person:ariane mnouchkine

  • Il y a ciquante ans, en 1968 Peter Brook publie L’Espace vide

    I CAN take any empty space and call it a bare stage. A man walks across this empty space whilst someone else is watching him, and this is all that is needed for an act of theatre to be engaged. Yet when we talk about theatre this is not quite what we mean. Red curtains, spotlights, blank verse, laughter, darkness, these are all confusedly superimposed in a messy image covered by one all-purpose word. We talk of the cinema killing the theatre, and in that phrase we refer to the theatre as it was when the cinema was born, a theatre of box office, foyer, tip-up seats, footlights, scene changes, intervals, music, as though the theatre was by very definition these and little more.

    I will try to split the word four ways and distinguish four different meanings—and so will talk about a Deadly Theatre , a Holy Theatre , a Rough Theatre and an Immediate Theatre . Sometimes these four theatres really exist, standing side by side, in the West End of London, or in New York off Times Square. Sometimes they are hundreds of miles apart, the Holy in Warsaw and the Rough in Prague, and sometimes they are metaphoric: two of them mixing together within one evening, within one act. Sometimes within one single moment, the four of them, Holy, Rough, Immediate and Deadly intertwine.

    Peter Brook: ’To give way to despair is the ultimate cop-out’ | Stage | The Guardian

    Sixty-five years ago, Kenneth Tynan identified the qualities of a young Peter Brook as “repose, curiosity and mental accuracy – plus, of course, the unlearnable lively flair”. Now 92, Brook may walk more slowly than he did but those gifts are still abundantly there. He is as busy as ever, with a new book full of aphoristic wisdom, Tip of the Tongue, and a new stage project, The Prisoner, due to open in Paris next year.

    When we meet in London, he has just caught up with a revival of Stephen Sondheim’s Follies at the National Theatre, which he calls “one of the greatest musicals I’ve ever seen – a perfect combination of palpable emotion and dazzling spectacle”. To those who think of Brook as some kind of theatrical monk, dedicated to empty spaces and a refined austerity, his rapture over Follies may come as a shock. But Brook’s early career embraced everything from Shakespeare and boulevard comedy to opera and musicals. He directed Irma La Douce in the West End and Harold Arlen’s House of Flowers on Broadway.

    While a new generation may be unaware of the diversity of Brook’s career, he has never forgotten his roots. We meet shortly after the death of his old friend, Peter Hall. “One of Peter’s supreme qualities,” he says, “was charm – and it was something I saw in two now forgotten figures of British theatre who shaped my life. One was Sir Barry Jackson, a fine old English gentleman who came from a Midlands dairy-owning business, founded Birmingham Rep and took over the theatre in Stratford, where he asked me to direct Love’s Labour’s Lost when I was only 21. In his way, he was a quiet revolutionary.

    “The other big influence was the West End producer Binkie Beaumont who had that mysterious thing called taste. If Binkie wanted me to change some detail of lighting, costume or design, he would ring up and say, ‘You do see, don’t you?’ in a way you couldn’t argue with. All these figures had a charm that, in the theatre, achieves far more than tantrums or bullying.”

    If it’s a quality Brook recognises, it’s because he clearly possesses it. But his current preoccupation is with the sometimes irreconcilable differences between the French and English languages. Given that he has made Paris his base since 1971, when he founded the International Centre for Theatre Research, it is a subject on which he has necessarily become an expert. Do the differences between the two tongues make the translation of Shakespeare into French virtually impossible?

    “Not impossible but certainly very difficult. Take a famous phrase from Macbeth, ‘Light thickens.’ You can turn that into French, as Ariane Mnouchkine did, as, ‘La lumière s’epaissit.’ But the well-trained Cartesian French mind is unable to cope with the illogicality of the thought. A British actor will savour every syllable of a Shakespearean line while a French actor will drive to the end of a sentence or a speech with a propulsive rhythm: the thing you never say to a French actor is, ‘Take your time.’ The one translator I’ve worked with who overcomes these obstacles is Jean-Claude Carrière. He has the ability to render the underlying idea rather than the precise words and whose language has the clarity of a freshwater spring.”

