Louis Malle, lui-même ailleurs
▻https://laviedesidees.fr/Philippe-Met-Louis-Malle-dans-tous-ses-etats.html
À propos de : Philippe Met (dir.), Louis Malle dans tous ses états, Les Impressions nouvelles. Électron libre de la Nouvelle Vague, longtemps négligé par la critique, Louis Malle est mis à l’honneur dans un ouvrage collectif ambitieux qui varie les focales pour replacer l’œuvre du cinéaste au sein de contextes multiples et en souligner la profonde cohérence.
Gun Wound ( Wundkanal. Hinrichtung für vier Stimmen ) ( Wundkanal ) [ NON-USA FORMAT, PAL, Reg.0 Import - Germany ] by Thomas Harlan
▻https://www.amazon.de/Wundkanal-Hinrichtung-Stimmen-Wundkanal-NON-USA/dp/B01EGQQL3I
L’exercice de la violence devient inévitable quand tu quittes le monde de la production artistique pure afin de faire parler les monstres. On est tenté d’affirmer le contraire en regardant « The Act of Killing » de Joshua Oppenheimer, Christine Cynn et de leur collègue indonésien anonyme. L’équipe a choisi de limiter l’impact du tournage sur la vie des tortionnaires en leur donnant champ libre pour s’exprimer à propos du côté fatigant du travail meutrier qu’ils ont excercé dans leur jeunesse. Ils n’ont subi aucun acte violent de la part des réalisateurs et de la réalisatrice. Tout le monde est reste dans un rôle de spectateur hors champ comme le public de cinémà.
Du coup le filme reste à la surface. Il n’y a pas de confrontation. L’équipe ne creuse pas dans les profondeurs humaines des protagonistes. Elle agit comme des archéologues qui se contentent de la présentation d’images satellites en expliquant qu’ici et là il est probable de trouver des artefacts sous terre. Les monstres ont gagné la guerre et présentent leur version tordue des événemments.
Thomas Harlan s’est pris autrement au tournage de sa fiction Wundkanal. Hinrichtung für vier Stimmen (trajet de la balle. exécution pour quatre voix).
Vers 1982 nous entendions d’abord des rumeurs qu’un réalisateur allemand aurait séquestré un viel homme dans un sombre hangar parisien et serait en train de le torturer pendant son tournage. Il s’agissait d’Alfred Filbert, ancien commandant de l’Einsatzkommando 9, un criminel de guerre condamné pour le meurtre d’au moins 6800 hommes, femmes et enfants. Filbert s’est laissé leurrer par Harlan avec la promesse d’un cachet raisonnable. Une fois sur place on le soumit aux même procédé technique comme les autres acteurs. En leur insérant dans les oreilles de petits récepteurs audio sans fil le réalisateur maîtrisait chaque détail du jeux des acteurs et exercait une pression psychologique énorme.
Wundkanal. Hinrichtung für vier Stimmen | filmportal.de
►https://www.filmportal.de/film/wundkanal-hinrichtung-fuer-vier-stimmen_f9636912224f4b46afa8058c0af0430b
Le film est inspiré par le kidnapping et par l’interrogatoire de l’ancien officier SS Hanns Martin Schleyer devenu président du BDA, patron des patrons allemands (Bundesvereinigung der Deutschen Arbeitgeberverbände e. V.), par le « Kommando Siegfried Hausner » issu de la Fraction de l’Armée Rouge RAF. Thomans Harlan fait jouer au meurtrier Alfred Filbert le personnage fictif qui aurait participé à la construction du camp d’Auschwitz ainsi qu’en 1975 trente ans après la défaite du nazisme allemand à la conception de la prison spéciale pour les membre de la RAF à Stuttgart Stammheim. La mise en scène reproduit la situation de l’interrogatoire du prisonnier. L’antifasciste Harlan et son équipe ont alors dépasseé les limites de ce qu’on considère comme traitement respectueux d’un acteur.
Thomas Harlan était le fils du réalisateur nazi Veit Harlan connu pour le film antisemite Jud Süß et l’oeuvre de propagenade en couleur Kolberg . Il a consacré sa vie à la poursuite des criminels de guerre nazis. Son film Wundkanal pose la quation de la continuité du fascisme dans l’Allemage de l’Ouest après la guerre où les pires bouchers profitaient de généreuses pensions d’état après avoir toucéh d’importants dédommagement pour ceux dont les domains agricoles avaient été expropriés par les communistes et les polonais.
Robert Kramer a suivi avec sa caméra documentaire le tournage de Wundkanal et Thomas Harlan a imposé à chaque projection de son film la projection du documentaire Unser Nazi (notre nazi) afin de pousser le public à saisir les connexions entre fiction et réalité. En regardant les films de Kramer et Harlan on s’expose aux violences au sein de l’équipe cinématographique, aux actes criminels commis par le protagoniste dans la vraie vie et à l’acharnement meurtrier de la République Fédérale d’Allemagne contre sa jenuesse révoltée.
C’est un double feature au pouvoir cathartique.
Aucun viellard n’a été blessé pendant le tournage.
Ecrit en réponse au texte de @mona ▻https://seenthis.net/messages/981368
Le commentaire étant devenu trop long j’en ai fait ce billet apart.
