artistes aussi, le glissement progressif vers la pauvreté, l’exclusion et la marginalisation devient le sort commun, malgré les exceptions qui sont logiquement célébrées et promues comme modèles à suivre par le star system et malgré l’illusion passagère que confère la célébrité virtuelle sur les réseaux sociaux.

    À cela s’ajoute que les écoles d’art aussi reflètent cette évolution extrêmement polarisée. Quelques-unes d’entre-elles, choyées par les galeries multinationales et les grands collectionneurs, fournissent l’essentiel des rares artistes à succès, tandis que la plupart ne fait qu’assurer quelques années de répit et – dans le meilleur des cas, de rêve - aux futurs sans-emploi. Dès l’origine, les écoles d’art n’ont jamais vraiment concerné qu’une mince couche de la population - il est vrai que le monde de l’art est d’une uniformité sociologique assez effrayante, à des lieues de son idéal égalitariste et d’ouverture démocratique : pendant des décennies, elles ont surtout attiré la descendance des premières générations d’académiciens et elles n’ont pratiquement jamais touché les classes ouvrières, encore moins les populations immigrées.

    Mais le déclassement social guette désormais également cette descendance et les diplômes élevés qui lui sont accessibles ne lui procurent plus guère de débouchés viables - c’est le cas dans l’enseignement public dans son ensemble d’ailleurs.

    Or l’enseignement artistique lui-même s’est également transformé entretemps : l’élan contestataire et libérateur qui le portait à la suite des années 1960 a laissé la place au conformisme et au formatage. Les étudiants en art sont aujourd’hui davantage éduqués à soigner la présentation de leurs dossiers qu’à développer leurs capacités personnelles, afin d’avoir une chance de prendre place sur le marché, dans un monde de l’art dirigé par quelques grosses fortunes qui souvent font non seulement la cote des artistes, mais les artistes eux-mêmes.[6]

    Dans cette logique, on ne peut pas attendre de l’art et des artistes qu’ils fassent de la politique, et surtout pas qu’ils entreprennent de transformer la société : de plus en plus, ils ne font que subir et entretenir, parfois malgré eux, le système établi. Les conditions actuelles font de l’art un produit de prestige et de distinction pour les nouveaux riches - lorsqu’il ne sert pas au placement financier ou au blanchiment d’argent - et des artistes les fournisseurs interchangeables d’une industrie indifférente au véritable amour de l’art et à ceux qui ne sont pas adaptés au marché.

    L’écart qui se creuse partout entre les riches et les pauvres tend à rigidifier les cloisonnements sociaux et même à rendre caduque l’illusion démocratique, tout en attisant les conflits dans un contexte de raréfaction des ressources et de catastrophes écologiques.

    Autrement dit : l’idéal émancipateur de l’art s’est forgé à une époque d’abondance matérielle (pour les Occidentaux) et d’utopie démocratique permettant à beaucoup d’échapper aux déterminismes sociaux : il est à craindre qu’il devra déchanter face aux pénuries et aux autoritarismes qui s’annoncent. Sans parler de la digitalisation et de l’utilisation des réseaux sociaux souvent salués comme des plateformes de libre expression ou comme un outil de communication alors qu’ils visent avant tout à un contrôle sans bornes des individus et une uniformisation des esprits.[7]

    Les frontières entre les classes (qu’on a feint de nier pendant toute cette période) se durcissent à nouveau et il ne serait pas étonnant que les sociétés cultivent bientôt des liens de dépendances et d’asservissements proches de ceux qui existaient dans les structures féodales ou dans l’Ancien Régime. Auquel cas, l’art servira le politique et le pouvoir ou sera simplement ignoré. À moins que les artistes ne se forgent de nouvelles armes artistiques et intellectuelles, indépendantes du système dans lequel ils sont embourbés.

    Ce sera difficile…

    Enrico Lunghi

    Mai 2021

    (publié dans le catalogue stoerende-wahrheiten.com, Lorentzweiler (LU)

    [1] blogs.worldbank.org/fr/opendata/actualisation-des-estimations-impact-pandemie-covid-19-sur-pauvrete

    [2] www.forbes.com/billionaires/, www.wort.lu/de/business/trotz-corona-war-2020-ein-rekordjahr-fuer-die-fondsindustrie-60759897de135b9236dcb0aa

    [3] www.lemonde.fr/planete/article/2021/05/23/covid-19-le-patron-de-moderna-preconise-une-troisieme-dose-de-vaccin-des-la-fin-de-l-ete-pour-les-personnes-a-risque_6081182_3244.html

    [4] Voir Emmanuel TODD, Où en sommes-nous ? – Une esquisse de l’histoire humaine, Editions Seuil, Paris 2017.

    [5] Dans les pays de l’Europe de l’Est cela ne s’est fait, progressivement, qu’après 1989, et dans le reste du monde encore plus tard.

    [6] En France, les milliardaires Arnaud et Pinault incarnent parfaitement la structure oligopolistique du monde de l’art et sa soumission au marché, à la finance et aux médias. Voir, entre autres, ces deux excellents ouvrages : Annie LE BRUN, Ce qui n’a pas de prix, Editions Stock, Paris 2018, et Wolfgang ULLRICH, Siegerkunst : Neuer Adel, teure Lust, Wagenbach Vlg, 2016

    [7] Voir Félix TREGUER, L’utopie déchue, Fayard, Paris 2019 et Edward SNOWDEN, Mémoires vives, Seuil, Paris, 2019

    #art #artiste

  • Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ?

    Par Linda Nochlin, Thames & Hudson, traduit de l’anglais par Margot Rietsch, 14,90 euros.

    C’est la « question bête » à laquelle l’historienne de l’art Linda Nochlin, décédée en 2017, était régulièrement confrontée. En 1971, elle y répond dans la revue « ArtNews », ainsi qu’à son insidieux sous-entendu : « Il n’y a pas de grandes femmes artistes car les femmes sont incapables de grandeur. » Dans cet article plein d’esprit, qui devait ouvrir la voie à une histoire de l’art féministe, elle dévoile comment « la faute […] n’incombe pas à nos lignes de vie, nos cycles menstruels ou notre vacuité intérieure », mais bien aux structures institutionnelles et sociales qui ont tenu les femmes à l’écart pendant des siècles. Par exemple, en leur refusant l’accès aux modèles nus. Elle relève aussi comment l’adoption du point de vue du mâle blanc occidental a biaisé la notion de génie artistique. En cinquante ans, le texte, dont l’artiste Judy Chicago a dit qu’il « a changé le monde », n’a rien perdu de son acuité. Il est accompagné d’un appendice appelé « Trente Ans plus tard », dans lequel Nochlin commente l’émergence d’un nouveau canon, avec Louise Bourgeois ou Cindy Sherman, et soutient que « l’histoire de l’art féministe est là pour semer la zizanie, pour remettre en question, pour voler dans les plumes du patriarcat ».