    Brook understands what divides cultures. As he says in his book, “if in English we speak words, the French speak thoughts”. Yet he also sees common factors, especially in the universal search in actors for ever greater self-disclosure. “If we were transported back to the Elizabethan theatre,” he says, “I think we’d be shocked by the crudity and coarseness of what we saw. Over the centuries, there has been a quest for finer acting but, when I started out, the theatre was still a place of artifice. It was the age of grand design by people like Oliver Messel and Cecil Beaton, of big wigs and heavy makeup. What we see now, partly because of the influence of the camera and smaller stages, is a stripping away of the layers of pretence until the personality of the actor becomes visible.”

    That may be true but isn’t something being lost – above all, the delight in impersonation? “You obviously have to reconcile inner depth with outer skill but I think back to some of the actors I have worked with. With Olivier, there was nothing he couldn’t do as an actor except to reach the deepest sources of humanity itself. Gielgud, in contrast, had little of Olivier’s gift of impersonation but the fine, pure, sensitive heart of the man himself was always there. Scofield, too, had that same gift for revealing his inward self.”

    I find myself questioning Brook’s argument. I can think of one particular Olivier performance where, confronted by the extremes of human suffering, he seemed to dive into his very soul to call up cries of monumental despair. The production was Titus Andronicus at Stratford in 1955. The director? None other than Brook himself.

    Given Brook’s belief in acting as a form of self-revelation, I’m intrigued to know how he feels about gender-fluid casting. “I’d answer that,” says Brook, “by pointing out how I worked consistently from 1971 to break down all the racial stereotypes in casting not by declarations of intent but by everyday practice. I think the same applies to issues of gender. You can change things not by preaching but by doing – or, as they used to say to me when I worked in Germany, ‘Just get on your horse.’

    “I’d only add that since men have exploited and abused women for centuries, we should applaud any movement that attempts to rectify the injustices of history. Did you see Glenda Jackson as King Lear? I’ve only seen a few moments of it on screen, but what struck me was that Glenda made no attempt to impersonate masculinity but simply brought her own unique qualities to the role in a way that transcended gender.”

    Possibly the most resonant statement in Brook’s new book concerns the impact of live performance. “Every form of theatre,” he writes, “has something in common with a visit to the doctor. On the way out, one should always feel better than on the way in.” But “better” how? Physically, spiritually, morally? “I think this derives from the artist’s sense of responsibility to the audience,” he says. “People have entrusted themselves to you for two hours or more and you have to give them a respect that derives from confidence in what you are doing. At the end of an evening, you may have encouraged what is crude, violent or destructive in them. Or you can help them. By that I mean that an audience can be touched, entranced or – best of all – moved to a silence that vibrates round the theatre.

    “You can, of course, encourage an audience to participate through joy, as happened in Follies. But I was struck by how when we toured Battlefield” – drawn from The Mahabharata and dealing with the apocalyptic impact of a great war – “around the world, on good nights there was that moment of tingling silence that suggested we had reached out to the audience.”

    But theatre does not exist in a vacuum. Brook has lived through more international crises than most of us. Has he ever been tempted to throw up his hands in horror at a world filled with nuclear threats, environmental disasters and political malfunction from Trump to Brexit? He answers by talking at length about the Hindu philosophy of Yugas in which world history goes through cycles from a golden age to one of darkness in which everything is chaos and turmoil. The point is that the wheel eventually turns and humanity renews itself.

    All very well in the long term but, in the meantime, how do we survive? “We swim against the tide,” says Brook, “and achieve whatever we can in our chosen field. Fate dictated that mine was that of theatre and, within that, I have a responsibility to be as positive and creative as I can. To give way to despair is the ultimate cop-out.” That seems the distilled philosophy of a director who miraculously still retains the curiosity that Tynan singled out a lifetime ago.

    #théâtre #théorie

  • Revue de presse du 15.08 au 18.08.18

    Pourquoi un agriculteur se suicide-t-il tous les deux jours ?