►https://en.wikipedia.org/wiki/The_Act_of_Killing
▻https://en.wikipedia.org/wiki/The_Look_of_Silence
Unser Nazi | filmportal.de
▻https://www.filmportal.de/film/unser-nazi_d7e71038ebe44b73abd812f2726a6bc7
Wundkanal. Hinrichtung für vier Stimmen | filmportal.de
►https://www.filmportal.de/film/wundkanal-hinrichtung-fuer-vier-stimmen_f9636912224f4b46afa8058c0af0430b
Regie Thomas Harlan
Drehbuch Yvette Biró
Kamera Henri Alekan
Ausstattung Max Berto (Szenenbild)
Schnitt Patricia Mazuy
Darsteller
Alfred Filbert
Gerhard Riedmann
Hans Bruckberger
Produktionsfirma
Quasar Film GmbH (Berlin/West)
Reass Films S.a.r.l. (Paris)
Quasar Inc. (Beverly Hills)
Cannon International (Los Angeles)
Produzent
Wieland Schulz-Keil
Renée Gundelach (consulting producer)
Länge: 107 min
Format: 35mm (?), 1:1,66
Bild/Ton: Eastmancolor, Ton
Aufführung:
Uraufführung (IT): 29.08.1984, Venedig, IFF
►https://en.wikipedia.org/wiki/The_Act_of_Killing
►https://fr.wikipedia.org/wiki/Hanns_Martin_Schleyer
▻https://en.wikipedia.org/wiki/Thomas_Harlan
▻https://fr.wikipedia.org/wiki/Alfred_Filbert
Einsatzgruppe B, Einsatzkommando 9
▻https://en.wikipedia.org/wiki/Einsatzkommando
The operational command of Einsatzgruppe B, attached to the Army Group Center, was established under the command of Arthur Nebe a few days after the German attack on the Soviet Union in Operation Barbarossa.
...
Einsatzkommando 9
The Einsatzkommando was active in Vilna (see the Vilna Ghetto), Grodno (the Grodno Ghetto), Lida, Bielsk-Podlaski, Nevel, Lepel, Surazh, Vyazma, Gzhatsk, Mozhaisk, Vitebsk (the Vitebsk Ghetto), Smolensk, and Varena. It executed 41,340 people.
SS-Obersturmbannführer Alfred Filbert [de] (June–20 October 1941)
SS-Obersturmbannführer Oswald Schäfer [de] (October 1941 – February 1942)
SS-Obersturmbannführer Wilhelm Wiebens (February 1942 – January 1943)
SS-Obersturmbannführer Dr. Friedrich Buchardt (January 1943 – October 1944)
SS-Sturmbannführer Werner Kämpf (October 1943 – March 1944)
Jud Süß
▻https://de.wikipedia.org/wiki/Jud_S%C3%BC%C3%9F_(1940)
▻https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Juif_S%C3%BCss_(film,_1940)
Alex J. Kay - The Making of an SS Killer - The Life of Colonel Alfred Filbert, 1905-1990, Cambridge University Press, 2016
In this pioneering biography of a frontline Holocaust perpetrator, Alex Kay uncovers the life of SS Lieutenant Colonel Alfred Filbert, responsible as the first head of SS-Einsatzkommando 9, a mobile killing squad, for the murder of more than 18,000 Soviet Jews – men, women and children – on the Eastern Front. He reveals how Filbert, following the political imprisonment of his older brother, set out to prove his own ideological allegiance by displaying particular radicalism in implementing the orders issued by Hitler, Himmler and Heydrich. He also examines Filbert’s post-war experiences, first in hiding and then being captured, tried and sentenced to life imprisonment. Released early, Filbert went on to feature in a controversial film in the lead role of an SS mass murderer. The book provides compelling new insights into the mindset and motivations of the men, like Filbert, who rose through the ranks of the Nazi regime.
...
Alfred Filbert remains
little known, even among subject specialists. Although he never joined the senior ranks of the SS, he nonetheless ended the war with the same SS rank as the far better known Adolf Eichmann.
Zum Beispiel Wundkanal :
▻https://seenthis.net/tag/wundkanal
Voilà l’essentiel qui décrit le caractère absolument exceptionnel de ce film :
Thomas Harlan hat wichtige Hinweise und Methoden für den Umgang mit dem Widerspruch von Beteiligung/Beobschtung gegeben. Was tun wir als Betroffene, die zugleich Widerstandskämpfer und Dokumentaristen unserer Gegner sind?
A propos du rôle de l’argent donc du pouvoir pour la production de ce film : Harlan a tourné pendant plusieurs mois avec toute une équipe de cinéma dans plusieurs pays. Il a loué des studios, gagné Henri Alekan comme cameraman et payé un cachet de 150.000 FF à Filbert.
Ce film est donc le résultat du pouvoir de persuasion de Harlan qui a su convaincre les meilleurs producteurs européens à financer un film dont on savait d’avance qu’il n’aurait jamais une chance de gagner de l’argent par la vente de billets de cinéma. Il les a tous fait participer à une aventure de résistance imaginée et exemplaire.
Extrait de Où gît votre sourire enfoui ?, de Pedro Costa
▻https://youtube.com/watch?v=VvFsTjOnrhc
Le cinéaste Jean-Marie Straub est mort
suivi de "Où gît votre sourire enfoui ?" : joyeux et minutieux, l’art de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet
Un épisode de « Cinéastes de notre temps » signé par Pedro Costa.
▻https://justpaste.it/839g4
« L’Inconsolable » : autoportrait du cinéaste Jean-Marie Straub en Orphée
▻https://www.lemonde.fr/cinema/article/2012/02/07/l-inconsolable-autoportrait-du-cineaste-jean-marie-straub-en-orphee_1639977_`
D’après Barrès, Pavese et Kafka, quatre courts métrages empreints de tristesse et d’intelligence.
Gilles Deleuze on Straub-Huillet, #cinéma 1987
de nouveau, une référence piquée à @Pr_Logos@piaille.fr
Le cercle de minuit | France 2 | 18/02/1997, extrait
▻https://www.youtube.com/watch?v=MNUPpnS0UoM
Interviewé par Laure Adler, Philippe Quéau, philosophe de l’image, tente d’expliquer ce que le virtuel a de bénéfique. Rapidement, le cinéaste Jean-Marie Straub l’agresse verbalement, l’accusant de détruire les générations futures par sa vision progressiste. Quéau, hors de lui, finit par s’emporter à son tour contre la virulence et la haine de Straub à son égard.