    A. S.

    #art #femmes #talent #artiste #géni #grand_homme #féminisme

  • « Je retrouve ma vie d’avant » : à Paris, la renaissance des #immigrés artisans d’#art - Boursorama
    https://www.boursorama.com/actualite-economique/actualites/je-retrouve-ma-vie-d-avant-a-paris-la-renaissance-des-immigres-artisans-

    Fichu noué sur la tête et marteau en main, Faten Al-Ali brise de petits morceaux de mosaïque, qui formeront bientôt une œuvre. Voilà cinq ans que la Syrienne est arrivée en France et, enfin, elle touche du doigt son rêve : renouer avec sa vie d’#artiste.

    « Je retrouve ma vie d’avant. Le travail, c’est pas juste l’argent, c’est quelque chose d’intime. Etre artiste, j’ai ça dans le sang, je ne peux rien faire d’autre », exulte en français l’ancienne Damascène de 48 ans, dans l’atelier parisien de la #Fabrique_nomade, une association qui tente de remettre le pied à l’étrier des immigrés artisans d’art.

    Poussée à l’exil par la guerre civile, cette mosaïste autodidacte qui travaillait depuis quinze ans le vitrail, la fusion de verre et la céramique avant de quitter la Syrie en 2011, a dû attendre quatre ans en Egypte de pouvoir rejoindre son mari à Paris.

    « J’ai beaucoup souffert pour reprendre mon travail, pour apprendre la langue française... Mais maintenant j’apprends de nouvelles choses, les goûts des Français. Il y a de nouveau l’espoir », dit-elle.

    L’association accueille une douzaine de migrants de tous horizons en quête, comme elle, d’une passerelle vers des emplois qu’ils maîtrisent mais qui leur sont fermés.

    « Ils rencontrent tous les mêmes freins : la langue, la méconnaissance du marché, l’absence de reconnaissance de l’expérience professionnelle dans le pays d’origine et, surtout, l’orientation vers les secteurs comme le ménage, le BTP, la restauration, l’hôtellerie », regrette Inès Mesmar, fondatrice de la Fabrique nomade.
    – « Gâchis » -

    L’ambition, explique-t-elle, est de « valoriser leurs compétences, leur permettre de s’insérer grâce à leur savoir-faire ».

    En cinq ans d’existence, l’association s’enorgueillit d’un taux d’insertion professionnelle de 76%, dont 56% dans les métiers d’art.

    Des chiffres d’autant plus encourageants que l’insertion a encore « beaucoup de progrès à faire », selon un rapport parlementaire sur le sujet présenté en septembre dernier, et que l’artisanat « fait face à des besoins importants, avec des métiers pour lesquels il n’y a plus de transmission en France », résume Inès Mesmar.

    Son engagement lui vient d’une histoire personnelle : en 2015, au pic de la crise migratoire, l’ethnologue de formation découvre que sa mère était autrefois brodeuse dans la médina de Tunis, avant d’abandonner son métier lorsqu’elle a émigré en France.

    « J’ai pris conscience du gâchis que ça représente, ces personnes obligées d’oublier qui elles sont pour gagner leur vie », raconte la fondatrice de l’initiative, soutenue notamment par le géant LVMH.

    Un nom qui fait rêver Hemantha Kuragamage, bijoutier srilankais de 50 ans, qui en paraît dix de moins.

    Lui a tout tenté pour revenir à ses premières amours, depuis qu’il a atterri en France en septembre 2016. En vain. « Toutes les entreprises me demandaient un diplôme français », souffle celui qui a tout appris avec son oncle à Colombo, où il a exercé près de vingt-cinq ans.

    Il a dû alors se rabattre sur un emploi alimentaire, trois ans comme pizzaïolo.
    – S’adapter au marché -

    « Joailler, j’aime ce métier, c’est celui que je connais », dit-il entre deux coups de chalumeau pour façonner une bague. Le reprendre « me permettrait d’avoir une vie meilleure, de gagner plus d’argent, et c’est une façon d’être plus intégré en étant vu comme un vrai professionnel ».

    Il est proche du but, à en croire Nicolas Tappou, joailler de la prestigieuse maison Chaumet, qui vient une demi-journée par semaine pendant six mois pour accompagner Hemantha et son compatriote Beragama Saman, un taiseux de 45 ans, dont trente à travailler les bijoux.

    « Ils connaissent déjà leur métier. Moi j’essaie de leur apporter de nouvelles façons de faire, des touches française et parisienne, sur la haute joaillerie », explique-t-il. Objectif : « adapter leurs techniques » au marché français.

    Le formateur en est convaincu, les entreprises ont intérêt à recruter ces profils, qui peuvent « apporter leurs propres techniques et cultures ».

    Pour Ahmed Ly, Sénégalais longiligne de 35 ans, l’équation est différente. L’industrie du textile manque de main d’œuvre et, avant même d’intégrer la promotion, le couturier a commencé à collaborer avec une styliste parisienne spécialisée dans le tissu wax, aux motifs africains.

    « Je veux surtout me faire un carnet d’adresses », anticipe-t-il. « Et si les gens sont épatés par ce que je fais, peut-être que j’arriverai à me faire une vraie place. »

  • #Campagnes de #dissuasion massive

    Pour contraindre à l’#immobilité les candidats à la migration, jugés indésirables, les gouvernements occidentaux ne se contentent pas depuis les années 1990 de militariser leurs frontières et de durcir leur législation. Aux stratégies répressives s’ajoutent des méthodes d’apparence plus consensuelle : les campagnes d’information multimédias avertissant des #dangers du voyage.

    « Et au lieu d’aller de l’avant, il pensa à rentrer. Par le biais d’un serment, il dit à son cousin décédé : “Si Dieu doit m’ôter la vie, que ce soit dans mon pays bien-aimé.” » Cette #chanson en espagnol raconte le périple d’un Mexicain qui, ayant vu son cousin mourir au cours du voyage vers les États-Unis, se résout à rebrousser chemin. Enregistrée en 2008 grâce à des fonds gouvernementaux américains, elle fut envoyée aux radios de plusieurs pays d’Amérique centrale par une agence de #publicité privée, laquelle se garda bien de révéler l’identité du commanditaire (1).

