• Godard et la mort de l’auteur
    https://laviedesidees.fr/Godard-et-la-mort-de-l-auteur.html

    « Un auteur n’a pas de droits, il n’a que des devoirs ». Après avoir participé à la « Politique des auteurs », Godard fut à partir de 68 un #critique virulent de la propriété des films, ce qu’il mit en pratique dans son travail de cinéaste et de médiateur entre les #Arts et la politique.

    #cinéma #droit #maoïsme #propriété_intellectuelle
    https://laviedesidees.fr/IMG/pdf/20220923_godard-2.pdf
    https://laviedesidees.fr/IMG/docx/20220923_godard-2.docx

    • Après que nombre d’entre eux participèrent aux États généraux, les réalisateurs s’en désolidarisèrent en créant la Société des réalisateurs de films (SRF). Sa revendication fondatrice était la défense du statut d’auteur et de propriétaire reconnu aux réalisateurs par la loi du 11 mars 1957, auquel l’organisation reprochait toutefois de ne pas reconnaître la primauté du réalisateur sur ses coauteurs (les scénaristes, les compositeurs et les auteurs des œuvres adaptées). Les fondateurs de la SRF allaient même jusqu’à placer « avant toute autre chose, avant toute autre discussion, avant toute autre réflexion, l’affirmation de leur totale propriété artistique sur leur œuvre ». Ce droit de propriété, la SRF le fondait sur la « responsabilité du réalisateur » qui devait « comporter obligatoirement le contrôle de la fabrication de l’œuvre à tous les stades, et particulièrement, le contrôle du montage et de la finition ». Parmi ces défenseurs de la propriété du réalisateur en 1968, on trouvait nombre de collaborateurs des Cahiers du cinéma et cinéastes de la Nouvelle Vague (Jacques Doniol-Valcroze, Rozier, Rohmer, Resnais, etc.), mais aussi de grands noms de générations précédentes (Robert Bresson), d’anciens dirigeants de syndicats professionnels (Jean-Paul Le Chanois) et des réalisateurs « grand public » comme Henri Verneuil (dont La Vache et le prisonnier avait attiré en 1959 vingt fois plus de spectateurs que Les 400 coups).

      À ces fondateurs de la SRF, Godard reprocha de « faire leur révolution bourgeoise » avec deux cents ans de retard sur les événements. Tandis que les premiers fondaient le droit de propriété du réalisateur sur son autorité et son ascendant sur les autres professions, il dénonçait le statut d’auteur en tant que position « patronale », en appelant au renversement des rapports de pouvoir entre le réalisateur et ses collaborateurs (que ces derniers soient devant ou derrière la caméra). Pareil dépassement du statut d’auteur, Godard en faisait une condition d’un cinéma au service des luttes politiques des opprimés :

      « Pour filmer d’une manière politiquement juste, il faut se lier aux gens dont on pense qu’ils sont politiquement justes. C’est-à-dire ceux qui sont opprimés, qui subissent la répression et qui combattent cette répression. Et se mettre à leur service. Apprendre en même temps que leur apprendre. Abandonner l’idée de faire des films. Abandonner la notion d’auteur, telle qu’elle était. C’est là qu’on voit la trahison, le révisionnisme intégral. La notion d’auteur est une notion complètement réactionnaire. Elle ne l’était peut-être pas à des moments où il y avait un certain progressisme des auteurs par rapport à des patrons féodaux. Mais à partir du moment où l’écrivain ou le cinéaste dit : moi je veux être le patron parce que je suis le poète et que je sais, alors là c’est complètement réactionnaire. Dans le Paradis socialiste, celui qui voudra être cinéaste ne le sera pas forcément. Il le sera si c’est bon pour tous. Moi, ça ne me fait rien. »

      (...) Avant même que paraisse en 1967 le fameux article de Barthes sur « La mort de l’auteur », la propriété artistique et la notion d’artiste étaient en effet attaquées par des plasticiens comme Duchamp, Elaine Sturtevant et Andy Warhol, des collectifs d’artistes comme Fluxus ou USCO, des musiciens comme John Cage et la troupe du Living Theatre.

      #corporatismes #artistes #auteur #cinéma_d'auteur

  • DICRéAM et Métavers | Jean-Noël Lafargue
    https://hyperbate.fr/dernier/?p=41581

    À la lecture de ce texte, vous comprendrez ma consternation et celle de nombreux acteurs du monde de la création numérique en apprenant que le CNC supprime le DICRéAM, mais aussi le Fonds d’aide aux Expériences Numériques, lesquels sont remplacés par le Fonds d’aide à la création immersive, présidé par Jean-Michel Jarre, musicien bien connu mais aussi, nous dit-on, « pionnier des metavers ». Source : Le dernier blog

  • Chronique légèrement anachronique / Robert Desnos, de la révolte une fleur
    https://www.blast-info.fr/articles/2022/chronique-legerement-anachronique-robert-desnos-de-la-revolte-une-fleur-X

    « J’ai lu dans le journal un roman dont j’étais le héros toujours à l’aise quand il fait pluie. Mon cœur bat l’extinction des feux, Mes yeux sont la nuit. » Robert Desnos

    #Artistes #Culture #Guerre
    https://static.blast-info.fr/stories/2022/thumb_story_list-chronique-legerement-anachronique-robert-desnos-d

  • DÉFENDRE NOS SPECIFICITÉS
    DANS LE FUTUR SYSTÈME DE RETRAITE

    #rions_un_peu

    reperes227mars2019.pdf
    https://ligue.auteurs.pro/wp-content/uploads/2019/03/reperes227mars2019.pdf

    Caisse nationale de retraite complémentaire des artistes-auteurs
    Défendre nos spécificités professionnelles dans le futur système de retraite8 |#2
    REPÈRES# est une publication gérée par le bureau des publications
    et de la communication de l’IRCEC. Ce numéro a été finalisé le 27 mars 2019.
    Reproduction autorisée sous réserve de la mention des sources.

    Les augmentations de charges sociales pesant sur les artistes- auteurs ne se répercuteront pas de la même manière dans le secteur culturel que dans d’autres marchés concurrentiels, par exemple ceux qui dépendent des professions indépendantes. Le risque, en appliquant le même taux de cotisation sur leurs revenus que sur ceux des salariés ou des indépendants, est d’entraîner la paupérisation d’une grande partie des artistes-auteurs qui ne pourront pas répercuter cette augmentation sur les « clients finaux » ou les sociétés de production, diffuseur ou éditeurs. Cette situation irait à l’encontre de l’objectif de la loi du 31 décembre 1975 qui rattachait les artistes-auteurs au régime général pour leur retraite de base, pour leur assurer un niveau de couverture sociale convenable. L’exonération pour leur retraite de base, de l’équivalent d’une part patronale sans diminution des droits à la retraite devait permettre, « dans le cadre d’une juste répartition des charges, d’assurer à un groupe peu nombreux mais essentiel au rayonnement de notre pays, une protection sociale élargie et unifiée, et d’éviter que des règles administratives conçues pour d’autres professions n’aboutissent à entraver ou à écraser l’action de la création (Loi n° 75-1348) ». L’adoption d’un régime universel aveugle aux spécificités professionnelles de ce secteur d’activité risque de remettre en cause l’équilibre auquel était parvenu la loi de 1975. Ce système n’avait pourtant plus jamais été discuté. Les accords de l’Organisation mondiale du commerce eux-mêmes reconnaissent à la culture une place spécifique dans l’économie. La culture n’étant pas une « marchandise comme les autres », elle se trouve exclue des accords commerciaux internationaux, au titre de « l’exception culturelle ». Si, à l’échelle mondiale, chaque pays reste libre d’appliquer des règles autonomes pour gérer ce secteur économique particulier, constitutif de sa propre identité, sans avoir à se plier aux accords internationaux régulant tous les autres types d’échanges, il semble possible de mettre en place un système de retraite adapté aux artistes-auteurs en France, se distinguant pour certains aspects du système applicable à l’ensemble des salariés. Nous attendons une décision politique forte, visant à maintenir la création et la diversité culturelle dans notre pays.

    #auteurs #IRCEC #retraite #ubérisation #paupérisation #macron #arnaque

  • Koji Morimoto est un #artiste japonais exerçant principalement son talent dans le #cinéma d’#animation. Il fût l’un des fondateurs du Studio 4°C en 1986, où il a travaillé jusqu’en 2011. Depuis, il a créé son propre studio nommé phy (Φ).

    Si dans le milieu des professionnels de l’animation il est très apprécié, le grand public en revanche le connaît peu car il œuvre surtout sur des formats type #court-métrages ou clips musicaux, pour la plupart peu diffusés en dehors du #Japon.

    La plupart du temps, Morimoto crée surtout des clips, des pubs, et des court-métrages. L’un des plus connus du grand public étant sans doute « Beyond » dans Animatrix. Il a un rapport très spécial avec la #musique, élément catalyseur de son travail. Il est aussi réputé pour se faire refuser beaucoup de projets, et de passer énormément de temps sur les storyboards et recherches #graphiques. Il rebondit toujours sur les refus pour améliorer et revoir ses idées. Il tente de garder ce qu’il appelle une « tension » dans son travail, mélange d’enthousiasme, d’énergie et de motivation.

    Koji Morimoto a fondé Studio 4°C en 1986 avec Eiko Tanaka et Yoshiharu Sato, et où il a travaillé jusqu’en 2011, avant de fonder son propre studio phy (Φ).
    Ce studio japonais essaye de produire avec énergie des #œuvres d’auteurs, laissant une certaine #liberté à ces derniers.

    Site qui présente cet artiste :
    http://www.kojimorimoto.net

    et sinon Dimension Bomb (Genius Party Beyond) proposé (pour 2 semaines seulement). Une des rares réalisations un peu longues de cet animateur, c’est assez époustouflant :

    https://invidious.fdn.fr/watch?v=4DDd426m67M

    J’ai trouvé tout ça ici :
    https://www.catsuka.com/breves/2022-04-29/genius-party-beyond-dimension-bomb-de-morimoto-gratos-2-semaines

  • DISCOURS EXPOSITION (IN)visibilité , par Gilbert Coqalane (02 février 2022)
    Ville de Villers les Nancy

    Vous devez vous dire que vous ne savez pas ce qui se passe, que vous ne comprenez rien, mais qu’après tout c’est peut être normal car vous êtes dans une exposition d’art.

    Je ne sais pas si cela peut vous rassurer, de mon côté, je ne comprends rien également. Une seule chose est sûre c’est que vous êtes au cœur de la perturbation intitulée “ Vernissage lapin “ et dans l’offensive “ visibilité “.
    Comme l’indiquait Raymond Devos, rien c’est déjà quelque chose, et cela se prouve par notre présence.

    Je viens de vous dire que je ne comprends rien, effectivement, je ne comprends pas pourquoi des ami.es artistes vivent dans la peur du lendemain, pourquoi des ami.es artistes ne peuvent pas prendre leurs retraites, pourquoi des ami.es artistes arrêtent leur activité au profit de jobs alimentaires ou cumulent plusieurs activités, pourquoi des ami.es retardent leurs parentalités, pourquoi des ami.es retardent la séparation avec leurs conjoints, je ne comprends pas pourquoi des ami.es reportent leurs soins médicaux,… ces amis ce sont également des collègues, des collègues artistes, des personnes que je n’ai jamais rencontrées pour la plupart, je m’inclus donc ce groupe...

    Je pourrais poser encore plus de questions, mais je préfère les réponses et j’ai essayé de comprendre, j’ai juste pris l’exemple et l’analyse de cette exposition.

    Je suis invité à exposer dans ce lieu, il y a un an et demi, un lieu comme il en existe des milliers en France, donc ce n’est pas une offensive contre Villers les Nancy, ni contre son personnel qui m’a très bien accueilli, je suis vraiment désolé pour le nombre incalculable de mensonges, ce n’est pas une offensive contre les élus que je ne connais pas, c’est une offensive artistique contre la précarité institutionnalisée.

    Donc il y a un an, on me contacte, on aime bien mon travail, ma démarche, ma notoriété, mon accessibilité…. on me propose un mois et demi d’exposition, donc je commence à créer :
    Le titre, le concept, le texte de présentation, le texte biographique, la liste des œuvres, les valeurs d’assurances, les différents allers retours ( 174 km ), le visuel de l’affiche, l’organisation par téléphone ( 166 min), l’organisation par mail ( 62 mails), ( oui oui 62 mails vous voyez ce n’est pas rien de ne rien créer), la préparation du contrat que je n’ai d’ailleurs pas encore reçu, le discours, et je ne me suis pas arrêté là, le montage était prévu aujourd’hui à partir de 10h30, j’ai volontairement choisi la date de montage la plus proche possible du vernissage et je ne suis pas venu installé.

    A ce moment précis nous sommes dans le présent. ici.

    Pourquoi tout ça pour au final ne rien installer ? J’ai décidé d’activer l’offensive “visibilité” pour rendre visible un fait courant : je ne suis pas payé. Et c’est un fait courant pour de nombreux artistes sollicités par les institutions.

    La suite logique de mon travail artistique aurait voulu, réflexion des œuvres, achat de matériel, réalisation des œuvres, emballage des œuvres et transport des œuvres, montage de l’exposition.

    Peut-on concevoir d’autres façons d’envisager l’art ?
    La suite logique aurait été la visite du public pour le bonheur du ministère de la culture, la visite des touristes pour le bonheur du ministère de l’économie, la visite des scolaires pour le bonheur du ministère de l’éducation nationale, la visite des habitants des ehpad pour le ministère des solidarités… j’en oublie certainement…

    Peut-on concevoir d’autres relations avec le public ?
    La suite logique aurait voulu, de faire vivre l’exposition, communiquer, démonter l’exposition, et stocker le tout.

    Peut-on concevoir d’autres façons d’exposer ?
    La même logique veut que le maire soit payé, que le directeur culture soit payé, que le personnel d’accueil soit payé, que le traiteur soit payé, que le graphiste soit payé, que l’imprimeur soit payé…

    Peux t-on envisager d’autres façon de partager ?
    L’artiste qui crée à lui tout seul ce réseau économique n’est pas payé, pire il perd de l’argent, et on lui vend la promesse d’éventuelles ventes de ces œuvres pour gagner de l’argent, mais faut-il encore éponger les dettes de l’organisation. Si je vends une œuvre c’est la vente d’une œuvre sauf qu’ici je produis une exposition et personnellement je n’ai jamais vu un collectionneur acheter une exposition, si vous en connaissez je veux bien son mail. Pour extrapoler c’est un peu comme si vous aviez dit au traiteur ( qui était prévu mais non présent à cause de la crise sanitaire) faites un grand banquet gratuit peut être que vous vendrez un pain surprise.

    Je ne suis pas payé, et je pourrais même dire nous ne sommes pas payés, nous ne sommes pas entres amis, ce n’est pas pour une association, c’est pour un lieu à gérance municipale, j’ai décidé de ne pas faire d’exposition, ou d’exposer autrement, d’exposer cette perturbation, de m’exposer, j’ai décidé d’être payé en visibilité d’où le titre de l’exposition, je me paie réellement avec ce qu’on me promet, et entre nous, mon devis visibilité risque d’être élevé.