Danièle Huillet
▻https://www.lemonde.fr/disparitions/article/2006/10/12/daniele-huillet_822770_3382.html
Avec son compagnon, Jean-Marie Straub, elle a incarné le cinéma moderne.
Jean-Marie Straub, refusant de partir en Algérie, sera considéré comme insoumis. Le couple s’installe à Munich au début des années 1960 et réalise le court métrage Machorka Muff en 1962 et Non réconciliés, d’après Heinrich Böll, en 1965. En 1967, Chronique d’Anna Magdalena Bach inaugure une nouvelle manière de montrer la musique. Tourné avec Gustav Leonhardt, celle-ci y est jouée en direct, sans l’artifice du play-back. Ils s’installent ensuite à Rome en 1969 et filment une adaptation de Corneille, Othon. La pièce est jouée sur les restes de la terrasse de Septime Sévère, avec en fond la rumeur entêtante de la circulation automobile de la Rome contemporaine. Le film, rejeté ou adoré, fera figure de manifeste inavoué.
L’ambition des Straub sera désormais toujours de soumettre une oeuvre préexistante à l’enregistrement pur d’une réalité visible et audible. Brecht (Leçons d’histoire en 1972), Schoenberg (Moïse et Aaron en 1974, Du jour au lendemain en 1997), Mallarmé (Toute révolution est un coup de dés en 1978), Pavese (De la nuée à la résistance en 1978), Kafka (Amerika, rapports de classes en 1984), Cézanne (Cézanne en 1989, Une visite au Louvre en 2004).
Le rapport à une oeuvre préexistante que construisent les films de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet n’est pas celui de la recherche d’une équivalence cinématographique, mais plutôt celui d’une confrontation des moyens d’expression susceptible de toucher à une perception primaire, sensuelle, d’un spectateur qui irait à la rencontre d’une oeuvre telle que lui offrent les moyens propres du cinéma. Les Straub font partie de la famille des vrais sensualistes.
#non_réconciliés_seule_la_violence_aide_là_où_la_violence_règne.
Vlog n°742 - Avatar
0:00 Intro : oublié, ou laissé tranquille ?
3:05 Résumé
6:05 Pandora : la base du succès
9:50 Effets Spéciaux révolutionnaires ?
15:32 3D relief : atout ou gadget ?
27:01 Pocahontas danse avec les Schtroumpf
36:26 En vrac
43:58 Conclusion
Usbek & Rica - « Les films Pixar suivent toujours les mêmes archétypes dramaturgiques »
▻https://usbeketrica.com/fr/article/les-films-pixar-suivent-toujours-les-memes-archetypes-dramaturgiques
"Une grenouille géante volubile, un attaché commercial sans ambition, un comptable schizophrène… Voilà quelques-uns des personnages qui peuplent le film d’animation Saules aveugles, femme endormie, signé Pierre Földes et déjà auréolé de la Mention du Jury au Festival d’Annecy 2022 ainsi que du Prix Spécial de la Fondation Gan 2021. Dans cette œuvre à la fois poétique, innovante et à contre-courant des codes de la narration traditionnelle (quoique directement inspirée de six nouvelles de l’écrivain Haruki Murakami), des personnages ordinaires cherchent ainsi à redonner un sens à leurs vies, quelques heures après l’irruption des tristement célèbres tremblement de terre et tsunami qui ont touché le Japon en 2011"
On entend tout le temps dire que les films d’animation doivent suivre une structure unique, mais c’est faux. Les films Pixar sont très représentatifs de cela, par exemple : ils suivent toujours les mêmes méthodes pour faire pleurer et rire les spectateurs à tel ou tel moment, en suivant telle ou telle structure. Et c’est efficace, y compris sur moi ! Mais je voulais essayer autre chose avec ce film. Quelque chose d’audacieux, quelque chose de nouveau. C’est pourquoi la narration du film est très particulière. Il faut accepter de s’immerger dedans et de se laisser aller, sans s’attendre à être confronté à une construction classique. Au départ, je pensais raconter les nouvelles les unes après les autres de façon chronologique mais, très rapidement, je me suis rendu compte que des liens pouvaient exister entre elles. J’ai donc tenté de les enchevêtrer tout en en les chapitrant, un peu à la manière d’un recueil de nouvelles. Si on prend la peine de la chercher, on se rend compte qu’il y a bien une histoire globale, cohérente, qui relie toutes ces histoires. Mais je ne voulais pas qu’elle soit trop évidente.
Acéphale
▻https://fr.m.wikipedia.org/wiki/Ac%C3%A9phale_(revue)
Ce que nous entreprenons est une guerre. Il est temps d’abandonner le monde des civilisés et sa lumière. Il est trop tard pour tenir à être raisonnable et instruit — ce qui a mené à une vie sans attrait. Secrètement ou non, il est nécessaire de devenir tout autres ou de cesser d’être.
Le no 2, daté du 21 janvier 1937, porte le titre Nietzsche et les fascistes (en couverture), ou Réparation à Nietzsche (sur la page du sommaire), et dénonce les falsifications de l’œuvre de Nietzsche par les nazis et les fascistes.
Hans Mayer :
« Bataille seul, à mon avis, avait compris à cette époque-là [que le fascisme] ce n’était pas seulement un retour à la barbarie. Il y avait aussi tout autre chose. D’un côté, l’exécution à la hache, de l’autre, le perfectionnement de la chambre à gaz, à l’aide de la technologie moderne allemande. Je crois que, avant même les nouvelles venant de Pologne et d’Auschwitz, Bataille avait compris que cela formait un ensemble. [...] C’est pourquoi Bataille a cherché le dialogue avec Benjamin, peut-être aussi avec moi. » De ce point de vue, avec Acéphale, Bataille tente de créer une sorte de religion aussi antichrétienne, anticommuniste que antifasciste, « un surnietzschéisme défascisé », selon l’expression de Michel Surya.