    Une yézidie, ex-esclave de l’EI, croise son bourreau en Allemagne

    Les tirs de policiers en forte augmentation en France

    « Plus on est riche, plus on pollue »

    « Contrôler davantage les flux migratoires »

    Au Brésil, des camps de migrants vénézuéliens attaqués par des voisins en colère

    « La Chine s’entraine à viser des cibles américaines »

    Le cas de la négrophobie au sein des pays du Maghreb

    Prisonniers politiques en Russie : Oleg Sentsov n’est pas le seul

    « La loi de 2004 sur les signes religieux ostentatoires a manqué sa cible »

    Ariane Mnouchkine, triste, dénonce « une injonction »

    Grandeur et décadence des coopératives de consommation




    publié par DIDIER MÉREUZE, le 18/04/2013 à 14h40
    consulté le 03/06/2018

    Fondée avec la complicité d’#Ariane_Mnouchkine et du #Théâtre_du_Soleil, la troupe de #Kaboul s’installe à la Cartoucherie pour conter les chemins de l’#immigration.
    La Ronde de nuit
    par le Théâtre Aftaab
    Théâtre du Soleil, Cartoucherie de Vincennes
    Les comédiens afghans d’Aftaab ont retrouvé la Cartoucherie de Vincennes et le Théâtre du Soleil à l’origine de leur histoire. Conviée, en 2005, à diriger en stage des artistes de Kaboul, Ariane Mnouchkine les avait engagés à fonder une troupe. Sur les 250 participants, une vingtaine se lancèrent dans l’aventure, baptisant leur théâtre « Aftaab » – « Soleil » en langue dari.

    Depuis la formation de cette troupe, les comédiens du Théâtre du Soleil se rendent régulièrement à Kaboul afin d’assister les comédiens d’Aftaab dans leur mise en scène. En 2008, la troupe afghane est invitée à la Cartoucherie pour présenter leurs mises en scène du Tartuffe de Molière et du Cercle de craie caucasien de Brecht. L’année suivante, ils sont à nouveau conviés afin de travailler sur leur première création, qui cherche à illustrer la vie quotidienne de l’Afghanistan des talibans : la #Ronde_de_nuit, qui narre la vie d’un gardien de théâtre afghan. Cette pièce est pour les comédiens Afghan l’occasion de témoigner, auprès de la « France des droits de l’homme », d’eux mêmes et de leur existence. Le gardien du Théâtre du Soleil, chargé par Ariane de veiller sur les archives et les décors, se retrouve soudain au beau milieu d’une cohorte d’Afghan sans papier qui cherchent un endroit où passer la nuit à l’abri de la neige et du gel. D’autres personnages viennent s’ajouter aux réfugiés : « un sympathique policier humaniste, une prostituée au grand cœur, un SDF qui vient prendre sa douche, une jeune femme temporairement hébergée par le Soleil… »

    Bruissante, frémissante, une humanité s’agite, en proie aux peurs, aux angoisses, aux difficultés du quotidien, à la douleur de la séparation. Décidée à se battre, à survivre, à connaître enfin (ou retrouver) le bonheur, être libre.

    Cette pièce s’inspire en partie du vécu des acteurs (le gardien de nuit du théâtre du soleil est réellement un immigré afghan), elle a été construite à partir de leurs souvenirs et de leurs improvisations. Selon un témoignage de Shuhra Sabagny, l’une des actrices de la Ronde de nuit, les membres de la troupe ont désiré mettre en lumière la condition de ceux qui, contrairement à eux, n’ont pas la chance d’avoir obtenu des papiers et un travail en France, tout comme ils ont souhaité rendre hommage aux français qui les ont aidés. Malgré leur rêve de retourner dans leur pays, cette perspective leur semble lointaine, voire impossible. À titre d’exemple, lorsque Haroon Amani, l’un des membres d’Aftaab, s’est rendu en Afghanistan, il a dû prétendre travailler dans un atelier de couture au Pakistan, parce qu’il aurait encouru des risques et aurait probablement mis en danger son entourage.

    Mon commentaire sur cet article :
    L’expérience de la troupe Aftaab nous montre dans non seulement à quel point la censure de l’art est forte dans des pays tels que l’Afghanistan, mais elle nous apprend également et surtout le pouvoir que des pays comme le nôtre ont de faire changer les choses. Si nous pouvons, en effet, agir individuellement en aidant des immigrés à échapper à la tyrannie ou à la pauvreté de leur pays et à s’intégrer aux nôtres, les états les plus libres et le plus développés ont en outre le pouvoir, si ce n’est le devoir, d’aider les pays en difficulté à sortir des situations de crise.