    La visibilité est pour moi, c’est un dû, je me sers, mais cette visibilité je souhaite la partager pour que les lumières ne soit pas exclusivement portées sur les artistes, je suis de nature altruiste, je souhaite partager la lumière avec les décideurs.euses, qui connaissent la réalité de la précarité des artistes, qui alimentent cette précarité, mais je vous l’accorde, le monde va trop vite, nous sommes dans un pays administratif, les histoires de subventions, les histoires d’indépendance de programmation, vous avez d’autres missions plus importantes, et c’est tout à votre honneur.

    Il y a une citation qui dit “quand il y a un problème, il y a une solution”, c’est ce que propose cette exposition, trouver une solution, un temps pour la solution, laisser le temps aux décideurs de décider, une agora, un espace public, certes on ne va pas révolutionner le monde, on va agir localement, ensemble, je reste donc à disposition, nous allons trouver des solutions pour que les prochains artistes qui vont intervenir dans ce lieu soit rémunérés, nous avons donc un mois et demi pour trouver une solution provisoire ou même idéalement pérenne, pour ne pas alimenter ce système qui engendre de la précarité.

    Je vous propose donc la création d’une œuvre participative, immatérielle, invisuelle, perturbationiste, mais qui je vous rassure se verra, certes autrement que par une œuvre d’art, enfin quoique...

    Ce salaire ne peut être que source de création, regardez ce que font les artistes dans la précarité, imaginez ce qu’ils ou ce qu’elles vont faire en étant payés…

    Je désire que l’exposition soit ouverte aux heures
    traditionnelles, que ma démarche soit expliquée aux scolaires, aux habitants, aux pensionnaires des ehpad, faisons vivre cette exposition, j’invite toute personne à visiter l’exposition, à ne rien voir, en soutien à ce mois et demi et plus qui va durer pour trouver une solution viable.

    Le protocole prévoyait que je parle après monsieur le maire, il m’a donné en premier la parole, j’ai essayé de faire court, je vais vous redonner la parole, avant je réitère mes remerciements, au public qui est venu participer à cette offensive, et aux organisateurs qui ont permis à leur insu cette perturbation et la découvrent en même temps que vous.

    Juste pour terminer, de mon côté, je ne réclame pas d’argent, il est trop tard, je vais me débrouiller seul car j’ai déjà réfléchis à mon modèle économique, j’ai en ma possession 50 affiches de l’exposition “invisibilité” payées par la ville de Villers lès Nancy, si vous souhaitez me soutenir, ces affiches seront prochainement en vente sur internet, surement aux éditions l’armée recrute qui vient d’ouvrir et qui va fermer prochainement.

    Gilbert Coqalane

    #art #artiste #revenu #argent #précarité #pauvreté

    https://www.facebook.com/coqalanegilbert/posts/5409854692362743

  • user et abuser

    Portrait de la militante anarchiste Louise Michel, sur les murs du centre de détention d’Ecrouves

    de et par C215, @christianguemy

    C215 (artiste)
    https://fr.wikipedia.org/wiki/C215_(artiste)

    Christian Guémy est né en octobre 1973 à Bondy. En janvier 2021, il révèle que sa naissance est le fruit d’un viol commis dans le cadre familial et que sa mère s’est suicidée à l’âge de 18 ans, alors qu’il en avait 51.Ses grands-parents l’ont ensuite élevé. Il est inscrit dans un collège catholique2. À l’université, il obtient plusieurs diplômes : maîtrise d’histoire, master d’histoire de l’architecture, et un autre d’histoire de l’art à la Sorbonne3,4. Parallèlement à ses études, Christian Guémy contribue à l’encyclopédie des Compagnons du devoir. Ensuite, il devient chargé d’études pour un syndicat de meubles (sic) , avant de travailler comme responsable export dans l’industrie textile, puis dans la finance.

    Christian Guémy réalise ses premières œuvres sur le tard, à partir de 2006. Enfant, il dessine toutefois avec du matériel que possédait sa mère et dans sa jeunesse, il réalise des bandes dessinées pour le journal de l’école ainsi que des caricatures de professeurs et d’élèves7. « Adolescent, j’avais un peu taggé, mais ça n’avait rien de sérieux », confie-t-il5. À l’été 1989, à l’âge de 15 ans, il graffe un peu, mais laisse tomber, ne se sentant pas en adéquation avec le mouvement hip-hop.

    Christian Guémy s’installe à Vitry-sur-Seine en 2006 et commence à faire du pochoir3. Il participe au MUR dès 2007 et réalise, en 2013, un mur peint de 25 mètres à Paris, métro Nationale, représentant un chat.

    En 2013, il peint également le visage de la ministre de la Justice, Christiane Taubira, alors cible d’attaques racistes9. Connu au niveau international, Christian Guémy présente des œuvres peintes sur objets de recyclage dans de nombreuses galeries, en France et dans le monde.

    (...) Le 4 janvier 2016, l’artiste réalise au pochoir sur une boîte à feu un portrait multiple du #policier Ahmed Merabet orné du fameux « Je suis Ahmed »13. L’œuvre a été réalisée à la demande du commandant Stéphane Motel, du commissariat du 11e arrondissement de Paris où travaillait Ahmed. Le portrait, conçu sur le boulevard Richard-Lenoir, a été dévoilé devant une centaine de personnes parmi lesquelles les collègues du policier et sa famille au complet14. (...)

    À la suite de la campagne présidentielle de 2017, C215, sur une commande du magazine L’Obs, aborde le sujet du candidat de La France insoumise Jean-Luc Mélenchon et réalise plusieurs portraits à son effigie [1] [archive]16. En juin 2017, il dénonce le fait que La République en marche dans le XIIIe arrondissement de Paris utilise une de ses fresques en en-tête de leur page Facebook et Twitter17,18.

    En décembre 2017, Christian Guémy réalise bénévolement le visuel de la journée « Toujours Charlie ! De la mémoire au combat », à partir du logo créé par les trois associations produisant l’événement, le Comité Laïcité République, la LICRA et le Printemps Républicain. Ce visuel est dévoilé le samedi 6 janvier 2018 en ouverture de la journée, au théâtre des Folies Bergère.

    (...) Début juin 2020 il réalise le portrait d’Aïcha Issadounène, première #caissière victime du Covid, sur un mur de la ville de Saint-Ouen où elle résidait26. [et merde, ndc]

    (...) Christian Guémy intervient bénévolement dans les #prisons françaises depuis 2014. Il a notamment peint plusieurs œuvres :

    au sein de la maisons d’arrêt pour femmes de Versailles38 (2014)
    au sein de la maison d’arrêt de Bois d’Arcy39 (2015)
    au sein de la maison d’arrêt de Nice (2016)
    au sein de la maison d’arrêt de Nîmes (2017)
    au sein de l’établissement pénitentiaire pour mineurs de Porcheville (2017)
    au sein de la maison d’arrêt de Reims (2018)40
    au sein du centre pénitentiaire de Liancourt (2018)
    au sein de la maison d’arrêt de Nanterre (2019)
    au sein de la maison d’arrêt de Fresne, où il a peint, entre autres portraits, les visages de détenus « historiques » de l’établissement (2020)41
    au sein du centre pénitentiaire de Grenoble Varces (2020) 42

    il n’a pas effacé que la Nouvelle Calédonie (Cayenne, ça frappe !)... c’était pas l’École normale, c’était pas l’Essec, c’étaient des études d’histoires.

    #justice #artiste #art_urbain #fils_de_son_père #falsification #sans_vergogne

  • Est-ce qu’il reste encore UN⋅E artiste qui ne soit pas pourri par le confusionnisme ? Et plus encore dans le milieu du rap… Qui comprend ce que veut dire le consensus scientifique ? Qui peut critiquer le gouvernement ET les anti-sanitaire ? Qui raconte pas n’imp sur les traitements et les vaccins ? Qui utilise pas la technique du mille-feuille en mélangeant plein de trucs avérés sur le gouvernement ou bigpharma pour faire passer des débilités sur les connaissances en épidémio et sur le virus ? Est-ce qu’il en reste bordel ?

    Je sais pas ce qu’en pense @mad_meg mais perso pour avoir des connaissances ou suivre des gens dans le monde de la musique et du cirque, j’ai l’impression que c’est une majorité qui s’est complètement perdue, suite à leur vie bouleversée.

    Comme de fait les artistes sont pas des métiers indispensables à la société capitaliste (en tant que travail capitaliste, càd que si d’un coup on arrête tous les concerts, on peut continuer de vivre, de manger, d’habiter, de se soigner, et même de produire de l’art, ce qui n’est pas le cas si les agriculteurs ou les médecins s’arrêtent là entièrement), la vie de plein de gens (artistes et tous ceux qui en dépendent, salles, sons, lumières, roadies, etc) a été totalement bouleversée, leur manière de vivre au quotidien s’est écroulée, et du coup ça a complètement niqué la tête de beaucoup à priori (ou bien… c’est juste que désormais on le voit parce ce qu’ils annoncent leurs idées publiquement, alors qu’avant ils gardaient ça pour eux ?)

    En tout cas j’ai de plus en plus de mal à citer des artistes qui racontent pas des conneries monumentales sur la crise actuelle (tout en le mélangeant, je le répète, à des vérités facile à prouver sur les conneries du gouvernement ou sur l’écologie ou le capitalisme, etc : c’est juste le problème du confusionnisme, c’est mixé avec pas que des conneries et donc ça embrouille).

    https://www.facebook.com/AKHENATON.OFFICIEL/posts/475243533957593

    TRIBUNE LIBRE D’AKHENATON
    LE MAÎTRE ET SES PERROQUETS
    Aujourd’hui, honnêtement, je pourrais me taire, je pourrais me cacher et espérer sortir de cette crise en n’ayant choqué ou déplu à personne, priant que je puisse enfin recommencer à vivre normalement et gagner ma vie… Mais non…

    Et tous ceux et celles qui s’étonnent de mes positions clivantes en se disant « fans » du groupe IAM, vous avez sûrement du vous arrêter à « je danse le mia » mais vous ne semblez pas connaître les positions que nous défendons dans de nombreux textes depuis 30 ans.

    Si mon obsession était de gagner plus d’argent, je serais un perroquet, un bon gros perroquet docile qui répète et imite sans connaître le sens des mots, la voix de son maître. Amis journalistes, docteurs, chercheurs, artistes et citoyens, c’est dans les temps difficiles qu’on affirme ses positions, qu’on prend des risques, ce n’est pas lorsque tout est fini qu’on distille des « Je le savais mais je ne pouvais rien dire ».

    A titre personnel, professionnellement parlant, je n’ai rien à gagner en prenant position, en tant que père, ami et mari, je ne peux pas me taire, c’est une question d’honneur, de bon sens, d’honnêteté et de cohérence avec 30 ans de textes.

    Ce qui m’a motivé à clarifier mes positions une bonne fois pour toutes, c’est la tribune du professeur Grimaldi dans le JDD, qui pense que les non-vaccinés doivent être responsables et signer une attestation de refus de prise en charge en réanimation en cas d’infection due au COVID19.
    Vous êtes docteur monsieur Grimaldi ? Vraiment ? Vous avez prêté serment ? Vous vous rendez compte de ce que vous dites ? Vous êtes diabétologue c’est bien ça ? C’est comme si des personnes qui font du sport et mangent sainement demandaient bêtement à la partie non héréditaire de vos patients qui est diabétique de signer une attestation de non prise en charge en réanimation, car ils ne veulent pas que des gens qui ont mangé et bu de la « merde » prennent leur place en cas de saturation du service. Ce serait au minimum stupide, au maximum criminel.

    Et puisqu’on y est, allez, une attestation à la caisse du bar-tabac pour les fumeurs (150.000 décès en France en 2 ans), une attestation électronique pour ceux qui dépassent 50 km/h en ville, une attestation à la caisse des fast-foods, une attestation pour ceux qui boivent de l’alcool à la maison, en soirée ou au restaurant, lors de vos repas entre collègues (100.000 décès dus à l’alcool en France en 2 ans), une attestation pour les gens inactifs…
    Puisque je suis contribuable, selon votre logique, je peux y prétendre et allons-y, construisons une société où chacun édicte ses propres règles et ses propres lois. Ce n’est pas possible, on va droit dans le mur. Le bon vieux mur du con.

    Il ne faut pas se méprendre, tous ces néo-solidaires qui boivent et recrachent les paroles de monsieur Grimaldi s’en sont toujours foutu des autres, ils ont juste peur de souffrir et de mourir. Le plus gênant ce sont les journalistes qui reprennent ces idées comme des perroquets en banalisant l’extrémisme et la brutalité de ces propos et commandent même des sondages sur le sujet. C’est-à-dire que chacun d’entre nous peut alors désigner la pathologie qui nous dérange et rendre ces malades responsables du naufrage de l’hôpital.
    Monsieur Grimaldi, vous avez, comme une partie du personnel soignant, malheureusement utilisé cette pandémie comme un tremplin terrifiant pour vos revendications légitimes.

    La Peur…. La voilà la pire des pandémies mondiales.

    L’hôpital public est en souffrance depuis une vingtaine d’années, et les conditions de travail du personnel sont très difficiles. L’ATIH (agence technique des informations hospitalières, agence d’état) a publié son rapport 2020 : https://www.atih.sante.fr/.../aah_2020_analyse_covid.pdf pages 2 et 3.
    Quel est le pourcentage de fréquentation hospitalière pour les patients Covid-19 malgré toutes les déprogrammations ? 2 % !! Et 5 % en soins critiques !!

    Je ne minimise absolument pas la maladie, la mortalité est élevée en 2020 mais la réaction d’une partie du milieu hospitalier et médiatique a été démesurée, et les politiques et leurs amis industriels se sont engagés dans la brèche, en occident puis dans le monde entier.

    Pratique, les personnes que vous devriez viser et qui ont étrillé notre système de santé peuvent, grâce à vous, s’acheter un costume de sauveur plein de générosité. Gros, visible, pas de gants, pas grave, personne ne dit rien.

    Monsieur, j’écris cette lettre pas en tant qu’artiste mais en tant que citoyen, du moins en tant qu’excitoyen si l’on en croit Emmanuel Macron.
    Et le plus gros problème est bien là… Depuis le début, les média ont respecté leur logique éprouvée depuis 2001, peur, slogans, peur pour plus de recettes publicitaires ... Ils ne sont plus le quatrième pouvoir depuis longtemps, ils sont LE pouvoir donc ce n’est pas étonnant qu’ils soient la propriété de quelques personnes. L’élection de Trump, la pression de Poutine, de la Chine, de l’Inde et pour finir les week-ends des gilets jaunes ont effrayé profondément les régimes occidentaux, leurs vassaux et surtout le nôtre.