La modernité nazie
Trudelturm
▻https://de.wikipedia.org/wiki/Trudelturm
Der rund 20 Meter hohe Trudelturm im Berliner Ortsteil Adlershof ist ein technisches Baudenkmal aus der Luftfahrtforschung, das in den Jahren 1934–1936 errichtet wurde.
Großer Windkanal
▻https://de.wikipedia.org/wiki/Gro%C3%9Fer_Windkanal
Der Große Windkanal des Aerodynamischen Parks in Berlin-Adlershof wurde von 1932 bis 1934 gebaut.
Reichsflugscheibe
▻https://de.wikipedia.org/wiki/Reichsflugscheibe ;-)
Eine Reichsflugscheibe ist ein fiktives untertassenförmiges Flug- und Raumfahrzeug, das in Mythen, Science-Fiction und Verschwörungstheorien auftaucht und diesen zufolge im nationalsozialistischen Deutschen Reich gebaut und getestet worden sein soll. Historisch und technisch sind keine Belege bekannt.
Rammstein - Zeit
▻https://www.rammsteinworld.com/en/discography/albums/zeit
Pour mes lubies de #cinéma_barré, dans la fiche Wikipédia de la revue, ils indiquent qu’un certain « Jean Rollin » aurait contribué au numéro 2. Mais dont on ne dit rien.
Or il y a un autre Jean Rollin – fils d’un certain Claude Rollin Roth Le Gentil – que j’affectionne beaucoup, qui était le réalisateur de films fantastiques français qui a connu sa grande période dans les années 70.
Et en fait ça n’est pas du tout fortuit, puisque le Jean Rollin cinéaste était directement lié à Bataille dans son enfance :
▻https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean_Rollin
Un an après sa naissance, sa mère se lie avec Georges Bataille, suscitant le désespoir de son père qu’elle quitte bientôt, emportant l’enfant. Denise et le petit Jean vivront avec Bataille jusqu’en 1943, puis celui-ci rencontrera Diane Kotchoubey De Beauharnais. Les deux femmes feront brièvement avec Bataille un ménage à trois, avant que Bataille ne se consacre entièrement à Diane. Denise se reportera après sur les amis de Bataille Maurice Blanchot et Michel Fardoulis-Lagrange.
Je ne me souviens pas bien, mais il n’est pas impossible que Rollin ait par la suite évoqué Bataille dans des textes (dans un Midi-Minuit fantastique peut-être ?). Je ne sais plus du tout.
Cours Du Soir (28mn)
Jacques Tati, Nicolas Ribowski
▻https://archive.org/details/cours-du-soir
Cours du Soir (Evening Classes) is 1967 and a thirty-minute short film in which Jacques Tati demonstrates the art of mime to a group of enthusiastic students. Amongst skits performed are those of a tennis player and a horse rider – sketches that initially brought Tati acclaim on music hall stages in the 1930s.
L’école des facteurs (16mn)
Jacques Tati
▻https://archive.org/details/lecole-des-facteurs
L’école des facteurs (School for Postmen) is a 1947 short film directed and starring Jacques Tati, playing a French postman adamant to prove he can be just as fast as American postmen at delivering mail.
Jacques Tati | INA
▻https://www.ina.fr/ina-eclaire-actu/video/cpf86642783/jacques-tati
Interview de Jacques TATI (dans un jardin, assis) à propos de « Mon Oncle » : ses personnages, HULOT, les ARPEL, famille « moderne » dont le fils s’ennuie. Il trouve qu’on a moins de contacts dans cet univers standardisé, que c’est grave de voir détruire de vieux immeubles à Paris. Il ne se prend pas très au sérieux, mais il pense qu’il y a autre chose que l’effet comique dans ce film.
Jacques Tati « Play Time »
▻https://www.ina.fr/ina-eclaire-actu/video/i00004020/jacques-tati-play-time
Sur des images du décor de « Play Time » que l’on démonte, Jacques TATI explique à Charles CHABOUD, qu’il aurait aimé que ce décor serve aux jeunes réalisateurs plutôt que d’être démonté. Son travail est d’apporter de la fantaisie, de l’humour et non pas de critiquer l’architecture moderne. Il réagit aux critiques qui lui sont souvent faites sur le côut de ses films et le temps qu’il met à les tourner : « la défense du cinéma c’est la défense des auteurs qui prennent des risques et qui peuvent se tromper. » Il dit faire passer le cinéma avant sa vie privée et critique ceux qui signent des films pour pouvoir changer de voiture. Il explique sa conception du comique et son désir de faire sortir de l’oubli les « petits personnages ». Nombreuses images de Jacques TATI pendant le tournage de « Play Time », mimant des personnages.
Philosopher avec Jacques Tati : Playtime, le burlesque grandeur nature
▻https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/les-chemins-de-la-philosophie/philosopher-avec-jacques-tati-playtime-le-burlesque-grandeur-nature-9472
Tati innove à tout point de vue : décors titanesques, gags multiples et plans d’ensemble permanents. Et à la fin pas de générique, pour que le film continue dans la vie. Un premier entretien avec Stéphane Goudet pour apprendre à observer autrement.
Jacques Tati : comment un cinéma mélancolique peut-il nous faire rire ?
▻https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/sans-oser-le-demander/jacques-tati-comment-un-cinema-melancolique-peut-il-nous-faire-rire-7302
Mime, acteur, réalisateur, inspiré par Buster Keaton et Charlie Chaplin, Jacques Tati a imprimé son style dans l’histoire du cinéma et fascine encore par sa modernité. 40 ans après sa mort, retour sur son cinéma à la fois novateur, burlesque et mélancolique.