    Arme de découragement typiquement américaine ? Plusieurs États européens recourent eux aussi à ces méthodes de #communication_dissuasive, en particulier depuis la « crise » des réfugiés de l’été 2015. En #Hongrie comme au #Danemark, les pouvoirs publics ont financé des publicités dans des quotidiens libanais et jordaniens. « Les Hongrois sont hospitaliers, mais les sanctions les plus sévères sont prises à l’encontre de ceux qui tentent d’entrer illégalement en Hongrie », lisait-on ici. « Le Parlement danois vient d’adopter un règlement visant à réduire de 50 % les prestations sociales pour les réfugiés nouvellement arrivés », apprenait-on là (2). En 2017, plusieurs #artistes ouest-africains dansaient et chantaient dans un #clip intitulé #Bul_Sank_sa_Bakane_bi (« Ne risque pas ta vie »). « L’immigration est bonne si elle est légale », « Reste en Afrique pour la développer, il n’y a pas mieux qu’ici », « Jeunesse, ce que tu ignores, c’est qu’à l’étranger ce n’est pas aussi facile que tu le crois », clamait cette chanson financée par le gouvernement italien dans le cadre d’une opération de l’#Organisation_internationale_pour_les_migrations (#OIM) baptisée « #Migrants_conscients » (3).

    « Pourquoi risquer votre vie ? »

    Ces campagnes qui ciblent des personnes n’ayant pas encore tenté de rejoindre l’Occident, mais susceptibles de vouloir le faire, insistent sur l’inutilité de l’immigration irrégulière (ceux qui s’y essaient seront systématiquement renvoyés chez eux) et sur les rigueurs de l’« État-providence ». Elles mettent en avant les dangers du voyage, la dureté des #conditions_de_vie dans les pays de transit et de destination, les #risques de traite, de trafic, d’exploitation ou tout simplement de mort. Point commun de ces mises en scène : ne pas évoquer les politiques restrictives qui rendent l’expérience migratoire toujours plus périlleuse. Elles cherchent plutôt à agir sur les #choix_individuels.

    Déployées dans les pays de départ et de transit, elles prolongent l’#externalisation du contrôle migratoire (4) et complètent la surveillance policière des frontières par des stratégies de #persuasion. L’objectif de #contrôle_migratoire disparaît sous une terminologie doucereuse : ces campagnes sont dites d’« #information » ou de « #sensibilisation », un vocabulaire qui les associe à des actions humanitaires, destinées à protéger les aspirants au départ. Voire à protéger les populations restées au pays des mensonges de leurs proches : une vidéo financée par la #Suisse (5) à destination du Cameroun enjoint ainsi de se méfier des récits des émigrés, supposés enjoliver l’expérience migratoire (« Ne croyez pas tout ce que vous entendez »).

    Initialement appuyées sur des médias traditionnels, ces actions se développent désormais via #Facebook, #Twitter ou #YouTube. En #Australie, le gouvernement a réalisé en 2014 une série de petits films traduits dans une quinzaine de langues parlées en Asie du Sud-Est, en Afghanistan et en Indonésie : « Pas question. Vous ne ferez pas de l’Australie votre chez-vous. » Des responsables militaires en treillis exposent d’un ton martial la politique de leur pays : « Si vous voyagez par bateau sans visa, vous ne pourrez jamais faire de l’Australie votre pays. Il n’y a pas d’exception. Ne croyez pas les mensonges des passeurs » (6).

    Les concepteurs ont sollicité YouTube afin que la plate-forme diffuse les #vidéos sous la forme de publicités précédant les contenus recherchés par des internautes susceptibles d’émigrer. Le recours aux #algorithmes permet en effet de cibler les utilisateurs dont le profil indique qu’ils parlent certaines langues, comme le farsi ou le vietnamien. De même, en privilégiant des vidéos populaires chez les #jeunes, YouTube facilite le #ciblage_démographique recherché. Par la suite, ces clips ont envahi les fils d’actualités Facebook de citoyens australiens issus de l’immigration, sélectionnés par l’#algorithme car ils parlent l’une des langues visées par la campagne. En s’adressant à ces personnes nées en Australie, les autorités espéraient qu’elles inviteraient elles-mêmes les ressortissants de leur pays d’origine à rester chez eux (7).

    C’est également vers Facebook que se tourne le gouvernement de la #Norvège en 2015. Accusé de passivité face à l’arrivée de réfugiés à la frontière russe, il finance la réalisation de deux vidéos, « Pourquoi risquer votre vie ? » et « Vous risquez d’être renvoyés » (8). Les utilisateurs du réseau social avaient initialement la possibilité de réagir, par le biais des traditionnels « j’aime » ou en postant des commentaires, ce qui aurait dû permettre une circulation horizontale, voire virale, de ces vidéos. Mais l’option fut suspendue après que la page eut été inondée de commentaires haineux issus de l’extrême droite, suscitant l’embarras de l’État.

    Ici encore, Facebook offre — ou plutôt, commercialise — la possibilité de cibler des jeunes hommes originaires d’Afghanistan, d’Éthiopie et d’Érythrée, dont le gouvernement norvégien considère qu’ils ne relèvent pas du droit d’asile. L’algorithme sélectionne en particulier les personnes situées hors de leur pays d’origine qui ont fait des recherches sur Internet dénotant leur intérêt pour l’Europe et la migration. Il s’agit de toucher des migrants en transit, qui hésitent quant à leur destination, et de les dissuader de choisir la Norvège. Les Syriens ne font pas partie des nationalités visées, afin de ne pas violer le droit d’asile. De même, le message mentionne explicitement que seuls les adultes seront refoulés, afin de ne pas contester le droit des enfants à être pris en charge.

    À plusieurs reprises, depuis 2015, les autorités belges ont elles aussi utilisé Facebook pour ce type d’initiatives (9). En 2018, des photographies de centres de détention et d’un jeune migrant menotté, assorties du slogan « Non à l’immigration illégale. Ne venez pas en #Belgique » (10), furent relayées à partir d’une page Facebook créée pour l’occasion par l’Office des étrangers. Cette page n’existait toutefois qu’en anglais, ce qui a fait croire à un faux (y compris parmi les forces de l’ordre), poussant le gouvernement belge à la supprimer au profit d’un site plus classique, humblement intitulé « Faits sur la Belgique » (11).

    Si de telles initiatives prolifèrent, c’est que les États européens sont engagés dans une course à la dissuasion qui les oppose les uns aux autres. Le 30 mai 2018, en France, M. Gérard Collomb, alors ministre de l’intérieur, affirmait lors d’une audition au Sénat que les migrants faisaient du « #benchmarking » pour identifier les pays les plus accueillants. Cette opinion semble partagée par ses pairs, et les États se montrent non seulement fermes, mais soucieux de le faire savoir.

