• Clément Moreau / Carl Meffert
    premiers travaux suivi de Art Prolétarien
    192 pages, 80 #linogravures des années 1927-1934.


    http://www.pleinchant.fr/divers/catalogue/Livresdaujourdhui/typetype.html

    Carl Meffert, peintre et linograveur, contemporain du courant expressionniste allemand et s’y rattachant par son inspiration et par le réalisme sans concession de ses dénonciations gravées de la politique et de la société de son temps, est né en 1903 à Coblence et a grandi dans une maison de correction de l’Assistance publique. En 1920, il est condamné à trois ans de prison pour avoir participé aux insurrections spartakistes de la fin de la guerre. En 1926, il est à Berlin où il vit d’abord dans des asiles pour sans abris et gagne son pain en peignant des pancartes sur les marchés. Par la publication de caricatures dans l’Arbeiter Illustrierte Zeitung ( Journal illustré des travailleurs ) de Münzenberg, il entre en contact avec des artistes engagés. Sur commande de l’organisation de jeunesse du #KPD, le Parti communiste d’Allemagne, il grave la série « Hambourg », six planches sur la révolte de 1923. Suite à cette publication, il fait la connaissance de Käthe Kollwitz qui l’encourage, mais également de graveurs, peintres, photographes de renom, tels Emil Orlik, John Heartfield ou Heinrich Zille. Il réalise alors les suites rassemblées ici parmi lesquelles Éducation à l’Assistance évoque sa propre expérience. Devant la montée du nazisme, il s’exile illégalement en Suisse à partir de 1933 ; il y prend le nom de Clément Moreau et deux ans plus tard émigre vers l’Argentine. Là il réalise notamment la suite « Nuit sur l’Allemagne » que nous avons présentée en 2018 dans cette même collection. Rentré en Suisse en 1962, il y a vécu jusqu’à sa mort fin 1988. C’est en 1983 que fut initialement réuni, et excellemment préfacé par lui-même, le présent recueil de ses premiers travaux. Nous y avons ajouté la suite « Art prolétarien », de 1932-1934, publiée directement après les cinq premières des années 1927-1929

    https://seenthis.net/messages/668182
    Parallèlement à la publication de ce nouveau recueil, les éditions Plein Chant ont coédité avec la fondation Clément Moreau de Zurich l’édition en langue allemande de Nacht über Deutschland , même présentation et même prix (15€) que l’édition de 2018 de Nuit sur l’Allemagne. L’édition française est toujours disponible.
    https://librairie-quilombo.org/nuit-sur-l-allemagne
    #histoire
    KPD (Kommunistische Partei Deutschlands) Parti communiste d’Allemagne, fondé en décembre 1918 et composé à l’origine, de tendances diverses. La participation à l’action parlementaire, la priorité donnée à la forme d’organisation, parti ou conseil, l’opposition au syndicalisme intégrateur du SPD, constituent les trois questions centrales des débats internes. Après le congrès de Heidelberg, en octobre 1919, et le départ de la gauche antiparlementaire, le KPD se bolchévise rapidement et intègre, en 1920, la majorité de l’USPD. Vers 1928-1929, après maintes exclusions, le KPD défend une ligne de soutien inconditionnel à l’Union soviétique. Il est interdit en 1933.
    https://seenthis.net/messages/748685
    #Allemagne #livre

  • Clément Moreau (1903-1988), Carl Meffert de son nom, adhérent à la Ligue spartakiste dès qu’il eut seize ans, initié à l’art prolétarien par Käthe Kollwtiz, s’établit en 1927 à Berlin, où il appartint à l’avant-garde littéraire et artistique, celle qui sera pourchassée par les nazis. En 1933, l’arrivée d’Hitler au pouvoir le force à s’exiler en Suisse où, clandestin, il devient Clément Moreau. Obligé de quitter la Suisse, il part vivre en Argentine où il exécute, de 1937 à 1938, cent sept linogravures représentant les atrocités nazies, Nacht über Deutschland (Nuit sur l’Allemagne). Traduit en français par Cordula Unewisse et François Mathieu, ce livre illustré permet à ceux qui n’auraient pas eu l’original en allemand à leur disposition d’apprécier le talent graphique de Clément Moreau. Ajoutons qu’en 1976 les éditions Syros avaient publié Mein Kampf, dessins de Clément Moreau (Paris, n° 2 de la collection Combat culturel, 60 pages), un recueil de caricatures par Clément Moreau parues dans Argentina libre où elles illustraient, pour s’en moquer, des extraits autobiographiques du livre d’Hitler, mais ce livre est épuisé depuis longtemps.

    160 pages, illustrations
    Notices bio-bibliographiques par Thomas Miller et Eva Korazija
    Traduction par Cordula Unewisse et François Mathieu

    http://www.pleinchant.fr/titres/TypeType/Moreau.html
    #linogravure #Clément_Moreau #Editions_Plein_Chant

  • Il devrait y avoir grosso modo 100 exemplaires en tout, le jeu sera composé des 22 arcanes majeures + 2 bonus + une carte titre. Le tout sera sérigraphié en 4 couleurs sur un papier 240gr.
    Les cartes seront imprimées à la taille des linos d’origine, les cartes feront donc 7x11cm.

    http://tanxxx.tumblr.com
    http://tanx.free-h.fr/bloug/archives/10073
    #Tarot #Tanx #linogravure

  • portrait de l’artiste en travailleur | TANX
    http://tanx.free-h.fr/bloug/archives/9983

    Sur son petit piédestal, l’artiste, le créateur, le scientifique, le professeur, le journaliste, clame à la face du monde qu’il est exceptionnel et mérite un traitement de faveur et pleure que sa situation est insoutenable, le sel de la terre est triste comme un caillou et il trépigne d’être traité comme les autres et le dit sans même rougir.