    Malheureusement, la pandémie a été un outil politique pour contrer le phénomène insurrectionnel et qu’a fait le gouvernement français ? Il a choisi de copier les stratégies de désinformation de leurs opposants de l’extrême-droite (surtout Américaine) pour contrer ses adversaires. Et comme cela est née la version du trumpisme bobo-facho made in France, la gauche timide est passée du rose au brun, mensonges irréels répétés, faux chiffres, concitoyens d’outre-mer traités de prêtres vaudous, fausses promesses, fausses nouvelles, vidéos effacées, comptes de réseaux sociaux bloqués, le Monde Diplomatique a d’ailleurs traité le sujet dans un très bon article consacré à notre pays et qui s’intitule « la Chine Occidentale ».
    Tout cela sous le nez de tas de nouveaux fact-checkers qui checkent uniquement ce qui convient à leurs patrons. Ils disent certaines vérités mais ils ne sortent pas des clous, ils vendent parfois notre société en tranches pour garder leur salaire. Ils pourraient par exemple, faire du vrai journalisme d’investigation en enquêtant sur la raison pour laquelle Gilead a obtenu le 25 juin 2020 une autorisation de mise sur le marché conditionnelle de la part de l’agence européenne des médicaments pour le Remdesivir, un médicament coûteux et déclaré inutile par l’OMS quelques mois plus tard.
    La plus grosse erreur dans cette crise a été d’empêcher les médecins généralistes de soigner leurs patients (comme ils l’ont fait entre octobre 2019 car le virus apparemment est présent sur notre territoire depuis ce mois-là et mars 2020), je pense qu’on aurait et qu’on éviterait encore certains décès, surtout qu’il existe un bon nombre de traitements efficaces avec des études sérieuses qui le prouvent. Rien ne remplace les soins de contact, certainement pas les mathématiciens de l’épidémie. En fait, nous faisons face à une crise écologique et sociale due à notre mode de vie qui risque d’engendrer d’autres pandémies à l’avenir, il faut arrêter les bla-bla, il faut agir et vite.

    Alors pour éviter les critiques, le gouvernement, leurs perroquets et une partie du législatif dégainent leur arme absolue : celui qui n’est pas de leur avis est un complotiste, un irresponsable et un sympathisant néo-nazi. Pratique, on met dans un sac unique des gens raisonnables et d’autres moins fréquentables et on secoue, ça permet d’annihiler le débat, comme dans un bon vieux régime autoritaire. Et puis ça permet aux comploteurs de faire croire que leurs manœuvres n’existent pas, qu’ils sont pleins d’empathie et soucieux de nos vies…. Tu parles….

    Personnellement, j’ai le sentiment d’être coincé entre néo-nazis et nazis nouveaux. Pour couronner le tout, j’ai assisté à des tribunaux télévisés ou des « philosophes », des anciens de la télé-réalité ou des consultants santé de chaines d’info ont dénigré des grands docteurs, moqué des psychologues et même des chercheurs et professeurs mondialement reconnus sur le sujet. Est-ce qu’on voit ça avec d’autres métiers ? Jamais, sauf ceux liés au football peut-être… Les grandes émotions engendrent aussi les grandes impostures.

    Les Françaises et Français doivent comprendre une fois pour toute qu’une bonne moitié des métiers de la santé est corrompue par une industrie pharmaceutique qui brasse des milliards d’euros et de dollars. La recherche de nouveaux médicaments, dont les vaccins, est financée en partie par de l’argent public, le médicament une fois commercialisé est vendu aux états qui l’achètent avec…de l’argent public !!!!! On vend un produit aux personnes qui ont financé une partie de sa conception. Quel business model !!! Le rêve capitaliste ultime !

    J’ai donc une question importante, il est maintenant reconnu que le vaccin n’empêche pas la contamination, ni d’être contaminé, il limite apparemment pendant une courte période le risque de forme grave, donc pourquoi, puisque vous êtes si gentils, on ne peut pas se vacciner avec du Sinopharm (vaccin classique à virus inactivé) qui a selon certaines études internationales de meilleurs résultats que nos vaccins sur les risques d’hospitalisation ?
    Une autre : pourquoi les pays les plus vaccinés enregistrent-ils les taux de décès liés au Covid-19 les plus élevés ? Pourquoi la Suède avec une couverture vaccinale de 71% qui n’a pas appliqué beaucoup de mesures restrictives (masques, confinement) et que nos journaux appelaient « le mauvais élève de l’Europe » s’en sort beaucoup mieux que nous à ce jour en terme de mortalité ?? Pourquoi vous renvoyez chez eux les soignants négatifs qui refusent de se faire vacciner alors que selon vos dires l’hôpital est débordé et dans un même temps, vous demandez aux soignants vaccinés positifs asymptomatiques de venir quand même travailler au contact des patients ?

    C’est scientifique ça ? Une dernière ? Pourquoi les variants dominants sont tous apparus dans des pays soit avec une couverture vaccinale importante, soit avec une industrialisation forte, soit les deux ?

    Je me rappelle les mots de messieurs Véran et Castex pour inciter à la vaccination : « le seul moyen de se débarrasser de ce virus, c’est la vaccination ». Eh non… désolé doc… Comme en 1889 lors de l’épidémie de la « grippe russe » qui était en fait un coronavirus (toujours présent de nos jours) et qui est devenu un rhume en 1893 (source : https://www.vidal.fr/.../26269-pandemie-degrippe-russe... ), le Covid-19 va un jour (Dieu sait quand) probablement devenir très contagieux et peu dangereux, ce serait l’évolution naturelle d’un virus ARN. Vous nous épargnerez donc ce jour-là, si vous êtes toujours en poste, le mensonge « c’est grâce à ce vaccin ». Non c’est grâce à la Vie, à l’évolution, à l’immunité naturelle…

    Je le dis et le répète encore une fois pour ceux qui ne comprennent que ce qui épouse leurs préjugés, je ne suis pas ANTI-VAX et lorsque le vaccin à virus inactivé Valneva (Franco-autrichien) arrivera sur le marché en Avril 2022, qui lui a dû passer toutes les étapes pour obtenir une AMM, je réviserai peut-être MA position, seul, comme un grand. Une précision importante, la couverture vaccinale est importante en France, il ne faut surtout pas croire que cela est un plébiscite, une bonne partie des personnes vaccinées l’ont fait pour le boulot, pour pouvoir voyager, pour sortir, pour être libres et non pas parce qu’ils sont d’accord avec la stratégie sanitaire du gouvernement. Vous allez au-devant de grandes désillusions.

    « On peut discuter de tout sauf des chiffres », c’est bien ça qu’affirmait votre spot publicitaire ? L’agence Reuters (équivalent américain de l’AFP qui a repris leur analyse mot pour mot) dit : « Vous ne pouvez pas affirmer que les accidents de 2021 soient dus aux vaccins anti-covid car le VAERS (qui a été crée en 1990 et qui est un observatoire des accidents liés à la vaccination aux USA (tous vaccins confondus) et OpenVAERS qui est un outil qui traduit sous forme de graphiques les résultats du VAERS) répertorie les accidents liés à tous les vaccins confondus et que ces accidents sont signalés par les citoyens eux-mêmes sur la plateforme. » (Source : https://openvaers.com/covid-data/mortality).

    Ils ont raison dans l’absolu. Mais eux et nous savons qu’un seul type de vaccin a inondé le marché occidental en 2021 et que tous les rapports ne peuvent être faux. Le CDC a répertorié 9 décès liés aux vaccins anti-covid aux USA, ça voudrait dire que 21 881 rapports sont des faux, sans compter les personnes qui ne prennent pas la peine de signaler quoique ce soit. Ils jouent avec les mots. Ils jouent avec les maux.

    Alors, je ne vois pas des complots partout mais le roi des complots a un nom : Le Business.

    Et quand Pfizer rachète, le 16 décembre 2021, Arena une firme de cannabis thérapeutique et que le 1 er janvier 2022 on interdit de vendre des fleurs de CBD en France, je me dis que le hasard fait bien leurs choses quand même. Ou alors quand ce gouvernement essaie d’interdire les huiles essentielles en vente libre, quel est le but ? Gros, visible, pas de gants, pas grave, personne ne dit rien.

    Monsieur Macron, j’ai bien noté que vous avez choisi de nous « emmerder », soit, nous sommes un groupe avec des personnes vaccinées et d’autres non, on vit très bien ensemble, on s’entraide et on s’aime. La société française devrait être ainsi. Nous sommes quatre dans l’équipe d’IAM à avoir perdu un de nos parents depuis un an et demi, personne n’a le monopole de la peine, mais tout le monde ici a du bon sens et utilise la raison, selon la situation et les convictions dans le respect des autres.

    Ce qu’il se passe pour la plupart d’entre nous, c’est deux ans avec très peu de revenus, sans aide, dans l’indifférence générale et tout le monde trouve normal qu’on mange et élève nos enfants avec nos économies.
    Pour les restrictions et interdictions, la culture privée, c’est chacun notre tour. Si notre situation était celle de n’importe quel autre métier, la France serait en feu !!!!

    Pendant ce temps, nous sommes traités de sous-citoyens par des personnes politiques, médecins télévisés, ou journalistes serviles qui touchent leur salaire ou leurs salaires (pour vos amis de la politique) sans aucun problème….

    Et l’effort de solidarité où est-il, puisque vous êtes devenus ses nouvelles icônes et ses grands apôtres ?

    Monsieur Le Président, juste une petite idée : emmerdez les gens qui font évader chaque année 100 milliards d’euros au Luxembourg, qui est encore à ce que je sache un pays d’Europe, ou bien les nationaux qui sont cités dans les Pandora Papers, ça vous donnera largement de quoi financer une éducation nationale digne de ce nom pour nos enfants et les enseignants désabusés, un hôpital et un système de santé qui sera digne pour les patients et les soignants, et du coup les citoyens ne se déchireront pas pour un lit de réanimation comme pour du PQ ou de l’essence les lendemains de stress télévisé.

    Je suis particulièrement triste et inquiet quand je vois à quel point notre jeunesse est impactée, stigmatisée et souffre de cette situation, ils sont les moins touchés par les virus et ils sont les plus ciblés par les mesures d’interdiction., beaucoup de gens qui sont aux manettes ont déjà fait une bonne partie de leur vie et ont vécu une insouciante enfance, adolescence et vie de jeune adulte. Empathie ? Non, Individualisme. C’est bien une crise sociale, écologique et politique que nous traversons, l’économie est le moteur du changement, plutôt difficile quand la moitié du CAC 40 a un patron issu des grands corps de l’état…

    Monsieur Le Président, vous êtes en campagne ? Gros, visible, pas de gants, pas grave, personne ne dit rien, surtout pas les perroquets.
    Nous aurions pu bâtir dans la difficulté de cette crise une société plus solidaire, plus empathique et plus unie, vous avez fait de cette période un modèle de division, de haine et d’individualisme.

    Akhenaton
    Shurik’n Dj Daz Imhotep Dj Kheops

    #covid #santé #confusionnisme #IAM #Akhenaton #antivax ("mais non seulement ceux à ARN") #exemplarité #artiste

  • la vision du rôle de l’artiste dans la société.
    (1) 𝐋𝐢𝐭𝐭𝐥𝐞 𝐖𝐚𝐥𝐤𝐲𝐫𝐢𝐞 sur Twitter : « Entre fan des NFT et wannabe fascistes qui piquent des trucs pour des vidéos néonazies, on va dire que l’actualité artistique a été un peu riche, ces temps derniers. mais riche comme le fumier l’est en merde. Petit thread donc sur la vision du rôle de l’artiste dans la société. https://t.co/OdFLZ6IIjx » / Twitter
    https://twitter.com/LeslieBoulay/status/1467836227886157824?s=20

    Entre fan des NFT et wannabe fascistes qui piquent des trucs pour des vidéos néonazies, on va dire que l’actualité artistique a été un peu riche, ces temps derniers. mais riche comme le fumier l’est en merde. Petit thread donc sur la vision du rôle de l’artiste dans la société.

    • Un artiste est une personne qui fait de l’art. C’est une démarche consciente, donc. Qu’il réussisse à faire un taf génial ou médiocre, la démarche reste la même ; on est artiste parce qu’on VEUT l’être.
      La question de ce qui fait art, c’est encore autre chose et il est naturel que les artistes s’affrontent autour de ça.

      Il est aussi de rigueur de dire que l’art « ne sert à rien » et que c’est à ça qu’on le reconnait…

      Il serait plus juste de préciser que la pulsion créatrice n’obéit à aucune nécessité pragmatique. on éprouve le besoin, donc on crée. Mais cette pulsion créatrice est elle moins à l’œuvre dans une humble poterie usuelle que dans une œuvre d’art contemporain énigmatique ?
      Je n’en suis pas convaincue. Le distingo art/artisanat me parait fortement artificiel.
      Et de même, la distinction entre amateur et professionnel ne se base en rien sur la qualité ou la valeur de ce qui est créé, mais uniquement sur « est-ce que tu as décidé d’en faire ton métier ou pas ».

      Même si on peut argüer qu’un pro passera plus de temps qu’un amateur à son taf et donc nécessairement, aura statistiquement plus de chance de devenir une pointure, il est important de laisser ainsi la place à la possibilité d’un amateur particulièrement doué.
      Toutes ces choses-là, ce sont les faits.

      Passons aux mythes. Car la notion d’artiste est fortement polluée par une vision idéologique occidentale. L’essentiel de la vision qu’on en a est basé d’une part sur l’Humanisme de la Renaissance et de l’autre part sur le 19e siècle.
      Notez que par 19e siècle, j’inclus les Lumières qui sont plus sur le 18e et qui incluent une forme de préromantisme et les avant-gardes d’avant la Première Guerre mondiale.
      L’humanisme renaissant place l’humain et son esprit au cœur de la question de la création. Enfin, l’être humain MASCULIN, bien sûr.

      Un ouvrage, « Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes », par Vasari, va être d’une importance capitale dans l’élaboration du premier grand mythe : le GÉNIE. Censé être rare, il doit ses réalisations autant à ses qualités propres qu’à son travail.
      Cela dit, ce mythe survient à un moment ou tout artiste professionnel qui réussit ne se voit pas forcément attribuer cet état. La renaissance est une période de jonction, de changement, de rupture, mais aussi de continuation sur certaines choses…
      Le mythe du génie est particulièrement raccord avec celui du grand homme d’état, comme je l’ai déjà expliqué par le passé -> beaucoup de rois et seigneurs vont mettre la création au service du pouvoir temporel, comme elle l’était déjà pour l’Église, afin de gagner en prestige.
      Mais dans certaines régions, genre les Pays-Bas/Flandres, les guildes de peinture vont subsister et avec une vision de l’artiste professionnel plus proche d’un artisan.
      Dans le sud, Léonard verbalise la vision qu’il a de son métier ainsi « la peinture est une chose mentale. »
      Léonard n’a pas tort. L’art est effectivement une chose mentale. Mais il y avait dans cette phrase aussi la volonté de se distancier d’un simple travailleur manuel.

      Et en occident, cet affrontement entre ce qui relève de l’esprit et ce qui relève de la main est fondateur
      Sur le plan « prestige », on a gardé cette idée que le travail manuel est dégradant. Que la simple technique est triviale et que l’important, c’est l’esprit, le concept et non son exécution.