    Le recours aux plates-formes de la Silicon Valley s’impose d’autant plus aisément que les autorités connaissent l’importance de ces outils dans le parcours des migrants. Une très large majorité d’entre eux sont en effet connectés. Ils dépendent de leur #téléphone_portable pour communiquer avec leur famille, se repérer grâce au #GPS, se faire comprendre par-delà les barrières linguistiques, conserver des photographies et des témoignages des atrocités qui justifient leur demande d’asile, appeler au secours en cas de naufrage ou de danger, ou encore retrouver des connaissances et des compatriotes dispersés.

    Un doute taraudait les autorités des États occidentaux : en connectant les individus et en leur facilitant l’accès à diverses sources d’information, les #technologies_numériques ne conféraient-elles pas une plus grande #autonomie aux migrants ? Ne facilitaient-elles pas en définitive l’immigration irrégulière (12) ? Dès lors, elles s’emploieraient à faire de ces mêmes outils la solution au problème : ils renseignent sur la #localisation et les caractéristiques des migrants, fournissant un canal privilégié de communication vers des publics ciblés.

    Systématiquement financées par les États occidentaux et impliquant de plus en plus souvent les géants du numérique, ces campagnes mobilisent aussi d’autres acteurs. Adopté sous les auspices de l’Organisation des Nations unies en 2018, le pacte mondial pour des migrations sûres, ordonnées et régulières (ou pacte de Marrakech) recommande ainsi de « mener des campagnes d’information multilingues et factuelles », d’organiser des « réunions de sensibilisation dans les pays d’origine », et ce notamment pour « mettre en lumière les risques qu’il y a à entreprendre une migration irrégulière pleine de dangers ». Le Haut-Commissariat pour les réfugiés (HCR) et l’OIM jouent donc le rôle d’intermédiaires privilégiés pour faciliter le financement de ces campagnes des États occidentaux en dehors de leur territoire.

    Efficacité douteuse

    Interviennent également des entreprises privées spécialisées dans le #marketing et la #communication. Installée à Hongkong, #Seefar développe des activités de « #communication_stratégique » à destination des migrants potentiels en Afghanistan ou en Afrique de l’Ouest. La société australienne #Put_It_Out_There_Pictures réalise pour sa part des vidéos de #propagande pour le compte de gouvernements occidentaux, comme le #téléfilm #Journey, qui met en scène des demandeurs d’asile tentant d’entrer clandestinement en Australie.

    Enfin, des associations humanitaires et d’aide au développement contribuent elles aussi à ces initiatives. Créée en 2015, d’abord pour secourir des migrants naufragés en Méditerranée, l’organisation non gouvernementale (ONG) #Proactiva_Open_Arms s’est lancée dans des projets de ce type en 2019 au Sénégal (13). Au sein des pays de départ, des pans entiers de la société se rallient à ces opérations : migrants de retour, journalistes, artistes, dirigeants associatifs et religieux… En Guinée, des artistes autrefois engagés pour l’ouverture des frontières militent à présent pour l’#immobilisation de leurs jeunes compatriotes (14).

    Le #discours_humanitaire consensuel qui argue de la nécessité de protéger les migrants en les informant facilite la coopération entre États, organisations internationales, secteurs privé et associatif. La plupart de ces acteurs sont pourtant étrangers au domaine du strict contrôle des frontières. Leur implication témoigne de l’extension du domaine de la lutte contre l’immigration irrégulière.

    Avec quelle #efficacité ? Il existe très peu d’évaluations de l’impact de ces campagnes. En 2019, une étude norvégienne (15) a analysé leurs effets sur des migrants en transit à Khartoum, avec des résultats peu concluants. Ils étaient peu nombreux à avoir eu connaissance des messages gouvernementaux et ils s’estimaient de toute manière suffisamment informés, y compris à propos des aspects les plus sombres de l’expérience migratoire. Compte tenu de la couverture médiatique des drames de l’immigration irrégulière, il paraît en effet vraisemblable que les migrants potentiels connaissent les risques… mais qu’ils migrent quand même.

    https://www.monde-diplomatique.fr/2021/03/PECOUD/62833
    #migrations #réfugiés #privatisation #Italie #humanitaire #soft_power

    –-

    Ajouté à la métaliste sur les #campagnes de #dissuasion à l’#émigration :
    https://seenthis.net/messages/763551

    ping @isskein @karine4 @_kg_ @rhoumour @etraces

  • La Commune et la révolte des artistes
    https://lvsl.fr/la-commune-et-la-revolte-des-artistes


    Tandis que les Prussiens assiègent Paris, Gustave Courbet exhorte les artistes à soutenir collectivement l’insurrection. Avec un gouvernement en fuite et des ennemis aux portes de la capitale, la situation critique fournit l’occasion de recouvrer un honneur que la France a perdu à Sedan. Par esprit d’utopie ou par désir de révolte, les artistes communards sortent alors de leurs ateliers pour dépeindre une vie libre et digne, dont les hommes seraient les acteurs et Paris, la scène.

    (pas encore lu)
    #commune #art #artistes #histoire

  • #Femmes #Artistes

    Naomi Rosenblum, Historian of Photography, Dies at 96 - The New York Times
    https://www.nytimes.com/2021/03/05/arts/naomi-rosenblum-dead.html

    Histories of photography traditionally focused on England, France and the United States. But Dr. Rosenblum’s major contribution, “A World History of Photography” (1984), provided a true global perspective. The book was translated into several languages and remains a standard text in the field.

    Her other major work, “A History of Women Photographers” (1994), traced their accomplishments from the mid-1800s through the late 20th century. As she wrote, women’s participation in photography accelerated after George Eastman introduced the easier-to-use Kodak camera in 1888.

  • Le musée d’Orsay s’associe à AWARE pour promouvoir 40 #artistes #femmes des XIXe et XXe siècles | Connaissance des Arts
    https://www.connaissancedesarts.com/musees/musee-orsay/le-musee-dorsay-sassocie-a-aware-pour-promouvoir-40-artistes-fe

    Depuis 2014, AWARE travaille à rendre visibles en France et à l’internationale les artistes femmes du XXe siècles et leurs œuvres, bien trop souvent méconnus, en produisant sur son site des contenus scientifiques en français et en anglais, accessibles gratuitement. Aujourd’hui, plus de 720 portraits sont disponibles. Grâce à ce nouveau partenariat avec le musée d’Orsay, 40 textes biographiques d’artistes peintres, dessinatrices et sculptrices s’ajouteront cette année à la base d’AWARE. Ainsi les notices d’artistes telles que Sarah Bernhardt, Félicie de Fauveau, Rosa Bonheur, Mary Cassatt ou encore Berthe Morisot seront progressivement ajoutées entre mars et décembre 2021.