    C’est un piège, et le piège est monté d’un part par nos exploiteurs et d’autre part par nous-mêmes : à aucun moment on ne décide de laisser tomber cette singularité en toc pour enfin constater qu’avant d’être intellectuel ou créatif, on est un prolétaire (quand on en est un, évidemment, mais là on entendra pas l’artiste bourgeois se plaindre de ses conditions de travail, pardi, he). Si ces métiers-là ont essuyé les plâtres des statuts ultra-précaires rêvés du patronat, nous n’avons jamais envisagé que ça puisse être une incroyable occasion à une solidarité de classe. Plutôt qu’alerter les autres travailleurs sur le recul des droits sociaux – ce qu’on vit déjà, n’ayant aucune couverture sociale en dehors de la santé – pour soutenir les luttes, et y participer pleinement, on n’a eu de cesse de rappeler notre singularité.

    En oubliant au passage que le capitalisme est un empêchement à nos ambitions intellectuelles et artistiques. La perte de sens dans beaucoup de domaines, tout aussi singuliers et autrement indispensables (chez les soignants par exemple, ou à l’inspection du travail), mène des cohortes de travailleurs à la dépression, à l’alcool, aux drogues légales ou non, et au suicide.
    Exactement comme les travailleurs de domaines moins prestigieux. L’ouvrier sur une chaine de montage ne mérite pas plus cette vie de merde que nous, nous ne méritons aucun traitement de faveur, nous devons rejeter l’exploitation pour ce qu’elle est, et non pas uniquement quand elle nous touche, nous.

    Ce qui relie l’ouvrier, le soignant et l’artiste prolétaire c’est le statut social, et ça n’est pas dire que tous les boulots sont les mêmes, mais que nous sommes tenus par la même obligation de remplir le frigo, de payer un loyer ou des crédits. Les métiers intellectuels et créatifs sont prestigieux, et nous le savons puisque notre activité est la première chose que nous mettons en avant. Pourquoi choisir cet angle d’attaque quand on parle de conditions de travail, si ça n’est pour appuyer l’idée qu’on est au dessus de la plèbe ? Se situer au dessus de la masse est à la fois une absurdité et dans un sens une réalité, sauf que cette réalité nous la renforçons au lieu de la combattre et de chercher à la détruire. Parce que l’idée que l’accès aux arts est une question de bon vouloir uniquement est une idée largement répandue y compris chez nous, créateurs. Cette idée est merdique. Relire Bourdieu que j’ai pas lu d’ailleurs. Non : relire Lucien Bourgeois.

    • Tout à fait d’accord avec toi @aude_v
      C’est pour ca que je ne peu pas me revendiqué prolétaire comme Tanx et que je préfère dire travailleuse pauvre puisque je bénéficie de nombreux privilèges de ma classe même si mes revenus sont très faibles.

    • D’un point de vue personnel, je me sens à l’autre bout du spectre social : je suis née prolo, j’ai grandi prolo et j’ai accédé à l’éducation et la « création » comme prolo.

      Du coup, en lisant le texte de Tanx, je me sens une fois de plus marginalisée et illégitime. Parce que c’est bien ça qui caractérise le prolo qui sort de son parcours de prolo : son #illégitimité (qui se traduit aussi, parfois, par un gros complexe de la #fumiste, aussi appelé syndrome de l’#impostrice — même si je poste beaucoup).

      Le prolo est héréditaire, son statut de classe est d’ailleurs son seul héritage, bien collant( y a pas un truc qui s’appelle le sticky floor ?). Et l’incapacité à rester à sa place est sanctionnée non seulement par les bourgeois (la figure du #parvenu) que par les autres prolos (celle de l’ingrat qui pète plus haut que son cul).

      D’un autre côté, ce texte me fait mieux comprendre mon perpétuel pas de côté, mon non-casisme.

      Effectivement, bien qu’adhérant à un syndicat de caste (donc d’artistes), je me rend compte que ma vision est souvent assez contraire à celle des autres. Je ne veux pas de statut particulier, mais bien le fait de retrouver un statut général : sécu générale, impôts comme les autres et protection sociale convergente avec le modèle salarial itou.

      Je me rend bien compte que dans ma #corporation, il n’y a précisément aucune homogénéité de #caste, entre ceux qui se plaignent de ne pas pouvoir sortir assez de revenus du (im)pot commun, les dilettantes et ceux qui créent à « l’abri » du RSA.
      Pas les mêmes besoins, pas les mêmes attentes, mais effectivement, un profond désir de distinction, de n’être pas mélangés avec la plèbe, parce qu’on n’est pas à l’usine quand même !

      Comme sur les bancs de la fac, où les vrais prolos étaient plus rares que les poils sur le cul d’un hipster, ou même ensuite, dans le monde du travail, tu te rends compte que prolo est un état permanent et acquis comme une grosse tâche de naissance sur la gueule : pas le réseau, pas les moyens, pas la love money qui file le petit coup de pouce indispensable de ceux qui se sont fait tout seuls !
      Ce que ça peut me faire rire, le mythe des 3 gus dans un garage.
      Ils avaient déjà un garage, les cons !

      Du coup, je rejoins plutôt @mad_meg sur les privilèges de classe qui prédominent sur les revenus et le capital financier.