Je connais et j’aime le film Mon Oncle depuis mon enfance et je partage la perspective sceptique de Tati. C’est d’ailleurs le message de ce film qui a contribué à mon refus de me laisser dominer par les « workflow » et autres structures professionelles et sociétales programmées.
Je n’ajoute pas de références externes à mon argument car vous devez tous en connaitre.
Je suis tombé sur l’affiche en passant devant En traits libre aujourd’hui : apparemment on va avoir droit à une réédition remise en couleur de Saga de Xam, dessins de Nicolas Devil sur un scénario de Jean Rollin. Oh là là…
Saga de Xam, renaissance d’un livre culte
▻https://www.ramdam.com/Saga-de-Xam-renaissance-d-un-livre-culte
Vernissage le 2 décembre à partir de 18h en présence de Christian Staebler, commissaire de l’exposition.
Exposition visible du 2 au 24 décembre, du mardi au samedi de 14h à 19h (horaires spéciales pendant le festival ►http://rhonysfestival.com).
Il est enfin temps de proposer « Saga de Xam » aux yeux des jeunes générations, de leur permettre de découvrir ou redécouvrir la quintessence des années 1960, ce moment de bascule de la bande dessinée, auquel « Saga de Xam » participe à sa façon.
Rendez-vous le 1er décembre à l’Utopia (#Montpellier) pour une projection du Viol du vampire, le premier film de Jean Rollin.
Pourquoi Citizen Kane est le plus grand film #Politique de l’histoire de #Cinéma
▻https://www.blast-info.fr/emissions/2022/pourquoi-citizen-kane-est-le-plus-grand-film-politique-de-lhistoire-de-ci
Citizen Kane d’Orson Welles est un film qui changera pour toujours le regard que les hommes portent sur le cinéma, ceux qui regardent des films comme ceux qui en font. Ce film est certainement celui qui a suscité le plus grand nombre de vocations de…
▻https://static.blast-info.fr/stories/2022/thumb_story_list-pourquoi-citizen-kane-est-le-plus-grand-film-poli
Citizen Kane, le secret du #Pouvoir
▻https://www.blast-info.fr/articles/2022/citizen-kane-le-secret-du-pouvoir-RfzxtLOVSxueLsObPxMkRQ
L’éternel retour de XanaduXanadu est le nom du palais érigé par le premier empereur mongol de la dynastie des Yuan, Kubla Khan, qui régna sur la Chine de 1260 à 1294. Sa construction aura duré quatre ans, au prix du travail forcé de dizaines de milliers…
#Cinéma #La_fin_du_film
▻https://static.blast-info.fr/stories/2022/thumb_story_list-citizen-kane-le-secret-du-pouvoir-RfzxtLOVSxueLsO
Usbek & Rica - Le cinéma, la littérature et la musique doivent-ils résister à l’injonction des formats courts ?
▻https://usbeketrica.com/fr/article/le-cinema-la-litterature-et-la-musique-doivent-ils-resister-a-l-injonct
Qu’on le veuille ou non, les nouveaux modes de narration propres aux réseaux sociaux transforment déjà notre rapport au cinéma, à la lecture ou à la musique. Les formats qui s’écrivent en ligne impriment leur nouvelle temporalité ultra-ramassée à nos esprits sur-connectés. La phénoménologie de l’expérience esthétique est en pleine mutation.
Dans ce contexte, les films ont-ils tous vocation à devenir des courts-métrages, les romans des nouvelles et les albums de musique des compilations d’extraits sonores de vingt secondes ? La plupart d’entre nous visionnons déjà des films en version accélérée, oubliant la nécessité que peuvent avoir les blancs, les silences et même les « longueurs » (terme qui n’aura probablement jamais été aussi péjoratif qu’en 2022) dans l’architecture d’une œuvre. Autre option : faire l’effort collectif de rééduquer nos sens au temps long pour continuer d’apprécier notre patrimoine artistique, sans pour autant se priver de la possibilité d’être agréablement surpris par ceux qui font le pont entre ces mondes et imaginent des formats encore à naître et que l’on ne soupçonne pas encore…
#RéseauxSociaux #Format #Temps #Cinéma #Musique #Littérature
C’est marrant, parce que moi au contraire je trouve que les films ne savent plus être concis : la moindre connerie de Marvel, il faut deux films de 2h30 à 3 heures pour réussir à raconter un truc un peu neuneu. Je me dis que c’est le format « série » qui fait que les réalisateur·ices ne savent plus raconter une histoire rapidement, camper un personnage en deux regards, ramener un dialogue à l’essentiel… Ou bien que le public il aime qu’on lui explicite bien les motivations du personnage grâce à des dialogues bien chiants et bien explicatifs.
Les séries, bon sang ça traîne de plus en plus. Je me fais « Andor » en ce moment : il y a des épisodes entier de 45 minutes dans lesquels, franchement, il ne se passe rigoureusement rien : ça cause, ça cause, et à la fin je me dis qu’entre les épisodes 2 et 3 (il ne se pas vraiment rien de rien), quelqu’un d’un peu doué aurait raconté un film complet. Et ça c’est une série généralement considérée comme plus « adulte » que les autres séries Star Wars.
C’est ce qui m’a sauté aux yeux en revoyant Les sentiers de la gloire avec ma grande : ça va très vite (88 minutes), en deux regards ou attitudes on te campe un personnage et quand on le retrouve plus tard, on a l’impression d’avoir déjà tout compris de ses motivations. Avengers Infinity Wars c’est 149 minutes, et il faut se fader Endgame (181 minutes) pour savoir la fin. Denis Villeneuve en 155 minutes il ne raconte que la moitié de Dune et on devra repayer et se refader 3 heures supplémentaires pour avoir la fin.
(Oui bon, d’accord, Barry Lindon ça dure trois heures. Laurence d’Arabie plus de 3 heures et demi. Et Cléopatre c’est carrément 4 heures. Mais j’ai raison quand même.)