    Ariane Mnouchkine et l’hymne aux #Lumières : « Je poursuis l’#utopie depuis 50 ans »
    publié le 02/02/2015
    consulté le 16/04/2018 à 19h00

    Sulla strada dell’utopia Ariane Mnouchkine è in marcia da oltre mezzo secolo. E se tanti nel frattempo si sono perduti, tornati indietro, preso vie laterali più comode, peggio per loro. A cambiare il mondo lei non rinuncia. Nemmeno ora che i riccioli sono candidi e il bel viso severo porta le rughe di molte battaglie per l’integrazione e l’accoglienza. Per i sans papier, gli esuli afghani e tibetani, i rifugiati politici di ogni parte del mondo.

    À la recherche de l’utopie depuis près d’un demi-siècle, Ariane Mnouchkine est décrite dans cet article comme une icône du théâtre, le plus grand metteur en scène d’Europe. Le #Théâtre_du_Soleil, installé depuis 1964 à Paris, dans une ancienne fabrique de munitions, la Cartoucherie, œuvre en faveur des sans papiers, des exilés afghans ou tibétains et des réfugiés politiques du monde entier ; dans une époque pourtant encline à la perdition, au retour en arrière et au choix de la facilité, Ariane Mnouchkine ne renonce pas à changer le monde. Selon cette dernière, « l’#égalité n’est pas un mot abstrait » (« l’eguaglianza non è una parola astratta ») : elle comprise, toute la communauté du théâtre du soleil participe aux décisions et touche le même salaire. Inspirée des lumières et mue par un idéal de tolérance, Ariane Mnouchkine et le Théâtre du Soleil sont en outre lauréats de nombreux prix (Molières, pris Nonino...). Elle s’inspire en partie de monuments classiques, allant des œuvres d’Eschyle à celles de Shakespeare, qu’elle transpose dans diverses cultures, souvent orientales ; nombre de ses pièces ont également comme thème des sujets controversés, allant de la guerre d’Iraq à celle de Syrie, en passant pas les exils tibétain, afghan ou palestinien. Le Théâtre du Soleil transmet en outre ses idées à travers sa forme même : ouvert à tous et à toutes nationalités, les acteurs rencontrent les spectateurs à l’issue de la pièce à l’occasion d’un repas convivial. Le Théâtre du Soleil prône donc un idéal dont les seules limites sont la conscience et le respect de l’autre, la justice, la solidarité.

    Mon commentaire sur cet article :
    Cet article présente avec fidélité l’idéal poursuivi par Ariane Mnouchkine : celui de l’humanisme. Le Théâtre du Soleil se veut un exemple d’égalité et de tolérance pour ses spectateurs, autant par le sujet de ses pièces que par la diversité de sa production et des troupes qu’il convie à la Cartoucherie.
    Cependant, les propos rapportés d’Ariane Mnouchkine me paraissent trop généraux, l’article n’insiste pas assez sur les actions concrètes du Théâtre du Soleil afin de mettre en pratique cet idéal utopique dans les pays et pour les personnes qui en ont besoin.

    publié le 07/03/2010 à 14h00
    consulté le 03/06/2018 à 16h00

    ARIANE MNOUCHKINE magnifie l’ultime saga humaniste de Jules Verne en une brillante fête de théâtre.
    Son génie, elle le réserve à la générosité du manifeste politique contenu dans l’ultime roman de Jules Verne. Pour lui, elle ose un retour au théâtre expressionniste du temps du muet dans un éblouissant hommage aux pionniers du 7e art. Alors, dans des décors montés à vue et sous l’œil d’une antique caméra à manivelle, Ariane Mnouchkine se fait magicienne pour redonner vie à ces illustrations des éditions Hetzel qui nous firent tant voyager enfants. Sur les musiques de Jean-Jacques Lemêtre, l’opérette se mue en un opéra sans parole qui, usant de simples cartons pour les dialogues, nous propulse dans l’aventure de la naissance de ce phalanstère idéal créé par des naufragés sur une île perdue entre Patagonie et Terre de Feu. Et le rêve d’Ariane de cette petite lumière d’un phare du bout du monde témoignant d’une humanité capable d’égalité et de fraternité devient alors le nôtre.

    Cet article est une critique de l’une des nombreuses pièces du #Théâtre_Du_Soleil : Les naufragés du fol espoir, inspirée du roman de Jules Verne, Les naufragés du Jonathan. Ariane Mnouchkine met en scène une Europe précipitée vers le carnage de 14-18 : la temporalité de la pièce se situe entre l’attentat de Sarajevo et l’assassinat de Jean Jaurès, jusqu’à la déclaration de guerre. Les personnages, dans un décor monté au vu du spectateur et sur les musiques de Jean-Jacques Lemêtre, participent au tournage d’un film muet inspiré du roman de Jules Verne. Cette pièce prend la forme populaire de l’opérette pour faire passer, grâce à la mise en abyme, un message aussi politique qu’humaniste : le motif de l’utopie, à travers une société idéale créée sur une île par des naufragés.