      En fait, pour conclure prématurément, avec le texte de Tanx, je me sens juste niée une fois de plus…#anomalie #reproduction_sociale

    • Je sais très bien faire la distinction entre la figure rhétorique du prolétaire — celui qui n’a que le revenu de SON travail — et le prolo, cette construction sociale du travailleur populaire qui n’est pas arrivé à entrer dans la vaste fumisterie qu’est la classe moyenne où l’on se donne les moyens de croire qu’on échappe à sa condition en mimant le mode de vie des bourgeois.

      De manière intellectuelle, on pourrait parler du lumpenprolétariat, mais concrètement, c’est le prolo, même si dans le prolo, il y en a une bonne mesure qui a cru à la France des proprios et qui s’est endettée à la toque pour pour son Sam Suffit tout poucave qui, sans qu’il le sache, ne vaut déjà même plus le prix de ses matériaux bruts.
      Ceci le renvoyant une fois de plus à son statut de prolo…

    • Rgngngngn. J’ai le sentiment que le truc est mal posé. J’ai tendance à penser que l’art n’est pas un secteur d’activité, qu’être artiste, c’est pas un métier. Je crois d’ailleurs que ce n’est pas à soi de décider si on est artiste ou pas. Si l’art est à part, c’est pas au-dessus de ceci ou en-dessous de cela, c’est une qualité transversale qui peut être contenue dans n’importe quel geste, parole ou production de la part de n’importe qui sans distinction social, racial, sexuel, historique ou géographique.
      Après il y a des métiers : peintre, graphiste, photographe, sculpteurice, architecte, auteurice...
      Après les conditions d’exercice : indépendant·e (ou freelance comme on dit) ou ouvrier·e pour le compte d’un·e autre professionnel·le (cabinet, agence), d’une industrie, d’une institution, d’un pouvoir politique (ne pas oublier que les « artistes » ont souvent servis et servent encore la cause du pouvoir). Il y a des ouvrier·es dessinateurices comme il y a des ouvrier·es agricoles ou ébénistes. On peut exercer avec un certain talent ou pas. Enfin, je dis ça mais je ne sais pas, je réfléchis tout haut. Qu’est-ce que l’art, vaste question n’est-ce pas ?
      Perso j’ai jamais été à l’aise avec le mot « artiste » et j’ai longtemps résisté à me l’attribuer malgré le fait que c’est ainsi que les gens me voient que je le veuille ou non. Il faut croire que j’ai la tête de l’emploi. Par paresse j’ai finalement adopté ce terme parce que comme ça que l’Insee m’enregistre dans son catalogue et c’est obligatoire de figurer dans un catalogue. Et aussi parce que pour moi « artiste » ça ne veut pas dire grand chose, cette espèce de flou (artistique) m’arrangeait bien mais je me rend compte qu’il va falloir que je trouve autre chose :)
      Enfin, sur le niveau de vie, je sais pas si ça m’intéresse de savoir dans quelle autre case je dois me situer, prolo, travailleuse pauvre, classe moyenne plutôt basse, ça m’est complètement égal. Tout ce que je sais c’est qu’on mal barré.

    • Attention, Tanx, de ce que je comprends, parle spécifiquement de travail prolétaire, elle ne parle pas ici de statut dû à tel capital culturel (ou à son manque).

      Elle utilise bien le terme dans son sens de base, celleux qui n’ont que leur force de travail. Et dit justement que même si on pense qu’on est supérieur (parce qu’on aurait tel capital cultu, ou tel prestige dû à une activité plus reconnue), bah non, on est tous dans une certaine même merde.

      Et que donc il y a matière à se reconnaitre comme faisant partie d’une même classe, à partir de ça (classe pour soi). Mais sans oublier que le préambule, elle l’introduit rapidement, est la mort de l’artiste, en tant qu’artiste séparé (donc l’acceptation de ne pas avoir de prestige particulier).

      http://lafeteestfinie.free.fr/a_mort.htm

    • Bien d’accord avec toi @odilon, « artiste » c’est une étiquette fourre-tout (comme « intermitent du spectacle »).
      Me revient à l’esprit cette phrase de Gérard Lauzier (en substance) « l’art est pour les jeunes bourgeois ce que le sport est pour les classes populaires, l’espoir d’arriver rapidement »
      Le parallèle est juste en ce sens que dans ces deux catégories quelques elu·es sont élevé·es au rang d’idoles inatteignables, ce statut (et les revenus astronomiques qui vont avec) participant pleinement au maintien du status-quo de la domination.

    • @rastapopoulos « Elle utilise bien le terme dans son sens de base, celleux qui n’ont que leur force de travail. »
      Du coup je ne suis vraiment pas prolétaire puisque je n’ai pas que ma force de travail pour moi, je suis propriétaire de mes outils de production (c’est à dire papier, encre et plume) et j’ai eu une stagiaire la semaine dernière ce qui fait de moi une patronne. A mon avis le mot prolétaire est trop précis et c’est pas étonnant que peu d’artistes (même chez les très pauvres) ne se reconnaissant pas dans cette catégorie.

      Par rapport au mot artiste, c’est peut être mon coté bourgeois mais je ne me sent pas du tout être une artisane, même si j’ai une maîtrise technique du dessin ce que je fait n’est pas de l’artisanat. Et je ne dit pas ca en méprisant les artisans mais l’art c’est pas la même chose. J’ai un diplôme d’artisanat et l’artisanat ca m’avais juste rendu dépressive car la liberté de création est proche de zéro et le peu de créativité on y a accès de toute façon après des années de brimades hiérarchique et de tâches fastidieuses et répétitives. Dans l’artisanat si on a la chance de faire de la création c’est en général près de la retraite et à destination de très grands bourgeois qui ont les moyens de se payé non seulement un objet fait à la main, mais en plus sur mesure pour leur satisfaction de riche d’exception.