      L’artiste génial est avant tout concepteur et appuie fortement là-dessus.
      Et c’est là une dichotomie fortement discutable parce qu’OK, l’art c’est mental. Mais c’est aussi une pulsion du « faire » et pas uniquement du « penser ». On est artiste, pas philosophe.
      C’est important parce que cette dichotomie place clairement les génies du côté du concept et les humbles tâcherons oubliables du côté du manuel.

      Le temps passe et les seigneurs et rois mettent en place un système de hiérarchie dans les arts, les « genres » artistiques. (Rien à voir avec le genre tout court)
      Tout en haut « la peinture d’Histoire », qui représente les grands de ce monde et les mythes, et vaut une blinde....
      Tout en bas l’humble nature morte. Nettement moins bien payé. Ça nous parait aberrant qu’un type du calibre de Chardin ait été considéré comme « moins important » qu’un peintre d’Histoire médiocre de l’époque, mais c’était le cas.
      Comme tout n’est pas noir ou blanc, bien sûr, cette hiérarchie a été remise en question dès sa mise en place ; faut pas penser que personne ne discutait cela. Chaque fois que vous voyez une connerie faite ou dite par le passé, dites vous qu’il ya eu des gens pour la critiquer.
      Seulement, comme de nos jours, y avait pas mal de « cause toujours », quand y avait pas de « ce que tu me dis me déplait assez pour te faire embastiller ».
      C’est très présomptueux de nous croire plus éclairés et nos dirigeants plus bienveillants qu’à l’époque. Le pouvoir demeure le pouvoir.

      Et puis arrivent les Lumières où l’on commence à vouloir voir plus dans l’art qu’une perfection de la composition et du concept. Pas seulement le « Génie », mais le génie au service d’une cause. Diderot enchaine les critiques où il éreinte ou encense sur ces principes.
      Certes, il s’émerveille du bien peint, mais le bien peint derrière lequel il ya de la pensée. Toujours cette idée de la pensée, mais plus seulement pour montrer sa foi ou vanter le seigneur ou montrer qu’on a une connaissance aigüe de l’anatomie et de l’esprit humain…
      La pensée POLITIQUE. L’idée que l’art élève l’esprit n’est pas nouvelle, mais désormais, qu’un artiste exprime SES convictions commence à pointer sérieusement. Ce n’est pas neuf non plus, mais ça devient une exigence.

      Et bien entendu cela va avoir un impact sur ce que par la suite on va penser des œuvres d’art. le travail de propagandiste de David au service de Napoléon sera fortement plus mis en avant que celui de Vigée-Lebrun, peintre officielle d’une reine morte. Pas seulement par sexisme.
      Mais aussi parce qu’on va partir du principe que le boulot de David traduit ses engagements (ce qui est vrai) alors que celui de Vigée- Lebrun n’aurait été que travail d’artiste de cour (ce qui est très discutable).
      Il ya aussi un certain virilisme de ces concepts qui vont avec tout ça et qui joue à fond. En termes d’œuvre personnelle, on préfère l’antique qui roule des mécaniques aux portraits intimes et touchants.
      L’artiste, ça doit faire du viril, de l’Historique. Et hooo quel dommage ! Les meufs n’ont pas le droit de fréquenter les ateliers de nus.

      Vraiment ce n’est pas de chance hein ?

      Donc, le génie, le génie engagé politiquement.. reste un point essentiel de la vision occidentale de l’artiste : le génie Tourmenté !

      Et là les romantiques entrent en scène. Ils parachèvent l’idée d’une sensibilité particulière (ce qui est vrai)…
      Mais qui mène à des excès ! (ce qui est moins vrai) La vie d’artistes est vue par la lorgnette de ses souffrances. On peut y voir une forme de sanctification de l’artiste qui devient une sorte de figure christique, ou antichristique si c’est un salopard fini…
      Et évidemment un fait qui n’a jamais jusque là été le moins du monde abordé : le rapport à l’argent.

      L’artiste génial est PAUVRE. Jusqu’à ce que la reconnaissance de son génie le sauve.

      Cette idée de l’artiste qui doit souffrir , on la voit surgir jusque dans les partis pris techniques : les néoclassiques, comme David, valorisaient le dessin, qui depuis la renaissance était censé être le vecteur du concept. La couleur était censée véhiculer l’émotion.
      Du coup, la couleur devient un des éléments centraux de la peinture romantique
      L’histoire du gars qui doit prouver sa valeur pour sortir de la misère, ça ne vous rappelle rien ?

      Oui, c’est tout à fait ça : c’est TOTALEMENT au centre de l’ultralibéralisme : le pauvre qui reste pauvre, c’est de sa faute. Il n’était pas assez méritant.
      Mais l’artiste, on va lui rajouter un truc en plus pour qu’il continue à créer toute sa vie MÊME si on le laisse crever dans la misère la plus noire : la POSTÉRITÉ.
      Coucou Vincent ! C’est de toi dont on va parler là.
      La postérité, pour un artiste, c’est comme le martyre pour un croyant : une promesse qui n’engage que ceux qui y croient et contribue beaucoup à foutre sa vie en l’air.

      Je ne pense pas que Vincent y croyait un instant.
      Il était surtout malade et s’il peignait tant, c’était moins pour exploiter sa souffrance qu’afin de l’extérioriser dans l’espoir d’une résilience (une vraie, pas une connerie politique actuelle)
      C’est ce qu’est la postérité : un miroir aux alouettes.
      Techniquement, ce mythe de l’artiste pauvre qui ne se soucie pas d’argent parce que seule sa postérité lui importe, cette belle histoire de l’artiste qui acquiert sa noblesse va le martyre voire la mort pour une récompense qu’il ne verra pas, QUI ça arrange ?

      Réponse : les marchands de tableaux, les spéculateurs, les pillards.

      La façon dont les artistes se font exploiter n’est pas une domination particulière. Ce n’est qu’un avatar de la logique ultra libérale. On se mange dans les dents la même logique que le producteur de carottes bio. Celui qui produit la richesse n’est pas celui qui s’en enrichit.

      On a quelques spécificités : il a toujours été difficile de gérer les artistes parce que c’est vrai qu’on est très souvent de gros solitaires avec une individualité affirmée et un gros égo. Il fallait donc créer des conditions pour flatter cet égo et exploiter nos failles.
      Agiter devant le nez de gamins et gamines de vingt ans qu’ils sont possiblement les génies visionnaires de notre époque, mais qu’il va falloir le prouver et en chier pour ça, C’EST le moyen de parvenir à gérer les artistes.
      En flattant leurs égos, mais aussi en sabotant ce qui, dans leur formation, peut les amener à être des pros plus roublards, plus au courant des réalités, moins candides.

      J’ai cru longtemps que ce manque me venait de la fac. Erreur : c’est pareil dans les écoles.
      Maintenir et continuer à propager les rumeurs et les légendes autour de la condition artistique, comme Bachelot avec son « mais ça n’intéresse pas les artistes, les syndicats », c’est aussi un moyen de maintenir ce statuquo.
      Relativiser et encourager le pillage des artistes pour ses propres travaux de vidéaste ou de chargé de com, c’est TOTALEMENT vouloir que ce statuquo demeure.

      La différence entre les fascistes et le reste des gens n’est pas flagrante là-dessus.

      Je veux dire, la différence avec eux est qu’on sera juste ravalés au rang de pourvoyeur de distractions inoffensives et surtout non politisées, au service du pouvoir. Je le sais, j’ai lu ce qu’ils veulent que l’on soit. Ils vantent la gestion des artistes par Poutine.

      Mais si eux veulent nous opprimer carrément, ils ne font pas semblant, comme les autres de se soucier de nous.

      Parce que techniquement je constate qu’à gauche comme à droite PERSONNE ne se soucie le moins du monde de la question de la rémunération des artistes.

      On attend beaucoup de nous ; on exige beaucoup de nous. On est censés faire le lien social, toussa. Mais aucun candidat à ce jour n’a JAMAIS inclus les artistes auteurs dans sa réflexion sur sa future politique culturelle.
      Je ne dis pas qu’on est particulièrement important par rapport à d’autres corps de métiers. On est même moins importants que beaucoup.

      Mais on n’est jamais ne serait ce que consultés sur ce qui nous concerne au premier chef.

      Toute l’industrie de la culture repose sur des fantômes : Nous.
      Ce qui est logique puisque dans la représentation populaire, nous sommes censés être ultrarares et ne pas nous soucier d’argent.

      C’est LOGIQUE, donc, qu’on ne nous consulte pas. On n’est pas censés EXISTER.

      Sauf que ce n’est pas vrai.

      Toute notre formation, à exiger de nous qu’on se donne à 200 % pour des clopinettes tout en trouvant flatteur de se faire exploiter vise à faire en sorte qu’on ne voit nos échecs ainsi : « je ne suis pas un génie. C’est normal que j’en chie. Je devrais faire UN VRAI MÉTIER. »

      Jusqu’à l’idée saugrenue que les syndicats, ce n’est pas notre kif : surtout, que les artistes ne parlent pas ensemble.

      C’est la GROSSE nouveauté depuis longtemps : les artistes, désormais, ne sont plus isolés les uns des autres.

      Donc voilà. Je ne vous cache pas que je ne suis pas spécialement optimiste pour l’avenir : les élections vont se jouer entre des gens qui nous laisseraient crever en faisant mine de ne pas s’en apercevoir et ceux qui nous buteraient volontiers si on ne fait pas ce qu’ils disent.

      Youpi.

      Allez, Bizatouss.

  • Notre condition. Essai sur le salaire au travail artistique – Aurélien Catin – Riot Éditions
    https://riot-editions.fr/ouvrage/notre-condition
    « Avec cet essai sur la condition des artistes-auteur·es, nous allons jeter en pleine lumière toute une production de valeur maquillée en passion et en amour de l’art. En nous posant comme des travailleur·ses, nous allons déborder du champ de la culture pour entrer dans celui de la lutte. Au-delà de la question de notre rémunération, l’enjeu du salaire se situe au niveau du rapport politique que nous entretenons avec les structures économiques et sociales qui déterminent notre activité. À l’heure d’un durcissement du capitalisme qui se traduit par l’uberisation de la société, et dans nos milieux par la prise de pouvoir des fondations d’entreprise et des groupes d’édition, il est temps que le travail artistique soit rendu visible afin que nous puissions l’émanciper des puissances d’argent. Derrière le cas des artistes-auteur·es, c’est bien la question d’un devenir commun qui transparaît, car à force de régressions et de renoncements, le travail a été ravalé au rang de mal nécessaire nous entraînant vers une catastrophe anthropologique et environnementale. En nous organisant pour transformer notre condition, nous allons apprendre à déjouer cette prétendue fatalité. »

    (...) Plutôt que de dénoncer les spéculateurs du marché de l’art ou les actionnaires de l’édition, il est nécessaire d’outiller celles et ceux qui ont choisi de faire de l’art un métier. Bien qu’ils·elles produisent ici et maintenant des œuvres de référence, qui s’agrègent pour former quelques-unes des couches de notre culture la plus officielle, la majorité d’entre eux·elles passent le plus clair de leur temps à remplir des dossiers de subvention, à compléter des déclarations en ligne, à gratter le RSA, à jober avec le couteau de la survie sous la gorge.
    Cette situation les expose à tous les compromis, si bien qu’avant d’être une puissance autonome ou un ensemble de pratiques au service d’un discours ou d’une intuition, l’art est une bête carrière où tous les moyens sont bons pour agripper le barreau du dessus.
    Plongé·es dans un milieu investi par les puissances d’argent, les artistes sont mis·es en concurrence, domestiqué·es, exploité·es, et pour finir, spolié·es.(...)

    (pas lu)
    #Art #artiste #rémunération

  • Madame d’Ora | Neue Galerie NY
    February 20, 2020 - March 12, 2020
    https://www.neuegalerie.org/madame-dora


    ACTRESS AND DANCER ELSIE ALTMANN-LOOS, 1922

    Dora Kallmus (1881–1963), better known as Madame d’Ora, was an unusual woman for her time with a spectacular career as one of the leading photographic portraitists of the early 20th century. This exhibition, the largest museum retrospective on the Austrian photographer to date in the United States, will present the different periods of her life, from her early upbringing as the daughter of Jewish intellectuals in Vienna, to her days as a premier society photographer, through her survival during the Holocaust. Forging a path in a field that was dominated by men, d’Ora enjoyed an illustrious 50-year career, from 1907 until 1957. The show will include more than 100 examples of her work, which is distinguished for its extreme elegance, and utter depth and darkness.


    SEVERED COW’S LEGS IN A PARISIAN ABATTOIR, ca 1954-1957


    WRITER COLETTE (SIDONIE-GABRIELLE COLETTE), 1954

  • Pauvreté des programmes culturels
    De la gauche et de l’art

    par Evelyne Pieiller

    Ouvrant leurs collections aux foules avec l’appui des pouvoirs publics, MM. François Pinault ou Bernard Arnault deviennent les saints patrons des arts, dont ils contribuent à fixer les prix. Les industries culturelles promeuvent des formes qui modèlent la perception et les valeurs. Mais nombre de progressistes portent le combat ailleurs, en demandant à l’art des comptes sur son utilité sociale.

    Les moments de franche rigolade ont été assez rares pendant la crise sanitaire. Il y en a pourtant eu un, en plein confinement : lorsque le président Emmanuel Macron, en bras de chemise, quasiment ébouriffé et l’air intense, s’est adressé à des artistes pour leur expliquer le sens de la vie et du « timing » : « Robinson Crusoé, il ne part pas avec des grands principes, il va dans la cale chercher ce qui va lui permettre de survivre. Du fromage. Du jambon. Des choses très concrètes. Pour pouvoir ensuite inventer quelque chose et créer. Robinson, quand le naufrage est là, il ne se prend pas les mains dans la tête [sic] en essayant de faire une grande théorie du naufrage (1). »

    Si cette argumentation peut faire l’effet d’un sketch comique, elle paraît néanmoins relever du bon sens. Il est en effet peu commode de « se prendre les mains dans la tête ». Il est tout aussi vrai, côté jambon-fromage, que les besoins élémentaires sont généralement prioritaires, comme le rappelle Bertolt Brecht dans L’Opéra de quat’sous, avec son « D’abord la bouffe ensuite la morale ». À l’évidence, le propos présidentiel visait à remettre les artistes à leur place. Du concret, pas de la théorie.

    M. Macron n’est pas le seul à vouloir les remettre à leur place. C’est aujourd’hui une position commune à nombre de mouvements et de penseurs considérés comme progressistes. Leur place : non plus à part, vaguement éthérée, au-dessus des simples mortels que n’ont pas favorisés les muses, mais de plain-pied avec leurs concitoyens, face aux mêmes urgences et nécessités. De façon cohérente, c’est l’art lui-même qui est jeté à bas de son piédestal.