  • Du 7 janvier au 6 février 2021 au Carré de Baudoin : L’expo “D’un confinement à l’autre” présentée par l’atelier des artistes en exil, des artistes originaires d’#Iran, de #Palestine, de #Syrie, d’#Ukraine, du #Venezuela, de #Guinée, de la #République_démocratique_du_Congo, du #Soudan et du #Pakistan, nous livrent leur vision de ce moment inédit à travers des dessins, des peintures, des installations, des décors et des films)
    https://www.pavilloncarredebaudouin.fr/evenement/d-un-confinement-a-l-autre

    Visite virtuelle sous forme d’un film de 25 minutes :
    https://vimeo.com/479120278

    #exposition #artistes #confinement #coronavirus

  • L’#artiste #Paolo_Cirio affiche des visages de policiers dans Paris pour dénoncer la reconnaissance faciale
    https://information.tv5monde.com/info/l-artiste-paolo-cirio-affiche-des-visages-de-policiers-dans-pa

    La #pétition pour « bannir la #reconnaissance_faciale en Europe » a recueilli près de 14 000 signatures. Le #hacker militant et artiste Paolo Cirio y participe grâce à une performance bien particulière, en placardant à travers la capitale française des centaines d’affiches de visages de policiers récupérés sur Internet. Entretien.
    Paolo Cirio est très connu dans le milieu des défenseurs de la vie privée sur Internet. Il l’est moins du grand public, ce qui pourrait changer après sa performance artistique urbaine nommée "Capture "et lancée ce premier octobre 2020.

    https://www.laquadrature.net/2020/09/22/nous-soutenons-la-petition-pour-bannir-la-reconnaissance-faciale-en-eu

    pétition :
    https://ban-facial-recognition.wesign.it/droitshumains/bannissons-la-reconnaissance-faciale-en-europe#sign

  • Pourquoi la réédition de “New York” tue Lou Reed une seconde fois – Gonzaï
    http://gonzai.com/pourquoi-la-reedition-du-new-york-tue-lou-reed-une-seconde-fois

    L’avantage avec les #artistes_morts, c’est qu’ils n’ont plus leur mot à dire sur les projets de réédition ressemblant à des excavations sans gêne. Après Prince et Bowie, pour qui on devrait bientôt apprendre qu’un coffret collector de 45 vinyles bruités à la bouche par le Thin White Duke himself est « sur le feu », c’est au tour de #Lou_Reed de faire les frais d’un relifting post-mortem avec la publication imminente de « New York » en version deluxe. Outre le fait que l’emmerdeur new-yorkais était déjà cliniquement mort avant son décès, l’écoute de l’objet donne envie d’enterrer à ses côtés les responsables de cette merdique machine music.

    On souhaite bonne chance aux fossoyeurs ; la pelle n’est pas incluse dans ce coffret à 80 €.

    #Gonzaï #industrie_du_disque

  • Accord avec Israël : des artistes arabes boycottent les Émirats
    https://www.lecourrierdelatlas.com/accord-avec-israel-des-artistes-arabes-boycottent-les-emirats

    (...) « Considérant que si l’art n’est pas étroitement lié à des questions humanitaires et de justice, il n’a pas de valeur, j’annule ma participation à votre exposition », a écrit Mohamed Badarne à la fondation d’art de Charjah, l’un des sept émirats de la Fédération. Basé à Berlin, le photographe palestinien a rapidement pris sa décision. En tant que « peuple sous occupation, nous devons prendre position contre tout ce qui a trait à la réconciliation avec l’occupant » israélien, a-t-il ajouté à l’AFP.

    Sur les réseaux sociaux, des personnalités du monde culturel de plusieurs pays arabes comme l’Algérie, l’Irak, Oman, la Tunisie, mais aussi les Émirats, ont dénoncé la position d’Abou Dhabi. Un « jour triste et catastrophique », a estimé sur Facebook Dhabiya Khamis. L’écrivaine émiratie a ajouté « Non à la normalisation entre Israël et les Emirats, et les pays du Golfe arabe ! Israël est l’ennemi de la nation arabe tout entière », lorsque l’accord a été annoncé.
    (...)
    La romancière marocaine Zohra Ramij, qui y est en lice avec son roman « La salle d’attente », a annoncé son retrait « en solidarité avec le peuple palestinien ». Le poète marocain Mohammed Bennis s’est lui retiré du comité d’organisation du prix.

    « Ce serait pécher que d’obtenir un prix » émirati, considère l’auteur palestinien Ahmed Abou Salim. Il s’est de son côté retiré de la compétition pour le Prix international de la fiction arabe (IPAF). Soutenu par la fondation du Booker Prize à Londres, ce prix est financé par les autorités d’Abou Dhabi. Dans une lettre, d’anciens lauréats et membres du jury ont demandé aux responsables de l’IPAF de ne plus accepter les financements émiratis.
    (...)
    Le poète palestinien Ali Mawassi souligne que même quand les États décident de normaliser leurs relations, les populations ne se sentent pas forcément tenues d’en faire de même. La plupart des artistes égyptiens et jordaniens « refusent toujours de s’associer avec quoi que ce soit de lié à Israël ». Mais selon le poète, « il y a de nombreux artistes qui resteront silencieux (…) pour profiter de l’argent émirati ».

    #BDS

  • « Accord d’Abraham » : les Émirats arabes unis ciblés par une campagne de boycott
    Par MEE - Published date : Mardi 1 septembre 2020 | Middle East Eye édition française
    https://www.middleeasteye.net/fr/actu-et-enquetes/accord-abraham-emirats-arabes-unis-campagne-boycott

    Une vingtaine d’anciens lauréats, présélectionnés, membres du jury et ex-membres du conseil d’administration du Prix international de la fiction arabe (IPAF, appelé communément « Arabic Booker Prize ») ont appelé l’administration de ce prix, l’un des plus prestigieux du monde arabe, à refuser tout financement des Émirats arabes unis (EAU) après la conclusion de l’« accord d’Abraham » entre les EAU et Israël.

    L’appel a été lancé par le romancier palestinien Ibrahim Nasrallah, lauréat du Prix de la fiction arabe 2018 pour son livre The Second War of the Dog.

    L’IPAF est financé par le département du Tourisme et de la Culture d’Abou Dabi, depuis sa création en 2007, et est soutenu par la Booker Prize Foundation de Londres.

    Dans son texte publié sur Facebook et signé par les ex-lauréats et ex-jury de ce prix, Ibrahim Nasrallah considère « qu’à la lumière de la normalisation officielle des Émirats arabes unis avec l’entité colonialiste israélienne qui représente la pire des occupations à travers le monde […] nous appelons les secrétaires généraux du prix à assumer leur responsabilité culturelle historique pour protéger ce prix en cessant tout financement émirati ».
    Les EAU abrogent le boycott d’Israël

    Pour l’écrivain palestinien et ses cosignataires, dont l’écrivian libanais Elias Khoury, le romancier marocain Bensalem Himmich, le critique libanais Pierre Abi Saab ou l’universitaire palestinien Khaled Hroub, ancien membre du conseil d’administration du prix, l’objectif est de libérer le prix des financements étatiques afin de préserver son indépendance. (...)