Stage « Tournez dans un Film de Cinéma muet »
Pour « Le Bateau Ivre », Anne-Marie Laussat et Philippe Pillavoine animeront en avril et mai 2023, à l’Espace Saint-Jean de Melun (77), un Stage de Mime ouvert à tous, intitulé : « Tournez dans un Film de Cinéma muet ».
Annonce : ▻https://www.silencecommunity.com/events/event/view/48410/stage-%C2%AB%C2%A0tournez-dans-un-film-de-cinema-muet%C2%A0%C2%BB
Inscriptions : ▻https://www.lebateauivre.info/stagedemime
https://www.lebateauivre.info/wp-content/uploads/2022/10/affiche-verticale-stage-de-mime2-scaled.jpg #cinéma #cinéma_muet #tournage #film #muet #court_métrage #mime #artiste_mime #stage #formation #Seine_et_Marne #Melun #Île_de_France #enfants #adolescents #adultes
We Were Once Kids - Trailer
▻https://www.dailymotion.com/video/x8b9ke5
The cult film ‘Kids’ was a scandalous succes in 1995. But the semi-documentary about young, sex-crazed skaters in New York had big consequences for the cast, who finally speak out 25 years later.
In 1995, everyone was talking about ‘Kids’. Larry Clarke’s semi-documentary about a group of young skaters in New York was an international scandal and a massive success, nominated for the Palme d’Or at Cannes and causing a furore for its transgressive portrayal of teenage sex, violence and drugs. 25 years later, the cast tell their own version of the story, and it’s not pretty. ‘We Were Once Kids’ is a tale of solidarity, delusion and exploitation. The young people were cast on the street for a film where few in the audience could tell reality from fiction. And once the film hit, it was too late to draw the lines.
▻https://cphdox.dk/film/we-were-once-kids
W e Were Once Kids addresses the still tender and painful heart of the 1995 film’s aftermath, the deaths of Pierce and Hunter, who could be understood as best embodying the ethos portrayed in Kids. It conveys the difficulties that both of them, like other cast members, faced after the movie had been released: struggling with addiction and alcoholism while facing the challenge of maintaining authenticity after being made into an image, and navigating what must have felt like a make-believe world.
►https://www.artforum.com/print/202209/lila-lee-morrison-on-kids-and-the-surplus-of-the-image-89462
pour mémoire un de ceux, bien plus tard, qui n’a pas eu envie d’être un des kids de larry clark :
►https://seenthis.net/messages/338747
J’ai connu quelqu’un qui lui avait tapé dans l’oeil (à Larry), au sortir de l’adolescence, et qui est mort d’o.d 15 ans plus tard. Il y a bien comme un schéma, pas exactement joli joli...
tiens c’est Disney qui a distribué Kids :
▻https://www.nytimes.com/1995/05/24/style/IHT-kids-grabs-spotlight-at-cannes.html
Ce qui a permis à Clark d’assurer que personne ne s’est vraiment drogué sur le tournage, et que tout les kids du film sont plus vieux que ce qu’ils ont l’air à l’écran.
The director claimed that the kids on screen were older than they looked, and that none were doing drugs.He even got in a pitch for Disney, the distributor.
J’ai tout de même littéralement adoré Whassup rockers à l’époque. Faudrait que je le revois.
Ce qui est dingue c’est d’avoir aimé à ce point la vision de Clark sur les gamins. ça me fait beaucoup (re)penser à cette citation de Dworkin :
« Parce que la plupart des adultes mentent aux enfants la plupart du temps, l’adulte pédophilique semble honnête, quelqu’un qui dit la vérité, le seul adulte justement, prêt à découvrir le monde et à ne pas mentir. »
Un exemple :
“Larry doesn’t do kids the way other people do,” said Fitzpatrick. “Larry knew early on that to make a film like this he needed to be on the inside of this sort of counterculture.” So at 50 years old Clark taught himself how to skateboard and hung around Washington Square Park everyday getting to know the kids. In Fitzpatrick’s opinion, that time commitment was absolutely necessary, because “teenagers don’t trust adults”, and it was the only way Clark could convince the skaters to take part in his film. “He knew that to get respect from these kids he would have to give them respect,” said Fitzpatrick. “Larry gave them respect and they trusted him to tell their story.”
▻https://www.theguardian.com/film/2015/jun/22/harmony-korine-kids-20th-anniversary
on appellera ça :
saisir le versant caché de l’adolescence – autrement et comme personne.
10 choses que la jeunesse doit à larry clark
▻https://i-d.vice.com/fr/article/ywdeax/10-choses-que-la-jeunesse-doit-larry-clark
personne pour se demander ce que Lary Clark doit à la jeunesse...
Peu ont montré avec autant de réalisme le quotidien d’une certaine jeunesse
Dans une interview pour le Guardian, Larry Clark a dit que le plus beau compliment qu’il n’ait jamais reçu venait d’un garçon qui a défini Kids en ces termes : ’’Ce n’était pas comme un film. C’était comme dans la vraie vie.’’
Tiens ils ont parlé du doc dans el pais :
▻https://english.elpais.com/culture/2022-07-14/kids-the-indie-movie-sensation-with-a-darker-side.html
In 2021, #Hamilton_harris – one of the boys featured in the film – participated in a documentary titled We were once kids, directed by Eddie Martin. Harris pursued this project after becoming alarmed when he discovered that a large part of the movie’s viewership mistakenly believed that they were watching a documentary.
“My feelings towards the movie started to change after seeing the global reaction it got,” he told Variety. At the same time, he felt that the creators outside the group – Korine and director Larry Clark – failed to capture the strong sense of community that the teenagers had created. While the film reduced the existence of its protagonists to a devastating nihilism, the truth is that those kids – who used skateboarding as an outlet – had formed a family. They were protecting each other, escaping from homes where drug usage and violence were common. Carefree sex was not at the center of their lives: in fact, many of the protagonists were virgins.