      Si il n’y a plus de statu d’artiste je ne voie pas comment je pourrais continuer mes grands dessins ni de quel droit je les montrerait et dans quel cadre ou dans quelles conditions.
      C’est d’ailleurs ce que pense paul emploi et la caf qui me presse de me chercher un « vrai travail » dans le nettoiement.

    • Bé oui, ça me parait « naturel » que dans le cadre capitaliste et bourgeois actuel, en restant dans cette manière de vivre, bah t’es obligée « d’être artiste », d’avoir ce statut, pour faire ce genre de choses. Ça n’est pas trop le sujet de départ, il me semble, vu que Tanx se place dans un cadre où elle critique ce mode de vie, et où elle ne cherche pas le status quo mais à changer les choses. La mort de l’artiste (selon la brochure qu’elle met en lien), ce n’est pas la mort de l’art ou de l’œuvre, c’est la mort de l’artiste en tant que séparation, d’après ce que je comprenais (je ne l’ai pas encore lu en entier, je le dis).

      Et non tu n’es pas vraiment propriétaire de moyen de production, il me semble, puisque pour produire, tu dois toi travailler, passer des heures de travail (en créant de la valeur donc). Tu ne payes pas des gens pour ça qui le font, et tu n’as pas de machine qui le fait tout seul.

      C’est vraiment dommage que Tanx ne soit plus là pour participer. :)

    • Merci @rastapopoulos j’ai peu de culture politique sur les questions marxistes d’où mes incompréhension et maladresses sur le sujets. Il faut que je me mette à ces lectures.

      Les artistes ne sont pas une categorie homogène d’un point de vue des classes. Il y a des artistes prolétaires et des artistes milliardaires. la plus part des gens sacralisent les artistes quant ils ont les revenus de Koons ou alors quant ils sont morts. A part ca l’artiste qui ne vie pas de son art est l’objet d’un parfait mepris y compris de la part de personnes prolétaires.

      Au XIX ème il y avait des artistes solidaires des prolétaires. Le plus célèbre etait Courbet. Je pense que la plus part des artistes du XIXÈME ont été oubliés et de préférence celleux qui etaient solidaires des prolétaires et qui se sont engagés.

      L’art des classes dominantes (masculine, blanche, hétéro, religieuse puis issue de la noblesse et ensuite de la bourgeoise) ne laisse pas de place aux artistes des autres classes, sexes et races. C’est même à mon avis la fonction principale de l’art de figer et hiérarchise ses catégories et donner ses « lettres de noblesse » a la classe dominante de son époque. C’est pour ça entre autre que les femmes n’y sont toujours pas les bienvenus, y compris avec les artistes engagés auprès des prolétaires.

      Tous les artistes ne sont pas « séparés », seuls ceux de la classe dominante (et donc deja séparés) le sont. Les artistes prolétaires ne sont pas séparés des prolétaires, mais leur art est souvent dévalorisé comme etait de l’art populaire, de l’art brut, de l’art amateur, de l’art feminin... Pour ces artistes la pas besoin de séparé l’œuvre de l’artiste, ce privilège est réservé aux artistes des classes dominantes.

      Un artiste « séparé » c’est un artiste de la classe dominante dont la production artistique sert a l’édification de cette classe.

      Pour le côté sacralisé de l’artiste, à mes yeux c’est en lien avec le culte des #grand_homme qui veux que l’histoire sacralise les gros trouduc. Les peteux qui se prennent pour le mâle alpha et se comportent comme tel sont toujours très appréciés et ont un boulevard devant eux. Il n’y a qu’à voire comme les médias bossent dur sur la postérité de Polansky.

      Vouloir que les artistes soient solidaires des classes proletaires me semble impossible, seul les artistes proletaires peuvent l’être et il me semble qu’illes le font deja.

    • Le peintre-graveur libertaire, Germain Delatousche (1898-1966), connut une période de purgatoire après sa mort, mais grâce à quelques ventes publiques et leurs répercussions sur Internet, il réapparut peu à peu dans l’espace public, donnant l’image d’un peintre du Vieux-Paris, d’un peintre également de la misère. Pauvre et handicapé, il occupait un atelier à la Butte-aux-Cailles et organisa, des années durant, avec l’aide de l’association qu’il avait fondée, « Les Compagnons », des expositions de groupes accueillies d’abord par des auberges, des cafés, puis par des galeries. Il a côtoyé les #écrivains_prolétariens et les milieux anarchistes aux journaux desquels il a fourni maintes illustrations, tandis que plus de cinquante livres furent ornés de ses #bois_gravés. Notre recueil présente environ 200 d’entre eux, reproduits à leur format original. Germain Delatousche fut principalement soutenu par un mécène amateur d’art, de musique et de poésie, Jean-Daniel Maublanc, par ailleurs industriel, éditeur et critique, qui lui a consacré en 1941 une belle monographie dont nous reprenons de larges extraits accompagnés de textes de ses amis Lucien Bourgeois, René Virard, Georges Turpin, Henry Poulaille, Treno – du Canard Enchaîné.

      http://www.pleinchant.fr/titres/TypeType/Delatousche.html

      Tanxxx est dans la suite de Frans Masereel, Lynd Ward, Myron Waldman, William Gropper, Milt Gross ...
      #linogravure
      Où est la ligne de séparation entre l’ouvrier et l’artiste dans une oeuvre de Robert Tatin, où du facteur cheval ?
      #Art_Brut

    • Ce que dit wiki sur l’artiste

      Un artiste est un individu faisant (une) œuvre, cultivant ou maîtrisant un art, un savoir, une technique, et dont on remarque entre autres la créativité, la poésie, l’originalité de sa production, de ses actes, de ses gestes. Ses œuvres sont source d’émotions, de sentiments, de réflexion, de spiritualité ou de transcendances.