    Il suffit pour s’en convaincre de lire les programmes des partis dits de gauche, ou de voir leur concrétisation dans les municipalités qu’ils gèrent. L’exemple écologiste est édifiant. À Bordeaux, dans le cadre d’une grande campagne destinée à « faire participer le maximum de Bordelais et Bordelaises à la définition de la politique culturelle », via une plate-forme où l’on peut donner son avis, des affiches, en mars 2021, demandaient innocemment : « La cuisine, c’est de la culture ? », « La culture, ça coûte trop cher ? », « Artiste, c’est un métier ? » Le « forum » ainsi ouvert n’est pas un « événement pensé par et pour les professionnels », mais une « coconstruction », car « chacun.e est porteur [sic] de culture ». L’élu, M. Pierre Hurmic, entend engager une réflexion sur les lieux « pour qu’ils soient tout autant des lieux de création artistique que des lieux de discussion, de rencontres et des lieux-ressources », explique son adjoint Dimitri Boutleux (2). Tête de liste Europe Écologie - Les Verts (EELV) pour la métropole en 2021, Mme Pascale Bonniel Chalier, enseignante en management culturel, renchérit : « On impose la culture aux gens sans leur donner le choix, sans écouter leurs cultures, or nous sommes dans la coconstruction (3). » M. Éric Piolle, maire de Grenoble, précise : « Après la grande phase Malraux et la grande phase Lang, on est arrivés au bout. (…) On ne doit plus être dans une logique surplombante, verticale, descendante. » Un de ses conseillers résume : « Le maire veut rendre la culture, trop longtemps parisienne et élitiste, aux Grenoblois (4). » En bref, il faut du local, de l’horizontal, de l’accessible. Du populaire. De l’authentique. De l’animation. Et de la coconstruction. En clair, baissons les subventions élitistes et rendons les « lieux » aux « gens ».
    Ce que le public « ne sait pas qu’il désire »

    Du côté du Parti communiste français, longtemps un ardent promoteur de l’implantation de lieux de création dans ses villes, le propos est flou sur l’art (« redéfinir les missions artistiques et citoyennes » des établissements subventionnés), et « tendance » sur la nécessité de l’« accès à la culture dans un processus d’appropriation et de valorisation des pratiques culturelles de chacune et chacun » (5). Le Parti socialiste, dans les textes qui préparent son congrès de septembre 2021, fait dans la sobriété : les artistes doivent aller dans les écoles. Quant à La France insoumise, son livret-programme, sensiblement plus étoffé, rappelle avec autant de force que d’originalité que « l’art est une source d’émotions, d’invention », et entend « encourager » la… « coconstruction de la programmation culturelle avec les publics ». Quelques banalités : l’opéra est une « pratique culturelle marquée par de profondes inégalités », « les plus aisé.e.s se réservent les visites fréquentes et l’art “savant” ». Mais le parti de gauche dénonce également la culture de masse qui « permet de formater les comportements ». Place aux droits culturels : « Chacun.e doit pouvoir manifester son existence, sa créativité. » Développons donc les « pratiques artistiques et amateurs » (6).

    Il y a là enfin une réelle « union de la gauche ». Attaques contre l’art pour nantis, défiance envers les « professionnels », désir de les mettre au service d’animations diverses, salut à la spontanéité des « identités culturelles », mise en avant des amateurs, exaltation de la créativité, validation des goûts du public : la « démocratisation » flirte par moments avec la démagogie, loin de Jean Vilar, fondateur du Festival d’Avignon en 1947 et longtemps directeur du Théâtre national populaire, qui avait pour ambition de « faire partager au plus grand nombre ce que l’on a cru jusqu’ici devoir réserver à l’élite », tout en soulignant qu’« il faut avoir l’audace et l’opiniâtreté d’imposer au public ce qu’il ne sait pas qu’il désire ». On se faisait alors, dans le sillage du Front populaire et du Conseil national de la Résistance, une autre idée du peuple, et des forces de l’art.

    Ce qu’avancent les prescriptions actuelles se retrouve dans de nombreuses analyses et notions du champ universitaire. Rien de plus commun que le refus de la hiérarchisation en art, et ce qui autrefois, avant la fin des années 1960, était dédaigné comme sous-culture a depuis longtemps conquis ses galons d’honorabilité. Assurément, comme le formule avec précision Philippe Olivera à propos de la littérature, sa « représentation dominante (…), loin de s’imposer comme par nature, est le résultat d’un travail de légitimation et de discrimination », qui a relégué dans des « genres dits mineurs » des « espaces qui sont souvent des refuges du discours critique ». La valorisation du roman noir, par exemple, comme « reflet, conscient ou non, de ce qu’est l’époque et de la résistance à cette époque », selon l’expression de l’auteur Marin Ledun, ne fait plus débat, sauf peut-être chez les conservateurs crispés, même si la notion de « genre » — polar, noir, thriller, science-fiction, etc. — demeure, signalant une marque, et un registre (7). Le propos sarcastique du compositeur Pierre Boulez, rappelé dans Majeur/ Mineur (8), ne paraît plus guère audible : « Toutes les musiques elles sont bonnes, toutes les musiques elles sont gentilles. Ah ! le pluralisme, il n’y a rien de tel comme remède à l’incompréhension. (…) Tout est bien, rien n’est mal, il n’y a pas de valeur, mais il y a le plaisir. » Hiérarchiser semble définitivement réactionnaire. Car, comme le dit M. Jack Lang dans le même ouvrage, « la vraie distinction est à établir entre la beauté et la laideur, mais qui peut en être l’arbitre suprême ? ». Ce lexique n’a effectivement plus cours. Ce qui fait aujourd’hui la valeur de l’objet artistique, ce sont son projet et son usage, qui doivent être directement identifiables dans le combat contre les diverses formes de la domination, y compris celle du « bourgeois cultivé ».

    Ce combat libérateur s’exprime notamment dans l’« art documentaire », dont la philosophe Carole Talon-Hugon interroge vigoureusement la revendication à « être un modèle appelé à subvertir le savoir académique », adoubé par les institutions officielles, tant artistiques qu’universitaires (9). Cet « art documentaire », qui se déploie en installations, théâtre, films, utilise documents, archives, etc., pour témoigner de la réalité, être un révélateur de la vérité, à des fins politiques. Mélange de fiction, de mise en scène et de données factuelles, s’appuyant sur l’« histoire vraie » et l’attention au sensible, il brouille la frontière entre réel et représentation, entre travail artistique et savoir objectif, entre vérité et émotion. Le document, au service de la dénonciation du système, justifie l’œuvre.

    La réflexion sur un art politique, et notamment sur l’art documentaire, est conduite également par le philosophe et sociologue Geoffroy de Lagasnerie, enseignant à l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy. Il incite à « élaborer une éthique des œuvres », qui oblige l’artiste à se demander : « Ce que je fais va-t-il m’inscrire dans le divertissement, la diversion, la complicité au monde ? » Pour une pratique véritablement « oppositionnelle », il faudrait refuser l’art, au sens « esthétique » du terme, et l’imagination, deux « complices des forces de l’ordre ». Et s’employer « à dire la réalité, à dire la vérité, à la montrer, contre les mystifications instituées et les récits mensongers ». Place à l’art explicite, rejetant le poids de références stigmatisantes, qui se devra également de questionner l’ensemble des dispositifs mis en jeu par sa création et sa diffusion. Il faudra donc non seulement refuser l’« entre-soi », mais aussi s’abstenir d’exposer dans un musée, où s’exhibe le « plaisir de la distance de classe », ou de jouer dans une salle de concert classique, excluante en tant que telle (10).

    On pourrait conclure que mieux vaut directement militer. Pourtant, Lagasnerie signale que tout n’est pas perdu : « Ce sont en fait plutôt les auteurs centraux, ou dont les œuvres parviennent à conquérir une certaine centralité publique et institutionnelle, qui produisent les avancées révolutionnaires les plus importantes. » Ah ? Révolutionnaires, vraiment ? Et il conclut par un éloge du cynisme : autant utiliser tout ce qui peut permettre de remplir ce rôle, accepter de ruser avec l’impureté de l’argent, de l’institution, en résumé des pouvoirs, pour faire exister la pureté des « pratiques émancipatrices ». Ce n’est d’ailleurs pas si compliqué : un essai précieux, L’Art et l’Argent, souligne que les « élites contemporaines » aiment « qu’on les agresse ». À preuve, le rappel de la « culpabilité coloniale » dans le travail de l’artiste Adel Abdessemed séduit M. François Pinault (11).

    Ce même recueil met en relation certaines de ces évidences jugées progressistes avec le règne du néolibéralisme. Élitiste ? Plus personne ne l’est, bien au contraire. Voyez les « grands » collectionneurs : leurs collections, riches en « pompiers » séduisants, « sont de nature à devenir des attractions touristiques ». L’art ? Il sert l’« idéologie des manageurs », à travers le développement de la créativité dont chacun est doté. Sa spécificité ? Tout peut faire art, y compris la mode, le « luxe » — d’ailleurs, Jeff Koons crée des sacs pour Louis Vuitton. Le jugement esthétique ? L’émotion, le « ressenti » suffisent, proclament les journalistes. Son utilité dans la vie « citoyenne » ? Le programme de la biennale Manifesta 13 Marseille, initiative d’une fondation privée, est typique : il s’agit désormais, « au-delà des sujets artistiques et culturels », de se centrer « sur l’humain et ses problématiques écologiques ».
    Une « communication des inconscients »

    Jadis, à gauche, la réflexion fut souvent moins en accord avec les tendances du marché, moins prompte à confondre l’affichage moraliste et la visée transformatrice. Antonio Gramsci, cofondateur du Parti communiste italien, rappelait que « l’art est éducatif en tant qu’art, mais non comme art éducatif ». Theodor W. Adorno analysait le rôle des industries culturelles : insuffler la « voix de leurs maîtres » aux consommateurs (12). On interrogeait le poids de l’idéologie dominante qui façonne la « spontanéité » des demandes. Le philosophe hongrois Georg Lukács, membre de la République des conseils en 1919, s’élevait contre la réduction de l’art au « sociologisme vulgaire » — la réduction de toute perspective artistique à des questions de classe (13). Pierre Bourdieu, étudiant les conditions de la « révolution symbolique » opérée par Édouard Manet, soulignait qu’elle s’accomplit en apportant des contradictions aux codes en vigueur, tout en précisant que « la communication entre une œuvre d’art et un spectateur est une communication des inconscients beaucoup plus qu’une communication des consciences (14) »… Enfin, comme l’écrivait Adolfo Sánchez Vázquez, philosophe communiste qui s’exila au Mexique à la fin de la guerre d’Espagne, s’il faut aspirer à la socialisation de la création, celle-ci n’interviendra que dans une société « qui n’est plus régie par le principe de rentabilité », l’artiste devenant alors le « créateur des possibilités de création que d’autres doivent réaliser » (15).

    En attendant, rappelons avec Bourdieu que l’art peut être porteur de dissonances, susceptibles d’induire une nouvelle représentation du monde. Brecht approuve. Charlie Chaplin aussi.

    #art #culture #coconstruction #artiste #peuple

    • J’ai trouvé ce texte assez juste, interessant et plutot déséspérant pour mon avenir d’artiste qui doit faire de la coconstruction pour espéré bouffer tout en culpabilisant de "la honte d’être artiste" comme le dit le dernier bouquin de Lagagnerie que j’ai lu.
      https://artais-artcontemporain.org/lecture-lart-impossible-de-geoffroy-de-lagasnerie

      "Enfin, vers la fin de l’ouvrage, Geoffroy de Lagasnerie prône un cynisme programmatique et invite les artistes à exposer, sans âme , chez Vuitton ou au Palais de Tokyo. Le « cynisme » porté par l’auteur n’est que le cynisme du monde. Philosopher chez Bolloré ou écrire chez Lagardère, exposer chez Vuitton, c’est penser, créer dans un monde malade. Ne demandons pas aux artistes, une vertu que nous autres sommes incapables de revêtir. Créer dans un monde mauvais semble de plus en plus impératif."
      J’imagine qu’il dit ca pour défendre Assa Traoré et Paul B. Preciado qui sont proches de lui et font de la pub respectivement pour louboutin et LVMH. Mais en fait l’art cynique c’est le plus rentable et le plus valorisé aujourd’hui et j’arrive pas complétement à adhéré à ca non plus (surtout faire un art sans ame pfff à quoi bon faire de l’art alors..) meme si c’est vrai que c’est plutot des patriarches qui peuvent s’acheter mes patriarches et ca me rend plus triste qu’autre chose.

      Les ccl sur un sujet pareil c’est pas evident et Mme Pellier sur le diplo ne s’en sort pas mieux avec la sienne qui est décevante comme un beau soufflé qui s’abouse à la sortie du four.

  • La mégère et le protecteur-collectionneur.

    Je pense que je dois à ton égard représenter un mâle occidental alpha avec tous ses défauts alors que je suis un homme qui a fait un long cheminement pour etre qui il est à ce jour.
    Ma perception est que tu considère mes paroles comme une prise de pouvoir et de contrôle alors que je me considère comme bienveillant et protecteur.

    C’est ce que m’a écrit un collectionneur hier suite à mon refu de bosser avec lui. Mon refu n’etait pas lié au fait qu’il soit un homme, mais à sa mentalité qui me plaisait pas et j’en ai eu la confirmation dès que j’ai contrarié ses plans de bienveillant protecteur. Bien sur je lui ai pas demandé d’être bienveillant et protecteur mais qu’il soit un minimum respectueux et professionnel ca m’aurai pas dérangé. Il enchaine donc sur ceci :

    A titre de collectionneur, je suis heureux en tout cas d’avoir acquis une de tes œuvres récentes les plus intéressantes et je te prie à ce titre de ne plus la diffuser en ligne ou la reproduire de quelque manière que ce soit sachant que je suis désormais l’unique propriétaire.

    A titre de collectionneur ce patriarche a l’air très heureux du pouvoir qu’il croit avoir sur mon œuvre et sur moi. Le pouvoir de me faire taire. Sa bienveillance protectrice le pousse à tenté de me punir d’avoir refusé son offre en cherchant à me confisqué mon travail. Tant de bonté ca me fait chaud au cœur !
    Avec de bienveillants protecteurs tel que lui, pas besoin de malveillants prédateurs...
    Bref je lui ai rappelé la loi qui fait de moi l’unique propriétaire des droits de reproduction, en le remerciant d’avoir confirmé mes intuitions le concernant et lui précisant que j’étais syndiqué. J’étais bien contente de le remettre à sa place merci @monolecte pour le CAAP c’est grâce à toi que j’y suis.

    Je pense que ca va m’inspiré un dessin ou deux. C’est un bel exemple à mon avis de comment les femmes artistes disparaissent : leurs « bienveillants protecteurs » les effacent quant elles n’exécutent pas leurs 4 volontés de dominants. Il a voulu m’exciser la parole mais heureusement j’ai un baubellum en acier trempé !

    #censure #bienveillance #protection #sanction #art #artiste #invisibilisation #silenciation #syndicat #femmes #féminisme #argent #valeur #pouvoir #punir #patriarche #grand_homme #caap #domination #baubellum #mégèrisme

  • Quelles libertés pour l’art post-covid 19 ?