    #BDS

  • موجة « تمرد » ثقافية في المغرب احتجاجا على التطبيع بين الامارات واسرائيل.. شخصيات مغربية رائدة في الثقافة والادب تعلن مقاطعتها « جائزة الشيخ زايد للكتاب » وانسحابات من هيئات ثقافية اماراتية - رأي اليوم
    https://www.raialyoum.com/index.php/1251296

    En réponse à un signalement précédent : « Vague culturelle de rébellion au Maroc en protestation contre la normalisation entre les Emirats et Israël. Des personnalités de la culture et des lettres annoncent qu’elles boycottent le prix cheikh Zayed du livre ; retraits d’organismes culturels émiriens ».

    موجة “تمرد” ثقافية في المغرب احتجاجا على التطبيع بين الامارات واسرائيل.. شخصيات مغربية رائدة في الثقافة والادب تعلن مقاطعتها “جائزة الشيخ زايد للكتاب” وانسحابات من هيئات ثقافية اماراتية

    #Emirats #maroc #boycott

  • Ici le remarquable texte complet de la tribune publiée aujourd’hui dans Le Monde et co-écrite par Gregory Jérome - membre fondateur de ESA - avec Nathalie Moureau et Dominique Sagot-Duvauroux.
    À lire et partager.
    La bataille des idées et des propositions n’est pas terminée !
    ///


    #culture #artistes #revenus

    « Il faut refonder les politiques culturelles par un rééquilibrage des revenus »
    Par Collectif. Le Monde.
    Des mesures originales peuvent permettre de réorienter les financements publics au bénéfice du secteur culturel dans son ensemble et des artistes-auteurs en particulier, affirment, dans une tribune au « Monde », les spécialistes Grégory Jérôme, Nathalie Moureau et Dominique Sagot-Duvauroux.
    Tribune.
    Et si l’on prenait enfin soin de la culture ? Trois grands maux affectent l’écosystème artistique : une large part de la valeur produite s’évapore vers d’autres secteurs ; l’emprise du star-system conduit à une distribution de revenus très inégalitaire ; enfin, ceux qui sont au cœur même de la création – les artistes-auteurs – sont particulièrement vulnérables. Refonder les politiques culturelles passe par l’apport de réponses originales à ces difficultés.
    A côté des subventions publiques et des recettes propres, il serait temps d’élargir les financements de la filière culturelle en mettant à contribution les secteurs qui profitent de la création sans en supporter le coût. Tel est le cas du tourisme. En 2018, 1,4 milliard d’euros de chiffre d’affaires ont pu être réalisés en hébergement et restauration du fait de la fréquentation par le public de théâtres, de spectacles de danse ou de concerts (musiques actuelles, classique et opéra), selon une étude de 2019 du cabinet EY.
    Lire aussi : Jack Lang : « Une politique publique doit défendre ses créateurs »
    Autre exemple, les grandes plates-formes du numérique, dont la capitalisation boursière est sans commune mesure avec la façon dont elles rémunèrent la création, pourtant à la source de leur activité. L’écoute d’un titre sur Spotify rapporte 0,00437 dollar à son auteur. Il faut donc environ 230 000 écoutes pour que celui-ci touche 1 000 dollars. Dans le même temps, la capitalisation boursière de la firme se situe autour de 50 milliards de dollars. La valeur de la musique se trouve absorbée par un tiers acteur, ici la Bourse.
    Alambics
    A l’image des mécanismes mis en place dans l’audiovisuel ou des licences légales créées par la loi de 1985 (rémunération équitable, copie privée…), il s’agit de concevoir des alambics qui feront revenir, sous forme de revenus, une partie de la valeur vaporeuse créée par les filières artistiques et dont bénéficient gratuitement d’autres secteurs. Cela peut prendre la forme de l’affectation partielle de la taxe de séjour au financement de festivals et du patrimoine, ou de l’instauration de taxes sur les Gafam, ou encore de l’obligation de financer des créations qui relèvent du registre écrit, musical ou plastique.
    Lire aussi : « En termes budgétaires, les communes sont les acteurs majeurs des politiques culturelles »
    Autre proposition, élargir le mécanisme du « 1 % artistique » de la commande publique à l’ensemble des chantiers publics, comme évoqué dans le rapport de juin 2016 de la mission nationale pour l’art et la culture dans l’espace public (MNACEP). Le secteur privé a donné l’exemple en décembre 2015, avec la signature de la charte « 1 immeuble 1 œuvre » : en juin 2019, environ 140 œuvres avaient été installées dans les parties communes d’immeubles privés récemment construits ou rénovés.
    Plus que dans toute activité, les aléas de carrière sont élevés et non-nécessairement corrélés au talent, la logique du winner takes all n’a cessé de s’accentuer. Tandis qu’en 1982, dans le secteur musical à l’échelle mondiale, les 1 % des artistes les plus connus touchaient 26 % du total des revenus de la billetterie, cela a augmenté jusqu’à 60 % en 2017. Sans remettre en cause un mode de rémunération essentiellement fondé sur la réussite commerciale des œuvres, comment faire en sorte de limiter la précarité de la grande majorité des artistes ?
    Lire aussi : Spotify, Deezer : la musique en « stream » soumise à la dictature du clic
    Plusieurs pistes peuvent être explorées, comme le réexamen de l’idée, ancienne, d’un domaine public payant. Sans aller jusqu’à la proposition de Victor Hugo de créer ce domaine dès la mort de l’artiste, il s’agirait de prélever, au-delà de la période légale de perception des droits patrimoniaux, une taxe, d’un montant inférieur ou égal au pourcentage moyen de droit d’auteur, qui alimenterait un compte de soutien à la création contemporaine. Cette mesure introduirait une solidarité vertueuse entre création vivante et patrimoine.
    Parents pauvres
    Comme le rapport Racine de janvier 2020 l’a montré, les auteurs sont les parents pauvres du système. Ils souffrent d’abord d’un rapport de force qui leur est défavorable face à des acteurs de l’aval de la filière. En outre, ils ne bénéficient pas d’une relative sécurité financière comme c’est le cas pour leurs confrères, les « intermittents ». Le statut des artistes-auteurs ne reconnaît pas les différents temps dont est fait le travail artistique. Ce n’est qu’une fois l’œuvre finalisée qu’il est possible à l’artiste de l’exploiter.
    Lire aussi : Rapport Racine :« Nous en appelons à l’intervention de l’Etat pour donner aux créateurs des conditions plus justes et dignes »
    C’est davantage l’œuvre et moins la personne de l’artiste qui fait l’objet d’une protection au titre de la propriété intellectuelle. Comme en Belgique, le principe ne devrait-il pas être de permettre à l’auteur de conserver le bénéfice d’une allocation ? Il conviendrait notamment d’assimiler les situations impliquant un commanditaire (résidence, appel d’offres, 1 %, etc.) à du salariat. L’ensemble des travaux commandités permettrait alors à l’artiste de bénéficier d’une allocation pour son temps de recherche.
    « IL CONVIENDRAIT NOTAMMENT D’ASSIMILER À DU SALARIAT LES SITUATIONS IMPLIQUANT UN COMMANDITAIRE »
    Toutes ces mesures devraient veiller à respecter un équilibre entre aides automatiques et sélectives ; les premières finançant l’écosystème dans son ensemble, les secondes orientant les soutiens vers des acteurs ou des actions prioritaires. Ces pistes méritent bien évidemment d’être expertisées, expérimentées en concertation avec les acteurs de la culture. Mais l’élargissement des financements, la mutualisation des ressources à l’intérieur des filières artistiques pour y réduire les inégalités, enfin la création d’un statut d’auteur, nous semblent constituer des enjeux cruciaux.
    Grégory Jérôme, chargé d’études Haute Ecole des arts du Rhin (HEAR, Strasbourg) et membre du groupe Economie solidaire de l’art ; Nathalie Moureau, professeure en sciences économiques et vice-présidente déléguée à la culture, université Paul-Valery Montpellier-III ; Dominique Sagot-Duvauroux, professeur en sciences économiques et directeur de la Structure fédérative de recherche (SFR) Confluences, université d’Angers.