      Le Dictionnaire historique de la langue française publié sous la direction d’Alain Rey donne d’autres origines de ce mot au Moyen Âge, mais avec des significations différentes, qui pour certaines ne sont plus d’usage, comme « étudiant des arts libéraux à l’université ». Il a aussi été utilisé à la place d’artisan ou pour indiquer qu’un objet a été « fait avec habileté et méthode, avec art ».

      ...

      Un étudiant ou un enseignant de la faculté des arts était appelé un artiste4. Il terminait ses études en obtenant la maîtrise ès arts.

      Les sept arts libéraux sont représentés par sept femmes décrites par Martianus Capella.

      En parallèle se développe le système des neuf Muses venues de la tradition homérique qui en fait les filles de Zeus et que Platon décrit comme les médiatrices entre le dieu et le poète ou tout créateur intellectuel. Cependant il n’y a aucune Muse pour les arts manuels comme la peinture, la sculpture ou l’architecture.

      Cet enseignement ne fait aucune place aux activités manuelles qui étaient souvent pratiquées dans l’Antiquité par des esclaves. L’esclavage et le servage disparaissant au cours du Moyen Âge, des hommes vont développer leurs techniques ou artifex5 dans les arts manuels ou mécaniques. Le développement de la société urbaine à partir du XIIe siècle va transformer leur travail qui d’abord itinérant va pouvoir s’exercer dans une ville où ils peuvent se regrouper en corporations, appelées Arti en Italie. Ce sont des artisans.

      Le peintre, le sculpteur, l’orfèvre exercent une activité manuelle. Ils ne vont que progressivement se détacher de la condition inférieure due ces activités. Ils sont alors pour la plupart anonymes. Pour les clercs, c’est parce qu’ils créent de la beauté à partir de la matière brute qu’ils reproduisent l’acte divin de la Création de Dieu, que saint Thomas d’Aquin décrit comme un artifex mundi. Cependant, pour saint Thomas d’Aquin, l’exécutant d’une œuvre doit la réaliser conformément aux règles définies par son commanditaire ecclésiastique.

      Au XIIe siècle, le moine Théophile écrit une somme des arts mécaniques du Moyen Âge : Schedula de diversis artibus. Pour lui la beauté de la création et la belle âme du créateur sont indissociables.

      Progressivement, les chroniqueurs vont montrer les qualités morales des créateurs des œuvres. Pour Hugues de Saint-Victor les arts mécaniques sont trop souvent méprisés et doivent acquérir un statut de science. Il les groupe en sept sciences mécaniques en reprenant la division des arts libéraux. Dans le second ensemble qu’il appelle l’ armatura, il a placé l’architecture, la peinture, la sculpture et les arts mineurs. Dans son De divisione philosophiae, Dominique Gundissalvi soutient l’égalité des arts libéraux et des arts mécaniques. Dans le Defensor pacis, Marsile de Padoue distingue les arts mécaniques servant aux nécessités matérielles de ceux qui sont de l’ordre du plaisir et de l’agrément : la peinture, la sculpture et l’architecture. Il considère que ces derniers ont un statut intermédiaire entre les arts manuels et les arts libéraux6.

      ...

      Les caractères utilisés à propos des artistes sont particulièrement variables dans l’histoire et n’ont pas de définitions universelles (de même que pour l’art, un « faux concept8 » anhistorique). Ils ont comme origine une expérience, une appréciation personnelle, un regard9 et sont la conséquence d’un intérêt collectif propre à une culture10. De plus, la notion d’artiste – ou son absence – et l’imaginaire qui l’accompagne, est liée à l’idée de sujet et d’altérité chez un groupe humain, à une époque déterminée.

      Certains usages traditionnels distinguent l’artiste de l’artisan11 en se fondant sur la condition d’auteur, ou d’interprète, du premier12. Soit un producteur de créations de l’esprit13 en opposition aux travailleurs manuels, aux exécutants14 anonymes, à ce qui est utile ou fonctionnel.

      J’appelle artiste celui qui crée des formes... et artisan celui qui les reproduit, quel que soit l’agrément ou l’imposture de son artisanat. Malraux, Les Voix du silence,1951, p. 308.

      Depuis le XVIIIe siècle, ces activités concernent principalement les accomplissements de l’humanité différents des sciences et du droit15, qui ne prétendent ni « dire le vrai », ni établir des règles. Cependant, pour l’anthropologue Lévi-Strauss16, la démarche de l’artiste relève à la fois de celle du bricoleur17 et du scientifique. (j’aime bien cette définition)

      Statut

      Dans l’Antiquité gréco-romaine ceux que l’on nomme aujourd’hui artistes « ont cherché à s’élever au-dessus de cette condition commune [...] en écrivant des traités sur leur art » (Agnès Rouveret18). Aristote, évoquant « ceux qui furent exceptionnels19 », les caractérisait par leur mélancolie20. Plus tard, du XIIIe siècle au XVe siècle européen, le statut social de l’artiste se résume essentiellement à celui de simples artisans ou domestiques de cour21.

      Mais, au cours de la Renaissance italienne, l’image des artistes est façonnée par des personnalités telles que Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange, dont l’influence sur leurs contemporains dépasse ce qui a précédé, ainsi que par l’apport de théoriciens comme Castiglione, Dante, Cennini, Ghiberti et Alberti22 inscrivant le « pouvoir créateur de l’esprit humain23 » au cœur de la culture humaniste.
      Points de repères notables

      En 157124, un fait marquant est le décret pris par Côme de Médicis exemptant les peintres et sculpteurs florentins d’appartenir à une corporation. Cela est, huit ans après la fondation de l’Accademia del Disegno par Giorgio Vasari25, un des prémices de la fin du système médiéval des guildes d’artistes et de leurs accès au rang d’hommes de science26.