    Je commence cette réflexion sur la liberté de l’art et des artistes dans l’ère post-Covid 19 en m’appuyant sur deux informations récentes : d’une part, on estime que, dans le monde, le nombre de nouveaux pauvres attribuables à la pandémie se situera entre 119 et 124 millions[1] (c’est-à-dire presque la totalité du nombre de personnes nées durant cette période), d’autre part et en même temps, jamais encore la richesse des gens les plus fortunés de la planète n’avait crû de manière aussi rapide et importante.[2]

    Dans le même contexte, on apprend que le patron de Moderna, l’un des producteurs de vaccins utilisés pour lutter contre le coronavirus, compte parmi ces heureux nouveaux milliardaires. Comme par hasard et sans que les médias n’éclatent de rire en rapportant ses propos, il préconise « une troisième dose de vaccin dès la fin de l’été pour les personnes à risques »[3]...

    Sachant que la population humaine, qui ne cessera de croître pendant plusieurs décennies encore, est le seul « territoire » en expansion que le capitalisme peut continuer de conquérir sur une planète limitée dont il aura bientôt épuisé les autres ressources sans avoir d’alternative (seul un idiot peut prendre au sérieux la chimère et l’imposture spéculative que constitue la conquête de l’espace), il n’est pas surprenant que le Covid 19 ait fourni à ce capitalisme prédateur la bonne occasion d’assujettir cette dernière proie. En instrumentalisant la santé des individus, il continue en effet d’engranger des profits, alors que tout le reste se fait rare, y compris la biomasse qu’il détruit de manière écervelée afin de produire l’énergie nécessaire à sa survie.

    Cette réalité s’inscrit dans la tendance générale des dernières décennies qui ont vu le fossé se creuser entre les riches et les pauvres et, corollairement, les idéaux démocratiques s’éroder. Elle confirme la thèse de Naomi Klein selon laquelle toute crise dans les sociétés contemporaines - et une pandémie en fait partie, comme les catastrophes naturelles et les bulles financières qui éclatent - induit systématiquement une concentration des pouvoirs et des richesses, et augmente donc simultanément la masse des indigents.

    Cette réalité est aussi celle des artistes et de l’art.

    Or, la conception de l’art comme expression de la liberté individuelle et comme puissance d’élévation et d’émancipation, tout comme celle d’un art engagé capable d’influer sur le développement de la société (conception qui, me semble-t-il, prévaut dans le projet Störende Wahrheiten et que je défends également), s’est constituée sous des prémisses fondamentalement autres. Elle est la conséquence de la lente transformation du statut des artistes, longtemps enfermés dans les protocoles stricts des corporations du moyen âge, transformation qui ne s’est, de fait, concrétisée que vers la fin du 19ème siècle.

    Et encore, à bien y regarder, seulement pour les artistes d’avant-garde, qui n’étaient de loin pas la majorité - il s‘agissait en gros, de ceux qui remettaient en question les enseignements des académies (aujourd’hui remplacées par les écoles d’art) et que seuls, logiquement, l’histoire de l’art moderne tend à retenir. C’était également l’époque où l’Occident a imposé sa suprématie partout dans le monde, l’époque de l’industrialisation galopante, du triomphe de la bourgeoisie sur l’Ancien Régime, de l’exploitation coloniale et de l’alphabétisation d’une grande majorité des populations - alphabétisation devenue si essentielle au fonctionnement d’une société urbanisée et dé-ruralisée que l’on peut douter qu’elle fut juste le fruit d’une volonté philanthropique.

    Évidemment, ce processus s’est enclenché bien plus tard dans les sociétés non-occidentales et colonisées : pour certaines il n’est pas encore terminé, pour d’autres il est déjà interrompu.

    Dans ce contexte nouveau, les tout aussi nouveaux intellectuels pouvaient compter sur une audience devenue consistante : pour la première fois dans l’histoire, la chose écrite était susceptible d’atteindre les masses, ce qui explique, entre autres, les succès populaires des romans d’un Victor Hugo, d’un Alexandre Dumas, d’un Herman Hesse ou d’un Jules Verne.

    Les écrivains qui réussissaient vivaient comme de grands bourgeois (ils étaient d’ailleurs souvent issus de cette classe) et se voyaient admirés par le peuple. Les peintres, les musiciens, les acteurs et les danseurs, eux, bataillaient encore pour être vus comme autre chose que des marginaux ou des singes savants : si les plus originaux (ou les plus dévoyés) parmi les anciens aristocrates et les nouveaux riches aimaient s’encanailler en leur compagnie, ces artistes ne jouissaient pas d’une véritable considération sociale – d’où aussi, l’apparition du mythe de l’artiste maudit, dont Vincent Van Gogh est le paradigme, ou de l’artiste cherchant l’idéal d’une société originelle et pure, loin de l’Occident, comme Paul Gauguin.

    Mais très vite, une scission se produisit entre ceux qui ne possédaient que les bases de l’instruction et ceux qui avaient accès aux études supérieures. De là découle la séparation artificielle qui s’est instaurée depuis entre la culture populaire et la culture savante (low and high culture) – ne pas mélanger les torchons et les serviettes et imposer les codes de cette distinction a de tout temps été une préoccupation majeure des classes dominantes.

    Marcel Duchamp incarne à merveille ce passage. Fils de notaire, intelligent, doué et cultivé, il a parfaitement compris quelles libertés artistiques le monde en train de se faire allait permettre. D’ailleurs, ce n’est pas un hasard si c’est Outre-Atlantique qu’il s’est d’abord distingué. Les États-Unis étaient, en effet, le premier pays industrialisé à établir une société fondée sur trois niveaux d’instruction, chacun destiné à environ un tiers de la population : le bas pour le prolétariat, le moyen pour les commerçants et les employés des services, le haut pour les dirigeants.[4]

    Lorsque, bouleversant les codes communément admis par les gens cultivés de l’époque, Duchamp exposa son Nu descendant l’escalier à l’Armory Show en 1913, il donna à la jeune classe des académiciens américains, plus éduquée encore, un premier point de ralliement. Par la suite, ses ready-made, son Grand Verre, et son Etant donnés, toutes œuvres exigeant une belle ouverture d’esprit et un affranchissement des repères établis, ne firent que confirmer son statut d’artiste pour l’intelligentsia naissante.

    Et ce n’est pas un hasard non plus s’il est devenu un mythe en Europe seulement à partir de l’après seconde guerre mondiale, lorsque les Européens ont commencé à rattraper le retard en études supérieures qu’ils avaient par rapport aux États-Unis – trop tard donc pour empêcher New York de détrôner Paris (et d’autres villes européennes) comme capitale mondiale de l’art, comme le montra bien l’attribution du prix à l’Américain Robert Rauschenberg à la biennale de Venise en 1964.

    Mais, en même temps, les deux guerres mondiales successives ayant fait des ravages parmi le gros des populations tout en laissant également quelques trous à combler dans les hautes sphères, elles ont poussé à la reconstruction massive et à la modernisation à marche forcée : cela a permis, de manière plutôt inespérée, à un certain nombre de gens issus des classes populaires (peu, en réalité) et de la petite bourgeoisie (beaucoup plus) d’accéder aux études universitaires et d’intégrer le monde académique.

    Rétrospectivement, cette époque semble être celle où l’ascenseur social a le mieux fonctionné (probablement plus par nécessité économique que par volonté politique établie) et celle qui a forgé le sentiment des avantages de la démocratie chez la plupart de ceux qui en ont recueilli le bénéfice – de fait, dans les années 1960, l’écart entre les riches et les pauvres avait atteint son niveau le plus bas en Occident, grâce aussi à l’exploitation colonialiste du reste de la planète, bien entendu.

    Or, ce monde académique, jeune et mélangé socialement comme jamais auparavant, allait presque naturellement s’identifier avec les formes d’art intellectuellement plus exigeantes et les promouvoir, approfondissant du même coup, de manière plus ou moins consciente et probablement involontaire, le fossé entre art populaire et art savant.

    L’avènement de l’art conceptuel et des pratiques artistiques hautement théorisées de cette époque corroborait et alimentait ce développement, même si simultanément, le pop art brouillait superbement les frontières, perpétuant l’illusion de son accessibilité auprès du petit peuple (il ne faut pas perdre de vue que cet art aussi était possédé uniquement par les – nouveaux – riches). Cependant, pour la première fois, des gens d’origines modestes pouvaient, grâce à leurs capacités intellectuelles (et généralement beaucoup de travail), accéder aux sphères supérieures et tenir dans les universités, les musées et les débats publics le même rang que les éternels fils à papa (les femmes étaient encore très minoritaires dans le secteur culturel) qui y parvenaient davantage par le privilège de leur naissance et de leurs relations que par leurs mérites réels.

    On peut donc comprendre que l’art a dès lors pu apparaître comme un facteur d’émancipation, d’élévation et d’expression d’une liberté individuelle, et même de transformation sociale – cela correspondait à son rôle réel aussi bien du point de vue intellectuel que sociétal.

    C’est sur cet arrière-fond que, suite à la révolution (avortée) de la jeunesse (généralement gâtée) de mai 1968, les académies d’art traditionnelles ont été réformées pour devenir les écoles d’art d’aujourd’hui.[5] Là aussi, le modèle vient des États-Unis, bien qu’on puisse aller chercher ses origines dans le mouvement Arts & Crafts de William Morris et le Bauhaus de Walter Gropius : le fameux Black Mountain Collège en est l’archétype accompli.

    De fait, si la plupart des parcours artistiques qui ont marqué l’histoire de l’art depuis le milieu du 19ème siècle jusqu’en 1945 se sont construits et affirmés par opposition au métier enseigné dans les académies, en revanche, les artistes qui ont marqué l’après-guerre sont très souvent issus de l’université, et ils ont d’emblée introduit le discours théorique (et politique) dans leur démarche. Les écrits des artistes deviennent alors de véritables thèses, intellectuellement sophistiquées et méthodiquement construites, très différentes des manifestes et des publications philosophico-mystiques des avant-gardes historiques d’avant 1914. Il suffit pour s’en convaincre de comparer le lyrisme emphatique du futuriste Filippo Marinetti ou les obscures élucubrations poétiques de Kandinsky avec la clarté discursive de Daniel Buren ou avec la rigueur structurelle de Donald Judd, par exemple. Et il est logique que ces artistes, une fois consacrés, aient transformé l’enseignement artistique à leur image.

    Ainsi, la première génération d’enseignants des nouvelles écoles d’art était fortement imprégnée des idées gauchistes qui ont promu les idéaux d’émancipation dont elle était elle-même le fruit. Et cette tendance s’est ensuite propagée dans les musées qui, jusqu’alors largement conservateurs et élitistes, se sont d’abord vus concurrencés par les centres d’art contemporain, plus indépendants, apparus à partir des années 1970, et ont ensuite intégré, pour une partie d’entre eux du moins, les mêmes idéaux progressistes et démocratiques.

    Mais la réaction ne s’est pas fait attendre ou, plus précisément, le sens de l’histoire allait encore s’inverser. Incapables de prolonger leur mouvement libérateur et égalitariste au-delà du seuil nécessaire à la consolidation des nouveaux repères, les sociétés redeviennent conservatrices et rétablissent les anciennes hiérarchies, fut-ce dans de nouveaux oripeaux et en intégrant les homines novi, tout en se servant des technologies de pointe à leur disposition.

    Au moment même où le talent, le mérite et la maîtrise intellectuelle permirent à certains, grâce aux connaissances acquises et au discours réfléchi, d’accéder, dans les institutions culturelles, aux postes habituellement occupés par ceux qui jouissaient des privilèges des sphères dominantes, le rouleau compresseur néolibéral commença à freiner les ascensions sociales et à rigidifier les situations, rétablissant les compartimentations entre les classes selon le seul critère du succès économique et des richesses accumulées.

    Ainsi, on peut considérer que l’offensive idéologique contre l’art conceptuel et ses développements (le land art, l’arte povera, l’art corporel, les performances, etc.), dont l’idéal consistait justement à se libérer de toute emprise marchande, est venue du marché de l’art dès le milieu des années 1960, au plus tard lorsqu’a été fondée la première foire des galeries à Cologne. Peu après, le retour à la peinture (Neue Wilden en Allemagne, transavanguardia en Italie, figuration libre en France, bad painting aux États-Unis, etc.) consacrait à nouveau la primauté du produit artistique sur les démarches poétiques et politiques qui espéraient fonder la société sur de nouvelles bases.

    Un demi-siècle plus tard, le constat est sans appel : les musées d’art ne sont plus qu’un rouage parmi d’autres de l’industrie culturelle et touristique et ne servent (presque) plus qu’à entériner les tendances du marché et à valoriser les collections privées des nouveaux riches en soif de reconnaissance – ce pauvre ersatz des valeurs humanistes. Ils ne sont plus les lieux de la découverte, de la réflexion et de la contemplation qu’ils ont rêvé d’être, et n’incarnent plus, sinon par une communication fallacieuse, l’utopie démocratique dont ils se sont un temps fait les hérauts. Ils sont aujourd’hui à la traîne, voire à la botte, des foires d’art qui, à travers conférences, colloques et symposiums, organisent des rassemblements d’intellectuels réduits à servir d’alibi à ces événements marchands et people.

    Le monde de l’art est désormais intégré à un système pour lequel le seul critère d’évaluation est le succès financier et médiatique - ces deux vont de pair, puisque les grands médias sont détenus par les mêmes milieux, et loin de constituer un contre-pouvoir, ne font que renforcer celui en place. Aucune parole critique n’a plus prise sur lui : le discours critique même ne sert d’ailleurs plus que de faire-valoir et de divertissement à ce système.

    Pour les artistes, la situation n’est pas commode. Il faut tenir compte du fait que, en règle générale et à peu près partout dans le monde, moins de 2% de ceux qui se déclarent artistes vivent de leur art, qu’une moitié d’entre eux survit grâce à des métiers alimentaires ou un soutien extérieur (rémunération du conjoint ou rente) et que la grande majorité est paupérisée.

    On retrouve donc dans la sphère artistique les mêmes proportions et les mêmes dépendances que dans la société dans son ensemble : une infime minorité accapare l’argent et l’attention des médias, tous les autres nourrissent le système en y participant mais, sans levier pour le transformer, ils ne font que le subir. En effet, pour les artistes aussi, le glissement progressif vers la pauvreté, l’exclusion et la marginalisation devient le sort commun, malgré les exceptions qui sont logiquement célébrées et promues comme modèles à suivre par le star system et malgré l’illusion passagère que confère la célébrité virtuelle sur les réseaux sociaux.

    À cela s’ajoute que les écoles d’art aussi reflètent cette évolution extrêmement polarisée. Quelques-unes d’entre-elles, choyées par les galeries multinationales et les grands collectionneurs, fournissent l’essentiel des rares artistes à succès, tandis que la plupart ne fait qu’assurer quelques années de répit et – dans le meilleur des cas, de rêve - aux futurs sans-emploi. Dès l’origine, les écoles d’art n’ont jamais vraiment concerné qu’une mince couche de la population - il est vrai que le monde de l’art est d’une uniformité sociologique assez effrayante, à des lieues de son idéal égalitariste et d’ouverture démocratique : pendant des décennies, elles ont surtout attiré la descendance des premières générations d’académiciens et elles n’ont pratiquement jamais touché les classes ouvrières, encore moins les populations immigrées.