  • DISPOSITIF 2S2C – DÉCLARATION DU CONSEIL NATIONAL DU SYNDEAC

    Les équipes artistiques adhérentes du Syndeac ont été sollicitées par les services de l’Éducation nationale pour participer au dispositif 2S2C (Santé – Sport – Culture – Civisme). Conçu pour se dérouler jusqu’au 4 juillet, ce dispositif, tel qu’il est présenté, entend assurer l’accueil des élèves pendant le temps scolaire par d’autres intervenant·e·s que leurs professeur·e·s en proposant d’encadrer des activités dans les domaines de la santé, du sport, de la culture et du civisme.

    Cette invitation a étonné nos adhérent·e·s dans la mesure où, malgré la réouverture des établissements scolaires, les services de l’Éducation nationale ont stoppé net tous les projets d’éducation artistique et culturelle en raison de l’impossibilité de pénétrer dans les établissements. Nous notons d’ailleurs que cet arrêt unilatéral n’a été à ce jour compensé par aucune indemnisation des équipes malgré les préconisations du ministère de la Culture de rémunérer les artistes.

    Ce nouveau dispositif 2S2C invitant les artistes à intervenir en milieu scolaire arrive dans un très mauvais contexte : fragilisés par la crise sanitaire, les artistes s’interrogent sur l’utilité de se lancer dans une pratique informelle plutôt que d’adapter au protocole sanitaire les projets d’éducation artistique et culturelle initialement prévus, construits et déjà financés, dans une logique de continuité pédagogique pour les enfants... https://www.syndeac.org/dispositif-2s2c-declaration-du-conseil-national-du-syndeac-10014

    #intermittent #Syndeac #culture #art #artiste #éducation #école #2S2C #Éducation_nationale #établissements_scolaires #scolaire #crise #sanitaire#pédagogie #enfants #enseignement #enseignant

    Archive : https://archive.vn/byFEG

  • Levez le siège
    Plus de 350 artistes appellent à mettre fin au siège de Gaza par Israël lors de la crise de coronavirus, mai 2020
    https://liftthesiege.com/fr

    Ce qui arrive à Gaza est un test pour la conscience de l’humanité. Nous soutenons l’appel d’Amnesty International à tous les gouvernements du monde pour imposer un embargo militaire à Israël jusqu’à ce qu’il respecte pleinement ses obligations selon le droit international. Nous reconnaissons que les droits garantis aux réfugiés par la Déclaration universelle des droits humains doivent être respectés également pour les Palestinien.nes.

    Avec entre autres les signatures de Ariane Ascaride, Alain Damasio, Rokhaya Diallo, Brian Eno, Annie Ernaux, Peter Gabriel, Naomi Klein, Mike Leigh, Lluís Llach, Ken Loach, Marinah, Massive Attack, Vic Mensa, Thurston Moore, Gérard Mordillat, Viggo Mortensen, Mireille Perrier, Ernest Pignon-Ernest, Roger Waters...

    #Palestine #Gaza #coronavirus #Pétition #Artistes #Embargo_militaire

  • Le roman historique est un sport de combat
    https://framablog.org/2020/05/16/le-roman-historique-est-un-sport-de-combat

    Les éditions #Framabook proposent quatre nouveaux livres d’un coup, quatre recueils d’histoires courtes qui se déroulent, comme les enquêtes d’Ernaut, au temps des Croisades. Et si le récit en paraît fort éloigné de nous, son auteur, Yann Kervran, nous explique … Lire la suite­­

    #Artiste #Ernaut #Libres_Cultures #Culture #Culture_Libre #Hexagora #Histoire #Interview

  • Toujours rien d’essentiel n’a été annoncé pour les #artistes-auteurs ! (Le CAAP)

    En fait, il s’agit simplement d’appliquer aux artistes-auteurs ce qui était déjà un acquis pour les autres TPE de la culture. Seule novation, l’annonce de commandes publiques… qui toucheront une minorité d’artistes-auteurs alors que le marasme est général.

    Accès au fonds de solidarité aux AA en TS mi-MAI : cela fait un mois et demi qu’on attend la résolution de ce « problème technique », on nous avait dit le 11 mai, est-ce encore une fois repoussé ?
    
- Remboursement de loyers d’atelier ou de studio : on en saura plus dans les jours qui viennent, mais il est probable que cette annonce vise simplement l’accès au 2ème volet du fonds de solidarité qui était jusqu’à présent limité aux TPE et TNS « ayant au moins un salarié » (en effet, suite aux annonces antérieures de Bruno Lemaire, nous savons avoir obtenu gain de cause sur ce 2ème point de notre préconisation N°3 cf Annexe 2)
    
- Exonération de cotisations sociales pendant 4 mois : il s’agit de l’application aux AA de l’annonce faite le 24 avril pour « les TPE et les PME des secteurs de la restauration, du tourisme, de l’événementiel, du sport et de la culture » (voir lien en commentaire). Il aurait été difficilement compréhensible que toutes les entreprises culturelles bénéficient de cette mesure sauf les AA (qui économiquement sont de fait considérés comme desTPE=très petites entreprises). Dans la pratique, nos cotisations étant proportionnelles à nos revenus, cette mesure bénéficiera surtout aux plus gros revenus, les AA les plus impactés et les plus précaires auront de fait peu de cotisations à payer en 2021 sur leur revenu 2020).