      De même, trois personnages sont significatifs de la transformation du statut des artistes en occident, entre le Moyen Âge et la période contemporaine : Albrecht Dürer affirmant la « valeur ajoutée » qu’il apporte à l’œuvre, au-delà de la qualité des matériaux ; Nicolas Poussin, avec sa célébrité inédite, obligé de fuir ses commanditaires ; et Pierre Paul Rubens pour l’importance prise par la vie sociale et intellectuelle, autour de l’artiste, désormais concurrente de l’œuvre elle-même27.

      Avec Vincent van Gogh, la représentation que l’on se fait de l’artiste se combine avec l’ancien mythe du poète maudit28, très vivant depuis le XIXe siècle, vers une figure de l’artiste en martyr, en marginal. Cela alors que dès les années 1920, Marcel Duchamp29, tirant les conséquences de la mort d’une certaine conception de l’art30, voire du discrédit des artistes concernés, envisage que « chacun serait un artiste, mais méconnu en tant qu’artiste31 ».
      Sociétés modernes

      La sociologue Nathalie Heinich32 propose plusieurs angles pour comprendre la place des artistes dans les sociétés modernes : « conditions de travail, statut juridique, encadrement institutionnel, position hiérarchique, catégorie d’appartenance, fortune, mode de vie, accès à la notoriété, critères d’excellence, représentation qu’eux-mêmes, et les autres, se font de leur position – et jusqu’à leur caractère ou leur aspect physique... »

      La France, par le code général des impôts33 et les organismes de sécurité sociale (La Maison des artistes et AGESSA), définit administrativement une ébauche de statut professionnel social et fiscal de l’artiste actuel. En date de 2012, en France, l’artiste est un indépendant34 soumis à un régime social et fiscal original.

      Dans mon entourage perso la plupart des artistes plasticiens que je connais sont des enseignants et ils formaient une espèce de caste. Je dis formaient parce que l’un d’eux (L.) a disparu, puis l’une d’elle (S.) ce qui fait que maintenant le groupe a éclaté (et il a encore plus éclaté quand j’ai révélé mon agression par un « pote » musicien puisqu’on m’a reproché d’avoir parlé). Je me souviens que L. aimaient organiser des expo dans des lieux inhabituels. J’avais participé à la première à l’époque où je bidouillais la photo. Par la suite, il m’a exclu en organisant des expos entre anciens des beaux-arts (je viens des arts graphiques) au grand étonnement des autres mais j’ai pas cherché à m’imposer je ne sais pas si c’était pas une petite vengeance parce que j’avais mis fin à notre relation. Bref.
      Politiquement c’est un groupe situé à gauche qui participait plus ou moins aux manifestations ouvrières. Ici les artistes les plus actifs dans les manifs sont des théâtreux et les absents sont les musiciens.

      Par ailleurs, je constate que les quelques artistes plasticiens que je connais qui vivent de leur art sont des personnes qui ont trouvé deux trois pistes de travail qu’ils déclinent à l’infini. Parfois ça reste créatif, mais parfois c’est un peu ronron.

    • J’ ai emprunté à la médiathèque un #roman_graphique de Giacomo Patri - Col blanc (White collar) publié une première fois en 1940. Né du krack boursier de 1929 et de la crise économique qui l’avait suivi.

      « Le roman en images, une forme inspirée à l’origine par les films muets, est un défi pour l’illustrateur. Comme les images sont en général susceptibles d’une interprétation plus large que la prose, chaque dessin de la séquence doit fonctionner non seulement comme une composition close sur elle-même, mais aussi comme une sorte d’écriture hiéroglyphique. La page fonctionne comme un rideau que l’on lève, réservant chaque fois de nouvelles surprises visuelles. Pendant la Grande Dépression, le genre s’est épanoui avec des illustrateurs tels que Lynd Ward, Otto Nïckel et Giacomo Patri, tous auteurs de magnifiques romans en images. » Art Spiegelman.

      La préface de l’auteur à l’édition de 1975 est également très éclairante - les notes de l’éditeur sur l’édition française, aussi. Dans cette préface #Giacomo_Patri dit qu’après une large distribution de son livre à une convention de la CIO ( Congres of Industrial Organisation, le plus important syndicat américains ) "... pour la première fois, je me confrontais à la réalité. La vie est un travail et la réussir est une lutte."

      Ce « roman en images » raconte la vie quotidienne, les espoirs brisés d’une famille de la classe moyenne américaine durant la Grande Dépression. Dans un style inpsiré de l’expressionnisme allemand et du cinéma muet, Giacomo Patri a réalisé une bande dessinée sans parole qui frappe par sa force, sa beauté épurée et sa radicale modernité. Col blanc est un véritable chef-d’oeuvre oublié, un des premiers « romans graphiques » américains, où Patri réussit en images ce que Steinbeck a fait avec des mots : un puissant documentaire social, sombre et saisissant, qui est aussi un hymne à la solidarité de tous les exploités.

      des #cols_blancs comme des #cols_bleus.