    Mon commentaire sur cet article :
    J’ai choisi cet article pour présenter le travail d’Ariane Mnouchkine, dans la mesure où celle-ci reste convaincue que le théâtre peut être le lieu d’une utopie, c’est-à dire un moyen de véhiculer des idées humanistes telles que la paix et l’entre-aide. Le célèbre Théâtre du Soleil, installé a la cartoucherie, s’est en effet donné comme mission de transmettre ce message, aussi bien de manière métaphorique, avec ses pièce de théâtre, que pratique : le théâtre du soleil accueille de nombreuses troupes étrangères (notamment indiennes) et partage son savoir-faire et ses convictions dans le cadre de l’école nomade en proposant des stages de théâtre à l’étranger. Je m’intéresserai en outre, à l’occasion d’un prochain article, à la troupe Afghane Aftaab, fondée à l’issue d’un stage dirigé par Ariane Mnouchkine et la troupe du soleil à Kaboul en 2005.
    Je trouve cet article intéressant dans la mesure où il illustre bien le parti pris idéologique du Théâtre du Soleil et le message qu’Ariane Mnouchkine cherche à faire passer dans la plupart de ses pièces. Non seulement le théâtre peut permettre une prise de conscience des difficultés de certains pays pauvres (ce n’est pas le cas dans les naufragés du fol espoir, mais dans l’œuvre d’Ariane Mnouchkine), mais le Théâtre du Soleil offre également à des populations défavorisées (comme c’est le cas en Inde ou en Afghanistan) la possibilité de s’ouvrir à l’univers particulier du théâtre, qui devient un échappatoire et, comme c’est le cas de la troupe Aftaab, un moyen de se soustraire aux conditions difficiles des pays dont elles sont issues.

  • Cannes 2018 : l’hiver forcé du réalisateur russe assigné à résidence Kirill Serebrennikov

    Absent sur la Croisette, le cinéaste russe est en compétition avec son film « Leto » (l’été), consacré à une figure de l’underground.

    Absent à Cannes, invisible à Moscou. Arrêté une nuit d’août 2017 à Saint-Pétersbourg en plein tournage de son film Leto (« l’été »), Kirill Serebrennikov n’assistera pas à l’entrée en compétition sur la Croisette, mercredi 9 mai, de ce long-métrage consacré au chanteur rock Viktor Tsoi, figure underground des temps soviétiques crépusculaires. Depuis neuf mois, le metteur en scène et cinéaste russe, accusé de détournements de fonds ­publics, vit reclus dans son petit appartement moscovite, en ­résidence surveillée. Ses amis soupirent, son public se désole. C’est un « maître » de la scène russe, disent-ils, que l’on contraint à jouer dans une mauvaise pièce.

    Une farce qui éreinte cet artiste de 48 ans à l’énergie redoutable, muselé par un procès à l’issue incertaine, malgré ses plaidoyers d’innocence. « Je n’ai commis aucun crime », répète-t-il à ­chacune de ses audiences au ­tribunal, visage tendu derrière des lunettes sombres.

    Il est si ­facile, en Russie, de poursuivre n’importe quel dirigeant artistique, dépendant comme tout un chacun, ici, des subsides de l’Etat… La preuve en est : hormis des témoignages de solidarité, aucune révolte n’a éclaté. Et, comme si de rien n’était, le ministère de la culture a envoyé un Tweet, le 8 mai, pour souhaiter « bonne chance » aux deux films russes présentés en compétition à Cannes, qui n’en avait plus accueilli depuis 2007. Dont Leto.

    « Un jeune homme de Rostov »

    « Le théâtre russe a été toujours un monument, une cathédrale, et aujourd’hui on peut jouer, faire des expériences, mais, si vous allez trop loin, on vous met dans la “chambre des enfants”, au coin… », dit doucement Alla Demidova. A 81 ans, l’actrice, connue et respectée en Russie, est aussi la « marraine » de Serebrennikov, fière d’exposer chez elle tous les objets qu’il lui rapportait de ses voyages à l’étranger, comme ce collier ­africain de perles noires.