    Accélérer la mise en œuvre du plan annoncé suite au rapport Racine : Voilà qui ne nous rassure pas du tout, car à notre connaissance les éléments du plan annoncé par Franck Riester vont largement à l’encontre des préconisations essentielles que, pour notre part, nous avons retenues du rapport Racine. À ce jour, nous sommes encore très loin du changement de paradigme attendu, au contraire certains vieux travers risquent de se trouver renforcés par le plan annoncé.
    
- Grand plan de commandes publiques pour « retrouver le fil perdu de la création ». S’il s’agit de commandes publiques, non pas ouvertes et transparentes, mais décidées par cooptation dans l’entre-soi habituel de chaque petit milieu culturel, « il pleuvra là ou c’est mouillé » comme d’habitude. Les modalités de mise en œuvre de ces commandes publiques seront donc signifiantes. Contrairement à l’aide apportée qui ne touchera nécessairement qu’une minorité d’AA (toujours les mêmes ou d’autres selon les modalités). Alors que des mesures conséquentes pour tous les AA sont indispensables !

  • Les revenus des auteurs touchés par la crise due au coronavirus
    https://www.lemonde.fr/livres/article/2020/04/21/le-covid-19-rabote-les-revenus-des-auteurs_6037329_3260.html

    Avec les reports de parution des livres, un tiers des auteurs voient disparaître en moyenne 3 065 euros de revenus prévus dans les trois mois à venir, et près de 80 % déclarent souffrir de l’annulation des salons et rencontres.

  • « L’année où j’ai arrêté de faire de l’art » - Paul Maheke dans DOCUMENTATIONS
    https://documentations.art/L-annee-ou-j-ai-arrete-de-faire-de-l-art

    L’année où j’ai arrêté de faire de l’art, j’ai juste arrêté. Je n’étais pas seulement ralenti·e dans ma progression, je n’ai pas pris un détour, j’ai juste arrêté. La vie ne m’a pas fait de coups durs, du moins pas plus que d’habitude. Ma vie entière était un coup dur.
    […]
    L’année où j’ai arrêté de faire de l’art, c’était avant le Covid-19. Pas besoin d’une pandémie globalisée pour abréger ma carrière. Je n’ai juste pas réussi à payer mes impôts à temps. C’était en 2019 et j’ai eu un accident de vélo pendant que je livrais des repas à domicile. L’année où j’ai arrêté de faire de l’art, je n’ai pas eu besoin que les régions les plus riches du monde se confinent pour que le monde de l’art me fasse sentir que j’étais de trop.

    C’était tellement banal que personne ne s’en est rendu compte.

    Personne ne s’en est rendu compte parce que je n’étais pas capable d’en faire une œuvre d’art. Ça ne pouvait pas devenir de l’art. Ça s’est juste fini. Mes expositions ont été annulées et personne ne m’a payé et personne ne m’a vu.

    #art #artiste #recherche #Paul-Maheke

  • Débat : Peut-on « séparer la femme de l’artiste » ? (Aurore Turbiau, The Conversation, 05.03.2020)
    https://theconversation.com/debat-peut-on-separer-la-femme-de-lartiste-132926

    Cet article voudrait avancer un autre élément de réponse. Si l’on ne cherche pas particulièrement à « séparer la #femme de l’#artiste », c’est peut-être parce que c’est impossible : en tant que « femme » une écrivaine écrit dans des conditions matérielles précises, qui déterminent en partie l’œuvre qu’elle produit ; en tant que « femme » en plus, il y a des chances qu’elle soit lue et reçue de manière particulière, d’une façon différente des œuvres produites par des hommes. Dans ce sens, les femmes qui créent sont toujours autant « artistes » que « femmes », et de manière inséparable (comme leurs collègues masculins sont aussi à peu près inséparablement « artistes » et « #hommes »).
    […]
    Virginia Woolf a été l’une des premières écrivaines occidentales à le dire et à être vraiment entendue (quoique tardivement) : créer, quand on est une femme, en raison précisément des conditions de vie et tâches sociales liées au sort des femmes dans la #société, ça ne peut pas avoir le même sens que créer, quand on est un homme.
    […]
    Ce que Benoîte Groult dit en somme, c’est que quand l’artiste est une femme, non seulement elle a eu un accès plus difficile à la #création, mais qu’en plus l’on voit toujours la femme en elle avant l’artiste. Cela conditionne absolument la manière dont on juge à la fois la personne et l’œuvre, inséparablement.
    […]
    Et aujourd’hui ? Apparemment, les choses n’ont pas tellement changé : la #condition_sociale des « femmes » continue probablement de les empêcher de créer et d’être jugées comme de vraies « artistes » – sans quoi comment expliquer leur étrange absence des prix littéraires ou des manuels scolaires ? Le « #plafond_de_verre » persiste en littérature, les prescripteurs restent des hommes et les femmes restent moins lues, quoiqu’elles soient nombreuses à créer. Femmes avant tout : artistes minorées.
    […]
    […] l’autonomisation du champ littéraire. Elle a participé à déterminer toute une série de grands partages dans l’#histoire_de_l’art et de la littérature :
    – l’idée qu’on doit séparer l’homme de l’artiste,
    – l’idée que la création est l’œuvre d’un individu (d’un homme, généralement), comme jaillie de nulle part, diamant pur,
    – l’idée que toutes les formes d’art ne se valent pas – certaines étant plus « pures » et de plus grande valeur que d’autres –,
    – l’idée qu’il doit être possible de faire un « art pour l’art » qui soit à lui même son propre but et qui puisse se lire et s’apprécier comme langage parfaitement beau et détaché du réel,
    – l’idée au contraire que les écritures « engagées », aux prises avec le réel de la société qu’elle décrivent, interrogent ou dénoncent, sont en quelque sorte de l’art de moindre qualité – impur.
    […]
    Le slogan « il faut séparer l’homme de l’artiste » cache en fait un double standard et un mécanisme de #domination sociale : aux femmes on ne cède que difficilement la place d’artiste – on n’utilise pas cette phrase pour elles parce qu’elles sont matériellement dominées, même dans leur carrière d’artiste, tout au long de leur vie –, les artistes masculins quant à eux sont autorisés à oublier leur identité, rôle social et responsabilités d’« hommes », puisqu’ils sont « artistes ».