      Giacomo Patri (1898-1978), illustrateur et activiste, fils d’un barbier-coiffeur italien émigré aux Etats-Unis, fonda notamment le premier syndicat des artistes de Californie.

      http://www.editions-zones.fr/spip.php?article17

    • Drame du quotidien dans le #monde_du_travail : depuis 11 ans, chaque matin, une autrice est agressée au vu et au su de tous. Contre son gré, elle reçoit en pleine face la cruelle réalité de sa vie de #travailleuse_indépendante. Jusqu’alors, la résistante réussissait le tour de force de dignement se relever et sourire de toutes ses dents à ses cyniques tortionnaires. En 2016, elle a décidé de rendre coup pour coup avec la série en deux volumes Des croûtes aux coins des yeux. Dans ce second opus, la rigolarde piétine purement et simplement le syndrome de Stockholm en chantant à tue-tête des hymnes punks et met à nu tous ces personnages en les affublant de têtes de mort (plus nu, tu peux pas). Ça cause beaucoup de style, de dessin, de bande dessinée et d’introspection, de changement de direction dans le #travail_artistique (avec le passage à la linogravure), mais aussi d’actualité et de politique : les années 2013 à 2016 auront donné matière à s’énerver. Des croûtes aux coins des yeux finira en beauté - et en ultime pied de nez avec le refus de l’autrice d’être faite « chevalier des Arts et Lettres » par le #ministère_de_la_Cuculture.
      En creux, surtout, on y lira la cartographie mentale, sociale, d’une autrice farouchement soucieuse de son indépendance et de son intégrité artistique se débattant face au monde contemporain et ses reculades sociales, sa gestion purement comptable des citoyens, de l’Art et des idées. Des croûtes aux coins des yeux est un laboratoire in vivo, bouillonnant d’idées et de spontanéité, salvateur et fort en gueule.

      http://6pieds-sous-terre.com/collection-monotreme-mini/tanx-des-cro%C3%BBtes-aux-coins-des-yeux/-u2215

  • LE REGARD MODERNE Une librairie sans fard | Gonzaï
    http://gonzai.com/le-regard-moderne-une-librairie-sans-fard

    Sans rien dire, le grand Jacques s’en est allé ce samedi 1er octobre. Si les raisons de son décès sont encore inconnues, trois choses sont sûres : il était à la fois l’un des plus vieux libraires de Paris, indéniablement l’un des plus underground, et il manquera à ce qui reste du Paris des cartes postales. Au moment où l’une longue page se tourne, nous avions envie de lui rendre hommage avec une interview réalisée en avril 2012.

    #regard_moderne #rip

    • « Jacques Noël s’est éteint la nuit dernière, dans la nuit du 30 septembre au 1er octobre 2016.

      Il tenait Un Regard moderne, la librairie la plus incroyable, la plus atypique, la plus bordélique, la plus surprenante, la plus alternative, la plus punk du monde !

      Pour lui rendre hommage, l’INqualifiable invite celles et ceux qui l’ont connu à raconter un moment passé avec lui à la librairie, à raconter leur première fois (on n’oublie pas la première fois qu’on est entré au Regard moderne), ou les suivantes, ou la seule, à dire ce que Jacques Noël a accueilli comme revues, fanzines, gravures, petite maison d’édition… et tous les objets venus du DIY, du bidouillage, de l’auto-édition et de la création indépendante, underground, discrète, poétique, pornographique, et toujours iconoclaste

      Ce témoignage (photos, textes, dessin…) sera publié en hommage dans le numéro spécial punk de l’INqualifiable qui sera bouclé fin octobre où un dossier sera consacré à l’irremplaçable Jacques et à sa magnifique librairie.
      Vous pouvez adresser vos propositions à redac@linqualifiable.fr