    « A la fin des années 1990, narre-t-elle avec une diction impeccable, je jouais chez Ariane Mnouchkine, à Paris, avec Vassiliev [Anatoli, fondateur du Théâtre-Ecole d’art dramatique de Moscou], quand il m’a tendu les cassettes des spectacles d’un jeune homme de Rostov. C’était… une vision ­inhabituelle du théâtre. » Une ­série pour la télévision sur Les Allées sombres, d’Ivan Bounine [écrivain et Prix Nobel de littérature en 1933], achève de convaincre Alla Demidova : l’inconnu a du talent. « Lorsque Bob Wilson [metteur en scène américain] m’a proposé de travailler sur Le Journal d’un fou, de Gogol, j’ai appelé à Rostov. Au nom de Bob, Kirill m’a tout de suite répondu : “J’arrive.” Il parle l’anglais, il lui a montré ­Moscou, la statue de Gogol. Finalement, le projet ne s’est pas réalisé, mais Kirill est resté. »

    Rien ne prédisposait ce fils ­unique diplômé en sciences physiques, né en septembre 1969 à Rostov-sur-le-Don, tout près de la frontière avec l’Ukraine, d’un père urologue réputé et d’une mère ukrainienne enseignante de russe, à se passionner pour la mise en scène ; rien si ce n’est peut-être ce grand-père maternel réalisateur de documentaires et grand amateur de cinéma. Et, très vite, Kirill Serebrennikov est parvenu à se faire un nom dans un Moscou où le théâtre, avec ses 211 salles et ses 150 troupes, est bien davantage qu’un art, une institution.

    Il devient l’assistant du directeur artistique du MKhAT, le ­Moskovski Khoudojestvenni Teatr, fondé au XIXe siècle par le maître Konstantine Stanislavski, dirige sa propre troupe, le 7e Studio, enchaîne séries télévisées et films, s’inspire du théâtre pour faire du cinéma, ou le contraire, et prend les rênes du vieux théâtre Gogol, qu’il transforme en centre moderne. Ce touche-à-tout, passionné de lecture et de culture, en fait un lieu où les jeunes et la ­société huppée se côtoient, un endroit convivial où l’on peut boire un café, admirer une exposition, consulter un livre, avant de profiter du spectacle. « Je n’ai jamais vu une telle capacité de travail, s’anime Alla Demidova. Il y a beaucoup de théâtres à Moscou mais, pour moi, en cent ans, seuls trois se sont imposés, Taganka avec Loubimov, Sovremennik avec Efremov et Gogol avec ­Serebrennikov. »

    « J’engage des kamikazes »

    Un bel hommage partagé par la jeune génération. Nikita ­Koukouchkine, 27 ans, a joué dans plusieurs de ses pièces après avoir suivi ses cours au 7e Studio. « Quand il m’a recruté, moi et d’autres, il nous a dit : “J’engage des kamikazes.” On a rigolé et puis on a oublié. Ce qui se passe aujourd’hui est une suite logique dans un pays où les réflexes soviétiques n’ont pas encore disparu, bien qu’ils soient à l’agonie », confie l’acteur, en partance pour une tournée à Baden-Baden. « C’est un maître, un enseignant, presque un père, poursuit-il. Avant, le théâtre moderne, avant-gardiste, était plutôt confidentiel. Lui, il organise l’espace, dirige les énergies, ­rassemble des éléments éparpillés et les restitue. » Kirill Serebrennikov dessine même les costumes de ses pièces. C’est un homme pressé, sans cesse sous pression.

    Un trublion critique, aussi, qui n’hésitait pas à se revendiquer homosexuel, à se dire prêt à défiler avec une pancarte « Je suis géorgien » lors de la guerre éclair de 2008 entre la Russie et la Géorgie, à signer des lettres ouvertes pour demander la libération des Pussy Riot, ou à manifester contre le retour au Kremlin de Vladimir Poutine en 2012. « La Russie se comporte comme un gopnik, un loubard pauvre », assénait-il dans la version russe du magazine Esquire, en septembre 2014. « 86 %, c’est le pourcentage de la peur, ajoutait-il, à propos du taux record de popularité de Poutine après l’annexion de la Crimée. Ce n’est même pas du soutien, mais une demande : “Défendez-nous, s’il vous plaît, de la réalité, nous ne voulons rien savoir de terrible ou de mauvais”, car ces gens effrayés devinent que la réalité pourrait entraîner l’effondrement de leur vision du monde. »