(...)
The problematic part came with the female roles. When the women in the gang read the script, they refused to participate. It did not reflect the relationship of camaraderie that united them: it was simply a festival of sex and drugs, a film “about rape and misogyny” says Priscilla Forsyth, who ended up participating in a minor role with only one sentence for posterity (“I’ve fucked and I love to fuck”). On the other hand, the boys could be of non-normative beauty, but the girls chosen to star in the film included 15-year-old Rosario Dawson – whom Korine discovered in a social housing project where she lived with her grandmother – and Chlöe Sevigny, a New York club regular who, after being featured in two fashion editorials and a Sonic Youth video, had become the city’s great underground sensation.
(...)
The director of We were once kids does not point to a culprit, but hints that many powerful people made a fortune while the protagonists were exposed to the world with their allegedly amoral lifestyle.
On parlait de cette divergence, en 2015, dans le guardian :
▻https://www.theguardian.com/film/2015/aug/19/kids-film-larry-clark-skateboarding-culture-new-york-east-coast-supreme
High says the added storyline was a distortion: “The true story [of Kids] is about a bunch of kids who grew up with literally nothing,” she says. “We might have been from different areas and different races but we came from the same income bracket of broke. We learned how to take care of each other at a time that was one of the rougher periods in New York City’s history.
“The film portrays segregation between girls and guys, which wasn’t reality. The main point [of the film] – the whole virgin-fucking, misogynistic thing – was not necessarily how we lived our lives.”
(...)
To Harris, the group was ahead of its time in a country mired in racism and recession. Intuitively post-racial in a colour-conscious society, the crew formed its own world around skateboarding despite being tethered to a socioeconomic bracket that deemed it invisible
.
Le sujet du film aurait pu être ça :
“In the early 90s we were dealing with crack, the Aids epidemic, racism and all kinds of social injustices. We were totally aware of the social dynamic in the world around us. We were constantly trying to change that, and foster that change as an example,” he said
En terme de révolution, une toute autre paire de manche...
(déso je spam un peu)
Cette #ruse, de faire passer sa vision des choses pour des #preuves.
▻https://www.theguardian.com/fashion/fashion-blog/2014/jun/25/larry-clark-t-shirts-dressing-young-teenagers
Still, he rejects claims that his previous work is either exploitative or luridly voyeuristic: "I would go to these parties and see fucking, gangbanging and drugs. To me it’s historical evidence. I can only shoot what I see.
“Back then it was a secret world but you know what? Kids was based on reality. That’s what these kids on the street tell me, they say: ’Larry that’s how it is.’ Personally, I feel there’s the argument that if it’s not documented, how would we know it’s going on at all?”
LIVING MEMORY
Lila Lee-Morrison on Kids and the surplus of the image
►https://www.artforum.com/print/202209/lila-lee-morrison-on-kids-and-the-surplus-of-the-image-89462
But while Clark’s photography falls within the genre of documentary in all these respects, the “truth” his images communicate is personal and deeply subjective. There is a tenderness toward the individuals he captures, no matter how brutal the content of their actions. These images and their aestheticization of the rawness of youth culture became central to the ’90s trend of “heroin chic.” Clark has said that he was addicted to heroin until 1998. As an addict, he was also an enabler of other people’s habits, including those of the teenage skateboarders he befriended and who worked on the film. As is not uncommon in the blur of addiction, he tried to get some individuals clean and sober while being unable to get clean and sober himself. Driven by his long-standing impulse to counteract the socially conservative denial of the experiences of young people, he wound up myopically projecting his concerns with addiction and teenage male sexuality onto the film’s subjects. In doing so, Clark identified with those subjects and, as he did in his photographs, created a world in which adults have no part to play except as voyeurs and adolescents make their own rules. With its polychrome palette, Kids departs dramatically from Clark’s previous black-and-white aesthetic, while the grim ambience of his still photography gives way to urban splendor and emotive close-ups. But the throughline is sustained. Here, as in his earlier work, the self-destructive and violent tendencies of his subjects form a narrative of trauma that is his own.tes her belief that Justin would still be alive if the movie had never been made.
On the other hand, there is Clark’s focus on teenage boys as vectors of violence, sexual violence in particular. If the film were really honest, it would have been titled Boys. The narrative is driven by the motivation of the protagonist, Telly (played by Fitzpatrick), to “fuck virgins”; he calls himself the “virgin surgeon.” This plot was so ridiculous and contrary to reality that most of us just laughed at it at the time. It so obviously came from the mind of an adult. Every boy I knew was interested in experienced, if not older, sexual partners, not virgins. The “virgin surgeon” plot device underscored a narrative central to Clark’s own artistic vision, namely the destruction of innocence .
ping @tintin
#larry_clark #heroin_chic #addiction #jeunes #cinema
I DON’T REALLY TALK ABOUT KIDS. I had a very small part in the film, though it absorbed my whole life for a summer and more. I failed the audition for a part that was written for me. It was as one of the girls who makes out with another girl in a pool. Once I was actually standing in front of Harmony, Larry, and the casting director in the production offices in a building on the corner of Broadway and Houston, I felt a dissonance with my role in the script and the way girls’ roles in general were written. My speech, my behavior, my physical presence—my self—was something I couldn’t perform. I forgot all my lines. Afterward, I was awash with a sense of failure. I had failed at being myself. At seventeen, I found that feeling pretty familiar. I felt as awkward simulating a sex act as I did with the real thing. In the end, Carisa Glucksman and Michelle Lockwood played the girls in the pool.