      https://vimeo.com/40229622

      via les âmes d’atala : http://zamdatala.net

    • CI-GÎT NOTRE CŒUR
      Par CheriBibi, le 4 octobre 2016

      L’an deux-mille seize du calendrier crétin aura été fatal à un certain nombre de hérauts de cette culture populaire qui nous anime et nous porte : Rico Rodriguez, Muhammad Ali, Prince Buster, Herschell Gordon Lewis, Siné… Leurs images, sons et messages nous ont nourris, et grandement façonnés. Mais il en est un, par bien des aspects encore plus proche, dont la disparition laisse ce genre de vide que l’on sait impossible à combler.
      Car Jacques Noël, libraire au Regard Moderne et figure du Paname qu’on adore, était un puit de connaissances dans lequel on ne se lassait pas de puiser. Un phare pour qui cherche ses lectures au-delà du brouillard médiatique. Un relais entre tous les barrés de l’autoproduction sur papier. Or il est décédé soudainement, dans la nuit du 30 septembre au 1er octobre.
      Je l’ai appris, ironie du sort, à une rencontre de fanzines dans un rade de Montreuil, ce même 1er octobre. Et devoir se dire que l’on ne pourra plus l’apercevoir fumer sa clope devant son bouclard et sourire imperceptiblement à notre approche est plus brutal et inqualifiable que d’enlever ses roulettes à un cul-de-jatte globe-trotter.
      À force d’y passer et d’y taper le bout de gras des heures avec le taulier, je ne me souviens plus exactement quand ai-je pénétré pour la première fois l’antre bibliophile du 10, #rue_Gît-le-Cœur. Ce devait être à l’aube des années 1990. Pratiquant divers arts martiaux dans un dojo du quartier, à un quart d’heure de RER de ma banlieue, je profitais du reste de la journée (les entraînements ayant entre autres lieu le samedi morninge) pour squatter disquaires et libraires amalgamés entre la rue des Écoles et les environs du Boul’Mich’.
      La petite rue où Jacques se planquait était toute droite sortie d’un bouquin de Jacques Yonnet, et le nom de son magaze, Un Regard Moderne, avait peut-être dû me rappeler le supplément homonyme de Libé réalisé circa 1979 par la bande à #Bazooka, dont mon dab avait conservé quelques exemplaires entre deux Métal Hurlant. Plus certainement, les nombreuses couvertures de billustres mystérieux en vitrine m’avaient aimanté inexorablement…
      Puis une fois à l’intérieur, bordel ! Bordel. Oui, mais organisé. Façon planque tout en bouquins façonnée par Gaston Lagaffe pour s’isoler du tumulte alentour, le genre de piaule pour rêve de gamin : des piles et des piles d’ouvrages incroyables soutenant d’autres piles d’ouvrages improbables où il fallait se déplacer à tâtons, les yeux farfouilleurs et le geste mesuré (qui n’y a jamais rien fait tomber n’y est jamais allé !).
      Dans la minuscule pièce de droite, il y avait une micro-galerie où s’exposaient des dessinateurs tout aussi improbables (vers le début des années 2000, mon ex-compagne Shîrîn Chavannes eut d’ailleurs cet honneur). Puis, plaintes de passants bigots faisant loi, l’espace d’expos irrévérencieuses avait disparu sous d’autres piles de bouquins tout aussi vénéneux.
      Du temps de mes premières visites, Jacques, guère prolixe quand il ne connaissait point le quidam, m’avait paru franchement bougon. Ce serait gonflé de ma part de lui en tenir rigueur sachant qu’alors ado banlieusard fauché prenant Paname pour un self-service, j’ai bien dû lui chourrer quelques bricoles au passage… Faut dire que pour des affamés comme nozigues, Le Regard Moderne était la plus merveilleuse pâtisserie dont un boulimique pourrait rêver : BD cochonnes (ou pas), pamphlets situationnistes, encyclopédies punks ou cinéphiles, monographies Dada, recueils d’illustrateurs de pulps amerloques ou d’affiches féministes, zines introuvables presque partout ailleurs (ah, Ciné Zine Zone, Psychotronic Video, From Parts Unknown, Naked, Outré !), graphzines sérigraphiés (ah, Henriette Valium !), cahiers de coloriage Black Panthers (!), voire VHS pirates de concerts des Cramps… Bref, la caverne d’Ali Babel dont on ne pouvait faire le tour malgré l’exiguïté !
      Oh, rassurez-vous, j’y ai vite délesté mon larfeuille à répétition, échangeant avec gourmandise du papier-monnaie contre des trucs vachement mieux imprimés. Et puis aussi vite déposé notre petit fanzine.
      L’année dernière, on a d’ailleurs fêté la sortie du nouveau #ChériBibi devant sa porte. Même qu’il pleuvait, ce qui a rendu l’entreprise périlleuse. Qu’importe, il en a vendu quelques exemplaires de plus que d’habitude et, comme d’habitude, je l’envoyais balader quand il voulait nous les payer.
      Bon, c’est peut-être pas des choses qu’il faudrait écrire, des fois que tous les libraires en galère (pléonasme) nous diffusant se sentent des ailes pour oublier de passer à la caisse… Mais désolé, ces derniers le savent aussi bien que moi, Jacques tenait à bouts de bras et d’échelle en bois une librairie à nulle autre pareille dont l’existence justifiait à elle-seule notre décision d’oublier systématiquement la facture quand il demandait du réassort. Un endroit unique où j’ai tout autant systématiquement ramené chaque potes en visite dans la capitale de la France (tu voulais que je les emmène où ? Voir la tour Eiffel ?). Un refuge menacé qu’il fallait vitalement préserver à l’heure où tout un chacun peut commander l’improbable sur Internet et où même la Fnac s’est mise à vendre des bouquins sur le ciné bizarroïde et les catcheurs mexicains des années 60. Un havre pour curieux véritables. Et dans ce monde formaté, la curiosité est révolutionnaire.
      Que tous ceux l’ayant également côtoyé me pardonnent de ne pas pondre une nécro dans les clous et d’écrire en roue libre, l’émotion en bandoulière… Pas non plus le cœur et la gniaque de fournir plein de liens virtuels pour compléments d’infos biographiques sur l’ami Jacques. Faites comme dans sa librairie : cherchez et trouvez par vous-même.
      Ce qui est sûr, c’est que le prochain ChériBibi, avant même d’être né, est déjà orphelin de son dealer préféré. Cette fois, c’est avéré, #le_père_Noël_est_mort.

      http://www.cheribibi.net/2016/10/04/ci-git-notre-coeur

  • SCOTTSBORO ALABAMA de l’esclavage à la révolution
    Lin Shi Khan et Tony Perez - L’échappée
    Roman graphique
    http://www.lherbeentrelesdalles.fr/medias/vitrine/novembre2014/scottsboro.html

    1931, Scottsboro, Alabama : neuf jeunes Noirs sont injustement accusés d’avoir violé deux femmes blanches à bord d’un train de marchandises. Arrêtés et condamnés en quatre jours, huit d’entre eux risquent la chaise électrique.
    Ce recueil de 118 #linogravures offre un point de vue inédit sur la bataille juridique et politique pour leur défense, l’une des plus célèbres de toute l’histoire américaine. Au-delà d’une simple dénonciation du #racisme en vigueur dans le Sud des États-Unis, les auteurs ont voulu inscrire cet épisode dans le temps long de l’histoire de l’esclavage, et transformer ainsi le combat en faveur des « neuf de #Scottsboro » en une lutte plus large pour la construction d’une société communiste.
    Document rare sur la lutte des classes et les combats pour l’égalité raciale dans l’Amérique des années 1930, tout autant qu’œuvre graphique exceptionnelle, ces gravures réalisées à Seattle en 1935 ont été éditées aux États-Unis pour la première fois en 2002.


    #livre