    Ces positions n’ont pas empêché le Tout-Moscou, dont le porte-parole du Kremlin, Dmitri Peskov, de se précipiter à la première du ballet Noureev. Déprogrammé en juillet 2017, le spectacle, consacré à la vie du danseur étoile soviétique, mort du sida en 1993 à Paris, avait finalement eu lieu six mois plus tard au ­Bolchoï, où il avait remporté un triomphe. Kirill Serebrennikov était déjà en résidence surveillée. Absent aussi, en février, lors du cinquième anniversaire du Centre Gogol, il avait fait parvenir un enregistrement audio. « Il présentait chacun, il blaguait et cela a duré deux heures !, rapporte Alla Demidova. Mais beaucoup aussi pleuraient. » L’artiste, dont l’assignation à demeure a été prolongée jusqu’en juillet, encourt toujours jusqu’à dix ans de prison.

  • Downsizing (2017) - Official Trailer

    C’est une comédie dramatique bien faite pour un public familial - mais comme d’habitude c’est bourré d’idéologie individualiste pro-chrétienne conservatrice. Du Faust pour les pauvres. Goethe s’adresse à un public d’élite et Hollywood parle aux pauvres mal éduqués. Matt Damon joue un imbécile confronté aux forces idéologiques et climatiques qui le dépassent.

    C’est la rencontre de Candide avec Méphistophélès au 21ème siècle. On n’apprend d’ailleurs jamais dans le film si la catastrophe climatique et réelle, alors qu’elle sert de moteur à l’action.

    Le côté religieux passe encore. Pour un film étatsunien une référence à la foi chrétienne est apparemment inévitable. Où c’est problématique c’est quand le film développe les options accessibles à ses personnages. Il n’ont le choix qu’entre l’adhésion à une secte qui prétend que la fin du mond est proche et une vie de sacrifice qui trouve sa raison d’être dans le secours porté aux malades et infirmes.

    Heureusement il y a le personnage cynique épicurien interprété par Christoph Waltz qui introduit un contre-poids au moralisme insupportable de la trame. Il rappelle Méphistophélès dans Faust « Une partie de cette force qui tantôt veut le mal et tantôt fait le bien. »

    Voici la troisième option qui demeure inaccessible au personnages équipés de la bonté universelle que l’héros du filme peine à découvrir au font de soi : Christoph Waltz incarne la jouissance du criminel cultivé qui ne tombe dans aucun piège et transforme son existence minuscule en party sans fin.

    Dans l’oeuvre de Goethe on découvre souvent des idées qui reviennent chez les néo-libéraux et chez les adeptes d’Ayn Rand, alors on peut regarder le film en tant qu’assemblage de bribes d’histoires inventées par les auteurs européens depuis le siècle des Lumières et s’amuser à identifier quelle grande gueule de la maison blanche actuelle vient de l’évoquer sous forme de lapsus.

    #film #science_fiction

  • Une chaine humaine pour transférer les livres de la vieille bibliothèque vers la nouvelle bibliothèque de Riga

    ’Grāmatu draugu ķēdes’ spilgtākie fotomirkļi - DELFI

    « La jeune lune tient la vieille lune toute une nuit dans ses bras » : c’était une pièce de théâtre magnifique, par le théâtre de l’Aquarium qui était, si je me souviens bien, à la Cartoucherie de Vincennes à côté de l’équipe d’Ariane Mnouchkine, et c’était il y a bien 30 ou 40 ans. Un des acteurs disait : « J’avance, j’avance, mais le problème, c’est que je ne sais jamais si ce sont les orteils qui tirent ou les talons qui poussent » .

    Aujourd’hui, les lettons ont fait un truc marrant : ils ont transféré, grâce à une chaîne humaine, les livre de la vieille bibliothèque vers la jeune bibliothèque (celle qui ressemble à un gros paquebot et dont on voit la silhouette de partout). Ils se sont bien amusés, et pour une fois que l’armée, les flics, les assoss et n’importe qui étaient réunis pour le fun... Qu’est-ce que je regrette de ne pas y avoir été pour filmer.

    #lettonie #riga #bibliothèque #chaine_humaine