#chosification #réification #objectification #résistance (à)
Usbek & Rica - Fréquentation, âge du public... 5 infographies pour comprendre la crise du cinéma
▻https://usbeketrica.com/fr/article/frequentation-age-du-public-cinq-infographies-pour-comprendre-la-crise-
Afin de mieux comprendre la nature de la crise inédite qui touche le secteur du cinéma (voir notre long format et notre interview avec la productrice Judith Lou Lévy), nous avons passé au crible plusieurs données clés, comme l’évolution de la fréquentation des salles, celle des tranches d’âge du public et, plus largement, la place du cinéma dans le « temps libre quotidien » des Français. Décryptage.
Mulholland Drive de David Lynch, ou pourquoi Hollywood doit disparaître (35mn)
Dans ce nouveau programme, on fera des exégèses de films. On parlera de films du passé, mais avec les yeux du présent. Quand un film est vivant, selon le moment où on le voit, il ne nous dit pas forcément la même chose. Ce n’est pas ce que ce film avait initialement pour objectif de dire, dont nous parlerons dans La Fin Du Film, mais ce qu’il peut nous montrer de nouveau, aujourd’hui, sur notre monde.
Introduction de Pacôme Thiellement
« la religion hollywoodienne est un culte de la réussite individuelle, la poursuite du bonheur, l’amour toujours vainqueur, le happy end c’est un culte dont l’horizon est la célébrité, la domination visible et dont les figures saintes sont les stars... »
►https://www.blast-info.fr/emissions/2022/mulholland-drive-de-david-lynch-ou-pourquoi-hollywood-doit-disparaitre-3k
#Cinema#Hollywood#Pacome_Thiellement#Soft_power#conditionnement#Sorcellerie_capitaliste#Réseaux_socios#Entrepreneur_de_soi-même
Comment la musique de John Carpenter est devenue aussi culte que ses films - YouTube
▻https://www.youtube.com/watch?v=DCYKUP30sUo
Réalisateur souvent boudé par la critique et le public quand ses films étaient diffusés dans les salles de cinéma, John Carpenter a depuis acquis le statut de cinéaste culte. Et la musique de ses films, qu’il compose lui-même, y est pour quelque chose.
#Cinéma #Musique #Vidéo #Peur #JohnCarpenter
Poursuites pour agression sexuelle : La macronie protège le parrain du #Cinéma
▻https://www.blast-info.fr/articles/2022/poursuites-pour-agression-sexuelle-la-macronie-protege-le-parrain-du-cine
Accusé par son filleul d’agression sexuelle et en attente de son procès, Dominique Boutonnat a été renouvelé à la tête du Centre national du Cinéma et de l’image animée et nommé au Conseil d’administration de France Télévision, malgré les protestations…
#Justice #Violences_sexuelles
▻https://static.blast-info.fr/stories/2022/thumb_story_list-poursuites-pour-agression-sexuelle-la-macronie-pr
Une comédie sociale sur la lutte des classes
▻https://www.blast-info.fr/emissions/2022/une-comedie-sociale-sur-la-lutte-des-classes-489t3TnnQEeQ9ay5EsKrKg
Le film est une réussite. Fable montagnarde, et ouvrière, sous fond de #Capitalisme vorace, Reprise en main marque l’irruption dans la fiction du dénommé Perret Gilles, favorablement connu de nos services pour son travail acharné de documentariste au front…
#Cinéma #Luttes
▻https://static.blast-info.fr/stories/2022/thumb_story_list-une-comedie-sociale-sur-la-lutte-des-classes-489t
france•tv arts ( francetvarts) : « Phénomène culturel marquant de notre époque, les séries télévisées rivalisent aujourd’hui avec l’industrie cinématographique. Mais les séries sont-elles en passe de détrôner le cinéma ? #CulturePrime »|La Contre-Voie - nitter
▻https://twitter.com/francetvarts/status/1579027888724185090
Phénomène culturel marquant de notre époque, les séries télévisées rivalisent aujourd’hui avec l’industrie cinématographique.
Mais les séries sont-elles en passe de détrôner le cinéma ?
#Cinéma #Série #TV #Divertissement #Vidéo
Athéna : où est passé le #Cinéma politique ?
▻https://www.blast-info.fr/articles/2022/athena-ou-est-passe-le-cinema-politique-lz_Q-RnPSY2it1iytwYbDQ
Athéna, le nouveau film de Romain Gavras qui fait beaucoup parler de lui, provoque surtout des débats chez les polémistes qui ne l’ont pas vu. Car de quoi peut-on débattre s’agissant d’un film qui n’a pas de propos, qui ne défend rien ? Si la mise en…
#Quartiers #Violences
▻https://static.blast-info.fr/stories/2022/thumb_story_list-athena-ou-est-passe-le-cinema-politique-lz_Q-RnPS
Plus de 100 films du Grec* à voir en ligne en accès libre dans La rubrique films en ligne.
▻http://www.grec-info.com/films_en_ligne.php
* Le GREC (Groupe de Recherches et d’Essais Cinématographiques) produit des premiers court métrages - fiction, expérimental, film d’art, animation, essai - en veillant à leur caractère singulier et innovant.
Créé en 1969 par Jean Rouch (cinéaste), Pierre Braunberger et Anatole Dauman (producteurs) pour développer la création de premiers films de court métrage, le GREC a soutenu plus de 1200 films et produit une vingtaine de films par an, permettant de découvrir de nombreux cinéastes.
Mulholland Drive de David Lynch, ou pourquoi Hollywood doit disparaître
►https://www.blast-info.fr/emissions/2022/mulholland-drive-de-david-lynch-ou-pourquoi-hollywood-doit-disparaitre-3k
Dans ce nouveau programme, on fera des exégèses de films. On parlera de films du passé, mais avec les yeux du présent. Quand un film est vivant, selon le moment où on le voit, il ne nous dit pas forcément la même chose. Ce n’est pas ce que ce film avait…
#Cinéma #Soft_power
▻https://static.blast-info.fr/stories/2022/thumb_story_list-mulholland-drive-de-david-lynch-ou-pourquoi-holly