    Mais le déclassement social guette désormais également cette descendance et les diplômes élevés qui lui sont accessibles ne lui procurent plus guère de débouchés viables - c’est le cas dans l’enseignement public dans son ensemble d’ailleurs.

    Or l’enseignement artistique lui-même s’est également transformé entretemps : l’élan contestataire et libérateur qui le portait à la suite des années 1960 a laissé la place au conformisme et au formatage. Les étudiants en art sont aujourd’hui davantage éduqués à soigner la présentation de leurs dossiers qu’à développer leurs capacités personnelles, afin d’avoir une chance de prendre place sur le marché, dans un monde de l’art dirigé par quelques grosses fortunes qui souvent font non seulement la cote des artistes, mais les artistes eux-mêmes.[6]

    Dans cette logique, on ne peut pas attendre de l’art et des artistes qu’ils fassent de la politique, et surtout pas qu’ils entreprennent de transformer la société : de plus en plus, ils ne font que subir et entretenir, parfois malgré eux, le système établi. Les conditions actuelles font de l’art un produit de prestige et de distinction pour les nouveaux riches - lorsqu’il ne sert pas au placement financier ou au blanchiment d’argent - et des artistes les fournisseurs interchangeables d’une industrie indifférente au véritable amour de l’art et à ceux qui ne sont pas adaptés au marché.

    L’écart qui se creuse partout entre les riches et les pauvres tend à rigidifier les cloisonnements sociaux et même à rendre caduque l’illusion démocratique, tout en attisant les conflits dans un contexte de raréfaction des ressources et de catastrophes écologiques.

    Autrement dit : l’idéal émancipateur de l’art s’est forgé à une époque d’abondance matérielle (pour les Occidentaux) et d’utopie démocratique permettant à beaucoup d’échapper aux déterminismes sociaux : il est à craindre qu’il devra déchanter face aux pénuries et aux autoritarismes qui s’annoncent. Sans parler de la digitalisation et de l’utilisation des réseaux sociaux souvent salués comme des plateformes de libre expression ou comme un outil de communication alors qu’ils visent avant tout à un contrôle sans bornes des individus et une uniformisation des esprits.[7]

    Les frontières entre les classes (qu’on a feint de nier pendant toute cette période) se durcissent à nouveau et il ne serait pas étonnant que les sociétés cultivent bientôt des liens de dépendances et d’asservissements proches de ceux qui existaient dans les structures féodales ou dans l’Ancien Régime. Auquel cas, l’art servira le politique et le pouvoir ou sera simplement ignoré. À moins que les artistes ne se forgent de nouvelles armes artistiques et intellectuelles, indépendantes du système dans lequel ils sont embourbés.

    Ce sera difficile…

    Enrico Lunghi

    Mai 2021

    (publié dans le catalogue stoerende-wahrheiten.com, Lorentzweiler (LU)

    [1] blogs.worldbank.org/fr/opendata/actualisation-des-estimations-impact-pandemie-covid-19-sur-pauvrete

    [2] www.forbes.com/billionaires/, www.wort.lu/de/business/trotz-corona-war-2020-ein-rekordjahr-fuer-die-fondsindustrie-60759897de135b9236dcb0aa

    [3] www.lemonde.fr/planete/article/2021/05/23/covid-19-le-patron-de-moderna-preconise-une-troisieme-dose-de-vaccin-des-la-fin-de-l-ete-pour-les-personnes-a-risque_6081182_3244.html

    [4] Voir Emmanuel TODD, Où en sommes-nous ? – Une esquisse de l’histoire humaine, Editions Seuil, Paris 2017.

    [5] Dans les pays de l’Europe de l’Est cela ne s’est fait, progressivement, qu’après 1989, et dans le reste du monde encore plus tard.

    [6] En France, les milliardaires Arnaud et Pinault incarnent parfaitement la structure oligopolistique du monde de l’art et sa soumission au marché, à la finance et aux médias. Voir, entre autres, ces deux excellents ouvrages : Annie LE BRUN, Ce qui n’a pas de prix, Editions Stock, Paris 2018, et Wolfgang ULLRICH, Siegerkunst : Neuer Adel, teure Lust, Wagenbach Vlg, 2016

    [7] Voir Félix TREGUER, L’utopie déchue, Fayard, Paris 2019 et Edward SNOWDEN, Mémoires vives, Seuil, Paris, 2019

    #art #artiste

  • Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ?

    Par Linda Nochlin, Thames & Hudson, traduit de l’anglais par Margot Rietsch, 14,90 euros.

    C’est la « question bête » à laquelle l’historienne de l’art Linda Nochlin, décédée en 2017, était régulièrement confrontée. En 1971, elle y répond dans la revue « ArtNews », ainsi qu’à son insidieux sous-entendu : « Il n’y a pas de grandes femmes artistes car les femmes sont incapables de grandeur. » Dans cet article plein d’esprit, qui devait ouvrir la voie à une histoire de l’art féministe, elle dévoile comment « la faute […] n’incombe pas à nos lignes de vie, nos cycles menstruels ou notre vacuité intérieure », mais bien aux structures institutionnelles et sociales qui ont tenu les femmes à l’écart pendant des siècles. Par exemple, en leur refusant l’accès aux modèles nus. Elle relève aussi comment l’adoption du point de vue du mâle blanc occidental a biaisé la notion de génie artistique. En cinquante ans, le texte, dont l’artiste Judy Chicago a dit qu’il « a changé le monde », n’a rien perdu de son acuité. Il est accompagné d’un appendice appelé « Trente Ans plus tard », dans lequel Nochlin commente l’émergence d’un nouveau canon, avec Louise Bourgeois ou Cindy Sherman, et soutient que « l’histoire de l’art féministe est là pour semer la zizanie, pour remettre en question, pour voler dans les plumes du patriarcat ».

    A. S.

    #art #femmes #talent #artiste #géni #grand_homme #féminisme

  • « Je retrouve ma vie d’avant » : à Paris, la renaissance des #immigrés artisans d’#art - Boursorama
    https://www.boursorama.com/actualite-economique/actualites/je-retrouve-ma-vie-d-avant-a-paris-la-renaissance-des-immigres-artisans-

    Fichu noué sur la tête et marteau en main, Faten Al-Ali brise de petits morceaux de mosaïque, qui formeront bientôt une œuvre. Voilà cinq ans que la Syrienne est arrivée en France et, enfin, elle touche du doigt son rêve : renouer avec sa vie d’#artiste.

    « Je retrouve ma vie d’avant. Le travail, c’est pas juste l’argent, c’est quelque chose d’intime. Etre artiste, j’ai ça dans le sang, je ne peux rien faire d’autre », exulte en français l’ancienne Damascène de 48 ans, dans l’atelier parisien de la #Fabrique_nomade, une association qui tente de remettre le pied à l’étrier des immigrés artisans d’art.

    Poussée à l’exil par la guerre civile, cette mosaïste autodidacte qui travaillait depuis quinze ans le vitrail, la fusion de verre et la céramique avant de quitter la Syrie en 2011, a dû attendre quatre ans en Egypte de pouvoir rejoindre son mari à Paris.

    « J’ai beaucoup souffert pour reprendre mon travail, pour apprendre la langue française... Mais maintenant j’apprends de nouvelles choses, les goûts des Français. Il y a de nouveau l’espoir », dit-elle.

    L’association accueille une douzaine de migrants de tous horizons en quête, comme elle, d’une passerelle vers des emplois qu’ils maîtrisent mais qui leur sont fermés.

    « Ils rencontrent tous les mêmes freins : la langue, la méconnaissance du marché, l’absence de reconnaissance de l’expérience professionnelle dans le pays d’origine et, surtout, l’orientation vers les secteurs comme le ménage, le BTP, la restauration, l’hôtellerie », regrette Inès Mesmar, fondatrice de la Fabrique nomade.
    – « Gâchis » -

    L’ambition, explique-t-elle, est de « valoriser leurs compétences, leur permettre de s’insérer grâce à leur savoir-faire ».

    En cinq ans d’existence, l’association s’enorgueillit d’un taux d’insertion professionnelle de 76%, dont 56% dans les métiers d’art.

    Des chiffres d’autant plus encourageants que l’insertion a encore « beaucoup de progrès à faire », selon un rapport parlementaire sur le sujet présenté en septembre dernier, et que l’artisanat « fait face à des besoins importants, avec des métiers pour lesquels il n’y a plus de transmission en France », résume Inès Mesmar.

    Son engagement lui vient d’une histoire personnelle : en 2015, au pic de la crise migratoire, l’ethnologue de formation découvre que sa mère était autrefois brodeuse dans la médina de Tunis, avant d’abandonner son métier lorsqu’elle a émigré en France.

    « J’ai pris conscience du gâchis que ça représente, ces personnes obligées d’oublier qui elles sont pour gagner leur vie », raconte la fondatrice de l’initiative, soutenue notamment par le géant LVMH.

    Un nom qui fait rêver Hemantha Kuragamage, bijoutier srilankais de 50 ans, qui en paraît dix de moins.

    Lui a tout tenté pour revenir à ses premières amours, depuis qu’il a atterri en France en septembre 2016. En vain. « Toutes les entreprises me demandaient un diplôme français », souffle celui qui a tout appris avec son oncle à Colombo, où il a exercé près de vingt-cinq ans.

    Il a dû alors se rabattre sur un emploi alimentaire, trois ans comme pizzaïolo.
    – S’adapter au marché -

    « Joailler, j’aime ce métier, c’est celui que je connais », dit-il entre deux coups de chalumeau pour façonner une bague. Le reprendre « me permettrait d’avoir une vie meilleure, de gagner plus d’argent, et c’est une façon d’être plus intégré en étant vu comme un vrai professionnel ».

    Il est proche du but, à en croire Nicolas Tappou, joailler de la prestigieuse maison Chaumet, qui vient une demi-journée par semaine pendant six mois pour accompagner Hemantha et son compatriote Beragama Saman, un taiseux de 45 ans, dont trente à travailler les bijoux.

    « Ils connaissent déjà leur métier. Moi j’essaie de leur apporter de nouvelles façons de faire, des touches française et parisienne, sur la haute joaillerie », explique-t-il. Objectif : « adapter leurs techniques » au marché français.

    Le formateur en est convaincu, les entreprises ont intérêt à recruter ces profils, qui peuvent « apporter leurs propres techniques et cultures ».

    Pour Ahmed Ly, Sénégalais longiligne de 35 ans, l’équation est différente. L’industrie du textile manque de main d’œuvre et, avant même d’intégrer la promotion, le couturier a commencé à collaborer avec une styliste parisienne spécialisée dans le tissu wax, aux motifs africains.

    « Je veux surtout me faire un carnet d’adresses », anticipe-t-il. « Et si les gens sont épatés par ce que je fais, peut-être que j’arriverai à me faire une vraie place. »

  • #Campagnes de #dissuasion massive

    Pour contraindre à l’#immobilité les candidats à la migration, jugés indésirables, les gouvernements occidentaux ne se contentent pas depuis les années 1990 de militariser leurs frontières et de durcir leur législation. Aux stratégies répressives s’ajoutent des méthodes d’apparence plus consensuelle : les campagnes d’information multimédias avertissant des #dangers du voyage.

    « Et au lieu d’aller de l’avant, il pensa à rentrer. Par le biais d’un serment, il dit à son cousin décédé : “Si Dieu doit m’ôter la vie, que ce soit dans mon pays bien-aimé.” » Cette #chanson en espagnol raconte le périple d’un Mexicain qui, ayant vu son cousin mourir au cours du voyage vers les États-Unis, se résout à rebrousser chemin. Enregistrée en 2008 grâce à des fonds gouvernementaux américains, elle fut envoyée aux radios de plusieurs pays d’Amérique centrale par une agence de #publicité privée, laquelle se garda bien de révéler l’identité du commanditaire (1).

    Arme de découragement typiquement américaine ? Plusieurs États européens recourent eux aussi à ces méthodes de #communication_dissuasive, en particulier depuis la « crise » des réfugiés de l’été 2015. En #Hongrie comme au #Danemark, les pouvoirs publics ont financé des publicités dans des quotidiens libanais et jordaniens. « Les Hongrois sont hospitaliers, mais les sanctions les plus sévères sont prises à l’encontre de ceux qui tentent d’entrer illégalement en Hongrie », lisait-on ici. « Le Parlement danois vient d’adopter un règlement visant à réduire de 50 % les prestations sociales pour les réfugiés nouvellement arrivés », apprenait-on là (2). En 2017, plusieurs #artistes ouest-africains dansaient et chantaient dans un #clip intitulé #Bul_Sank_sa_Bakane_bi (« Ne risque pas ta vie »). « L’immigration est bonne si elle est légale », « Reste en Afrique pour la développer, il n’y a pas mieux qu’ici », « Jeunesse, ce que tu ignores, c’est qu’à l’étranger ce n’est pas aussi facile que tu le crois », clamait cette chanson financée par le gouvernement italien dans le cadre d’une opération de l’#Organisation_internationale_pour_les_migrations (#OIM) baptisée « #Migrants_conscients » (3).

    « Pourquoi risquer votre vie ? »

    Ces campagnes qui ciblent des personnes n’ayant pas encore tenté de rejoindre l’Occident, mais susceptibles de vouloir le faire, insistent sur l’inutilité de l’immigration irrégulière (ceux qui s’y essaient seront systématiquement renvoyés chez eux) et sur les rigueurs de l’« État-providence ». Elles mettent en avant les dangers du voyage, la dureté des #conditions_de_vie dans les pays de transit et de destination, les #risques de traite, de trafic, d’exploitation ou tout simplement de mort. Point commun de ces mises en scène : ne pas évoquer les politiques restrictives qui rendent l’expérience migratoire toujours plus périlleuse. Elles cherchent plutôt à agir sur les #choix_individuels.

    Déployées dans les pays de départ et de transit, elles prolongent l’#externalisation du contrôle migratoire (4) et complètent la surveillance policière des frontières par des stratégies de #persuasion. L’objectif de #contrôle_migratoire disparaît sous une terminologie doucereuse : ces campagnes sont dites d’« #information » ou de « #sensibilisation », un vocabulaire qui les associe à des actions humanitaires, destinées à protéger les aspirants au départ. Voire à protéger les populations restées au pays des mensonges de leurs proches : une vidéo financée par la #Suisse (5) à destination du Cameroun enjoint ainsi de se méfier des récits des émigrés, supposés enjoliver l’expérience migratoire (« Ne croyez pas tout ce que vous entendez »).

    Initialement appuyées sur des médias traditionnels, ces actions se développent désormais via #Facebook, #Twitter ou #YouTube. En #Australie, le gouvernement a réalisé en 2014 une série de petits films traduits dans une quinzaine de langues parlées en Asie du Sud-Est, en Afghanistan et en Indonésie : « Pas question. Vous ne ferez pas de l’Australie votre chez-vous. » Des responsables militaires en treillis exposent d’un ton martial la politique de leur pays : « Si vous voyagez par bateau sans visa, vous ne pourrez jamais faire de l’Australie votre pays. Il n’y a pas d’exception. Ne croyez pas les mensonges des passeurs » (6).

    Les concepteurs ont sollicité YouTube afin que la plate-forme diffuse les #vidéos sous la forme de publicités précédant les contenus recherchés par des internautes susceptibles d’émigrer. Le recours aux #algorithmes permet en effet de cibler les utilisateurs dont le profil indique qu’ils parlent certaines langues, comme le farsi ou le vietnamien. De même, en privilégiant des vidéos populaires chez les #jeunes, YouTube facilite le #ciblage_démographique recherché. Par la suite, ces clips ont envahi les fils d’actualités Facebook de citoyens australiens issus de l’immigration, sélectionnés par l’#algorithme car ils parlent l’une des langues visées par la campagne. En s’adressant à ces personnes nées en Australie, les autorités espéraient qu’elles inviteraient elles-mêmes les ressortissants de leur pays d’origine à rester chez eux (7).

    C’est également vers Facebook que se tourne le gouvernement de la #Norvège en 2015. Accusé de passivité face à l’arrivée de réfugiés à la frontière russe, il finance la réalisation de deux vidéos, « Pourquoi risquer votre vie ? » et « Vous risquez d’être renvoyés » (8). Les utilisateurs du réseau social avaient initialement la possibilité de réagir, par le biais des traditionnels « j’aime » ou en postant des commentaires, ce qui aurait dû permettre une circulation horizontale, voire virale, de ces vidéos. Mais l’option fut suspendue après que la page eut été inondée de commentaires haineux issus de l’extrême droite, suscitant l’embarras de l’État.

    Ici encore, Facebook offre — ou plutôt, commercialise — la possibilité de cibler des jeunes hommes originaires d’Afghanistan, d’Éthiopie et d’Érythrée, dont le gouvernement norvégien considère qu’ils ne relèvent pas du droit d’asile. L’algorithme sélectionne en particulier les personnes situées hors de leur pays d’origine qui ont fait des recherches sur Internet dénotant leur intérêt pour l’Europe et la migration. Il s’agit de toucher des migrants en transit, qui hésitent quant à leur destination, et de les dissuader de choisir la Norvège. Les Syriens ne font pas partie des nationalités visées, afin de ne pas violer le droit d’asile. De même, le message mentionne explicitement que seuls les adultes seront refoulés, afin de ne pas contester le droit des enfants à être pris en charge.

    À plusieurs reprises, depuis 2015, les autorités belges ont elles aussi utilisé Facebook pour ce type d’initiatives (9). En 2018, des photographies de centres de détention et d’un jeune migrant menotté, assorties du slogan « Non à l’immigration illégale. Ne venez pas en #Belgique » (10), furent relayées à partir d’une page Facebook créée pour l’occasion par l’Office des étrangers. Cette page n’existait toutefois qu’en anglais, ce qui a fait croire à un faux (y compris parmi les forces de l’ordre), poussant le gouvernement belge à la supprimer au profit d’un site plus classique, humblement intitulé « Faits sur la Belgique » (11).

    Si de telles initiatives prolifèrent, c’est que les États européens sont engagés dans une course à la dissuasion qui les oppose les uns aux autres. Le 30 mai 2018, en France, M. Gérard Collomb, alors ministre de l’intérieur, affirmait lors d’une audition au Sénat que les migrants faisaient du « #benchmarking » pour identifier les pays les plus accueillants. Cette opinion semble partagée par ses pairs, et les États se montrent non seulement fermes, mais soucieux de le faire savoir.

    Le recours aux plates-formes de la Silicon Valley s’impose d’autant plus aisément que les autorités connaissent l’importance de ces outils dans le parcours des migrants. Une très large majorité d’entre eux sont en effet connectés. Ils dépendent de leur #téléphone_portable pour communiquer avec leur famille, se repérer grâce au #GPS, se faire comprendre par-delà les barrières linguistiques, conserver des photographies et des témoignages des atrocités qui justifient leur demande d’asile, appeler au secours en cas de naufrage ou de danger, ou encore retrouver des connaissances et des compatriotes dispersés.

    Un doute taraudait les autorités des États occidentaux : en connectant les individus et en leur facilitant l’accès à diverses sources d’information, les #technologies_numériques ne conféraient-elles pas une plus grande #autonomie aux migrants ? Ne facilitaient-elles pas en définitive l’immigration irrégulière (12) ? Dès lors, elles s’emploieraient à faire de ces mêmes outils la solution au problème : ils renseignent sur la #localisation et les caractéristiques des migrants, fournissant un canal privilégié de communication vers des publics ciblés.

    Systématiquement financées par les États occidentaux et impliquant de plus en plus souvent les géants du numérique, ces campagnes mobilisent aussi d’autres acteurs. Adopté sous les auspices de l’Organisation des Nations unies en 2018, le pacte mondial pour des migrations sûres, ordonnées et régulières (ou pacte de Marrakech) recommande ainsi de « mener des campagnes d’information multilingues et factuelles », d’organiser des « réunions de sensibilisation dans les pays d’origine », et ce notamment pour « mettre en lumière les risques qu’il y a à entreprendre une migration irrégulière pleine de dangers ». Le Haut-Commissariat pour les réfugiés (HCR) et l’OIM jouent donc le rôle d’intermédiaires privilégiés pour faciliter le financement de ces campagnes des États occidentaux en dehors de leur territoire.

    Efficacité douteuse

    Interviennent également des entreprises privées spécialisées dans le #marketing et la #communication. Installée à Hongkong, #Seefar développe des activités de « #communication_stratégique » à destination des migrants potentiels en Afghanistan ou en Afrique de l’Ouest. La société australienne #Put_It_Out_There_Pictures réalise pour sa part des vidéos de #propagande pour le compte de gouvernements occidentaux, comme le #téléfilm #Journey, qui met en scène des demandeurs d’asile tentant d’entrer clandestinement en Australie.

    Enfin, des associations humanitaires et d’aide au développement contribuent elles aussi à ces initiatives. Créée en 2015, d’abord pour secourir des migrants naufragés en Méditerranée, l’organisation non gouvernementale (ONG) #Proactiva_Open_Arms s’est lancée dans des projets de ce type en 2019 au Sénégal (13). Au sein des pays de départ, des pans entiers de la société se rallient à ces opérations : migrants de retour, journalistes, artistes, dirigeants associatifs et religieux… En Guinée, des artistes autrefois engagés pour l’ouverture des frontières militent à présent pour l’#immobilisation de leurs jeunes compatriotes (14).

    Le #discours_humanitaire consensuel qui argue de la nécessité de protéger les migrants en les informant facilite la coopération entre États, organisations internationales, secteurs privé et associatif. La plupart de ces acteurs sont pourtant étrangers au domaine du strict contrôle des frontières. Leur implication témoigne de l’extension du domaine de la lutte contre l’immigration irrégulière.

    Avec quelle #efficacité ? Il existe très peu d’évaluations de l’impact de ces campagnes. En 2019, une étude norvégienne (15) a analysé leurs effets sur des migrants en transit à Khartoum, avec des résultats peu concluants. Ils étaient peu nombreux à avoir eu connaissance des messages gouvernementaux et ils s’estimaient de toute manière suffisamment informés, y compris à propos des aspects les plus sombres de l’expérience migratoire. Compte tenu de la couverture médiatique des drames de l’immigration irrégulière, il paraît en effet vraisemblable que les migrants potentiels connaissent les risques… mais qu’ils migrent quand même.

    https://www.monde-diplomatique.fr/2021/03/PECOUD/62833
    #migrations #réfugiés #privatisation #Italie #humanitaire #soft_power

    –-

    Ajouté à la métaliste sur les #campagnes de #dissuasion à l’#émigration :
    https://seenthis.net/messages/763551

    ping @isskein @karine4 @_kg_ @rhoumour @etraces

  • La Commune et la révolte des artistes
    https://lvsl.fr/la-commune-et-la-revolte-des-artistes


    Tandis que les Prussiens assiègent Paris, Gustave Courbet exhorte les artistes à soutenir collectivement l’insurrection. Avec un gouvernement en fuite et des ennemis aux portes de la capitale, la situation critique fournit l’occasion de recouvrer un honneur que la France a perdu à Sedan. Par esprit d’utopie ou par désir de révolte, les artistes communards sortent alors de leurs ateliers pour dépeindre une vie libre et digne, dont les hommes seraient les acteurs et Paris, la scène.

    (pas encore lu)
    #commune #art #artistes #histoire

  • #Femmes #Artistes

    Naomi Rosenblum, Historian of Photography, Dies at 96 - The New York Times
    https://www.nytimes.com/2021/03/05/arts/naomi-rosenblum-dead.html

    Histories of photography traditionally focused on England, France and the United States. But Dr. Rosenblum’s major contribution, “A World History of Photography” (1984), provided a true global perspective. The book was translated into several languages and remains a standard text in the field.

    Her other major work, “A History of Women Photographers” (1994), traced their accomplishments from the mid-1800s through the late 20th century. As she wrote, women’s participation in photography accelerated after George Eastman introduced the easier-to-use Kodak camera in 1888.

  • Le musée d’Orsay s’associe à AWARE pour promouvoir 40 #artistes #femmes des XIXe et XXe siècles | Connaissance des Arts
    https://www.connaissancedesarts.com/musees/musee-orsay/le-musee-dorsay-sassocie-a-aware-pour-promouvoir-40-artistes-fe

    Depuis 2014, AWARE travaille à rendre visibles en France et à l’internationale les artistes femmes du XXe siècles et leurs œuvres, bien trop souvent méconnus, en produisant sur son site des contenus scientifiques en français et en anglais, accessibles gratuitement. Aujourd’hui, plus de 720 portraits sont disponibles. Grâce à ce nouveau partenariat avec le musée d’Orsay, 40 textes biographiques d’artistes peintres, dessinatrices et sculptrices s’ajouteront cette année à la base d’AWARE. Ainsi les notices d’artistes telles que Sarah Bernhardt, Félicie de Fauveau, Rosa Bonheur, Mary Cassatt ou encore Berthe Morisot seront progressivement ajoutées entre mars et décembre 2021.

  • Du 7 janvier au 6 février 2021 au Carré de Baudoin : L’expo “D’un confinement à l’autre” présentée par l’atelier des artistes en exil, des artistes originaires d’#Iran, de #Palestine, de #Syrie, d’#Ukraine, du #Venezuela, de #Guinée, de la #République_démocratique_du_Congo, du #Soudan et du #Pakistan, nous livrent leur vision de ce moment inédit à travers des dessins, des peintures, des installations, des décors et des films)
    https://www.pavilloncarredebaudouin.fr/evenement/d-un-confinement-a-l-autre

    Visite virtuelle sous forme d’un film de 25 minutes :
    https://vimeo.com/479120278

    #exposition #artistes #confinement #coronavirus

  • L’#artiste #Paolo_Cirio affiche des visages de policiers dans Paris pour dénoncer la reconnaissance faciale
    https://information.tv5monde.com/info/l-artiste-paolo-cirio-affiche-des-visages-de-policiers-dans-pa

    La #pétition pour « bannir la #reconnaissance_faciale en Europe » a recueilli près de 14 000 signatures. Le #hacker militant et artiste Paolo Cirio y participe grâce à une performance bien particulière, en placardant à travers la capitale française des centaines d’affiches de visages de policiers récupérés sur Internet. Entretien.
    Paolo Cirio est très connu dans le milieu des défenseurs de la vie privée sur Internet. Il l’est moins du grand public, ce qui pourrait changer après sa performance artistique urbaine nommée "Capture "et lancée ce premier octobre 2020.

    https://www.laquadrature.net/2020/09/22/nous-soutenons-la-petition-pour-bannir-la-reconnaissance-faciale-en-eu

    pétition :
    https://ban-facial-recognition.wesign.it/droitshumains/bannissons-la-reconnaissance-faciale-en-europe#sign

  • Pourquoi la réédition de “New York” tue Lou Reed une seconde fois – Gonzaï
    http://gonzai.com/pourquoi-la-reedition-du-new-york-tue-lou-reed-une-seconde-fois

    L’avantage avec les #artistes_morts, c’est qu’ils n’ont plus leur mot à dire sur les projets de réédition ressemblant à des excavations sans gêne. Après Prince et Bowie, pour qui on devrait bientôt apprendre qu’un coffret collector de 45 vinyles bruités à la bouche par le Thin White Duke himself est « sur le feu », c’est au tour de #Lou_Reed de faire les frais d’un relifting post-mortem avec la publication imminente de « New York » en version deluxe. Outre le fait que l’emmerdeur new-yorkais était déjà cliniquement mort avant son décès, l’écoute de l’objet donne envie d’enterrer à ses côtés les responsables de cette merdique machine music.

    On souhaite bonne chance aux fossoyeurs ; la pelle n’est pas incluse dans ce coffret à 80 €.

    #Gonzaï #industrie_du_disque

  • Accord avec Israël : des artistes arabes boycottent les Émirats
    https://www.lecourrierdelatlas.com/accord-avec-israel-des-artistes-arabes-boycottent-les-emirats

    (...) « Considérant que si l’art n’est pas étroitement lié à des questions humanitaires et de justice, il n’a pas de valeur, j’annule ma participation à votre exposition », a écrit Mohamed Badarne à la fondation d’art de Charjah, l’un des sept émirats de la Fédération. Basé à Berlin, le photographe palestinien a rapidement pris sa décision. En tant que « peuple sous occupation, nous devons prendre position contre tout ce qui a trait à la réconciliation avec l’occupant » israélien, a-t-il ajouté à l’AFP.

    Sur les réseaux sociaux, des personnalités du monde culturel de plusieurs pays arabes comme l’Algérie, l’Irak, Oman, la Tunisie, mais aussi les Émirats, ont dénoncé la position d’Abou Dhabi. Un « jour triste et catastrophique », a estimé sur Facebook Dhabiya Khamis. L’écrivaine émiratie a ajouté « Non à la normalisation entre Israël et les Emirats, et les pays du Golfe arabe ! Israël est l’ennemi de la nation arabe tout entière », lorsque l’accord a été annoncé.
    (...)
    La romancière marocaine Zohra Ramij, qui y est en lice avec son roman « La salle d’attente », a annoncé son retrait « en solidarité avec le peuple palestinien ». Le poète marocain Mohammed Bennis s’est lui retiré du comité d’organisation du prix.

    « Ce serait pécher que d’obtenir un prix » émirati, considère l’auteur palestinien Ahmed Abou Salim. Il s’est de son côté retiré de la compétition pour le Prix international de la fiction arabe (IPAF). Soutenu par la fondation du Booker Prize à Londres, ce prix est financé par les autorités d’Abou Dhabi. Dans une lettre, d’anciens lauréats et membres du jury ont demandé aux responsables de l’IPAF de ne plus accepter les financements émiratis.
    (...)
    Le poète palestinien Ali Mawassi souligne que même quand les États décident de normaliser leurs relations, les populations ne se sentent pas forcément tenues d’en faire de même. La plupart des artistes égyptiens et jordaniens « refusent toujours de s’associer avec quoi que ce soit de lié à Israël ». Mais selon le poète, « il y a de nombreux artistes qui resteront silencieux (…) pour profiter de l’argent émirati ».

    #BDS