« Detroit » face à la critique américaine | Geneviève Sellier
▻http://www.genre-ecran.net/?Detroit-face-a-la-critique-americaine
Detroit, le film de Kathryn Bigelow m’a laissé un certain malaise… La lecture de certaines critiques états-uniennes m’a permis de comprendre pourquoi. Source : Le genre et l’écran
«Detroit»: #Kathryn_Bigelow en terrain miné
▻https://www.mediapart.fr/journal/culture-idees/161017/detroit-kathryn-bigelow-en-terrain-mine
Larry, chanteur des Dramatics (Algee Smith), dans « Detroit ». Sorti cet été aux États-Unis, le film de Kathryn Bigelow consacré aux émeutes de 1967 à #Detroit a fait polémique. Brûlot brutal ou réflexion sur la représentation de la violence ? Analyse.
#Culture-Idées #Algee_Smith #John_Boyega #Mark_Boal #Will_Poulter
Kathryn Bigelow, une guerrière à Hollywood
▻http://www.lemonde.fr/m-actu/article/2017/09/22/kathryn-bigelow-une-guerriere-a-hollywood_5189747_4497186.html
La réalisatrice revendique un cinéma sous testostérone, qui lui a valu plus d’un procès en légitimité. Avec « Detroit », récit des émeutes raciales de 1967, c’est sa couleur de peau qui a été au cœur du débat.
Kathryn Bigelow n’attendait qu’une chose : filmer ce moment. Depuis qu’elle s’était lancée dans le projet de Detroit (en salle le 11 octobre), un film sur les émeutes qui mirent à feu et à sang la ville du Michigan en 1967, la réalisatrice l’avait en tête. Elle avait retrouvé la trace de Larry Reed. Un homme dont la voix suave et délicate aurait dû, en 1967, en faire le chanteur de sa génération. Le jour de leur première rencontre il y a trois ans, il avait désormais près de 70 ans, vivait seul, tenait à peine sur ses deux jambes. « Impossible d’imaginer la vitalité qui l’habitait autrefois », soupire Kathryn Bigelow. Encore moins de déceler le charisme dont il était détenteur.
A 18 ans, Larry Reed était le chanteur d’un groupe de soul, The Dramatics, et venait de signer un contrat avec Motown, le label de Détroit qui produisait Marvin Gaye, The Temptations ou Stevie Wonder. Dans la nuit du 22 au 23 juillet 1967, au Fox Theatre, dans le centre-ville de Détroit, une salle comble l’attendait. Larry Reed allait monter sur scène lorsque l’Histoire l’a rattrapé.
Les émeutes de Détroit venaient d’éclater à la suite d’un raid de la police contre un bar clandestin d’un quartier noir, et la salle du Fox Theatre allait être évacuée. S’ensuivirent cinq jours de violences qui engloutirent dans un gigantesque trou noir le grand soir et les ambitions artistiques de Larry Reed et de sa formation. Quand celui-ci a chanté à nouveau, ce fut dans l’enceinte d’une église. Pour remercier le Ciel d’être encore vivant. Et ne plus rien lui demander d’autre.
Pendant la préparation de Detroit, Larry Reed est retourné sur la scène du Fox Theatre en compagnie de Kathryn Bigelow. C’était la première fois, depuis cette nuit maudite où il était écrit qu’il côtoierait les étoiles. La cinéaste recherchait des détails, une façon de bouger, l’atmosphère d’un lieu pour lui redonner sa vérité lorsque viendrait le moment de le reconstituer.
« Nous nous sommes avancés sur la scène, se souvient-elle. Il y avait seulement lui et moi. Il s’est souvenu de l’énergie du public. Deux ou trois visages de jeunes filles, près de la sortie de secours, l’avaient marqué tant elles étaient jolies. Il lisait l’excitation sur leur visage. » Un bref moment, Larry Reed a eu l’impression de les revoir sur cette même scène. En vrai. Comme des fantômes. Qui se sont évanouis.
Il y a ceux qui essaient, et les autres
Kathryn Bigelow a trouvé sa propre manière de les ressusciter. Dans Detroit, Algee Smith, l’acteur qui incarne Larry Reed, s’avance seul sur scène après l’évacuation de l’assistance. Il se met à chanter, a cappella, devant des fauteuils vides, décidé à ne pas se faire voler ce moment tant attendu. C’est l’instant que la réalisatrice de Point Break et Démineurs préfère dans Detroit. La toute petite histoire à l’intérieur de la reconstitution des émeutes qu’elle propose. Il ne s’agit pas de la scène la plus spectaculaire, ni de la plus complexe à tourner.
Elle s’est contentée de laisser aller sa respiration. Pour se dire que certaines choses vont de soi, et qu’elle les comprend mieux qu’un autre. Algee Smith fredonne quelques notes. Se met à esquisser un ou deux pas de danse. Puis s’arrête aussitôt. « Le tapis lui est retiré sous les pieds. Il n’accomplira jamais son destin. N’exprimera plus son talent à la mesure de son extraordinaire potentiel. »
La réalisatrice américaine est obsédée par cette tragédie, cette carrière artistique ratée. L’idée d’une existence inaboutie, d’un destin avorté, d’un potentiel gâché, la rend malade. La ramène à son adolescence. Cette fille unique, élevée dans les années 1950 à San Carlos, au sud de San Francisco, dans un foyer libéral, par une mère professeure d’anglais et un père chef d’une entreprise de peinture en bâtiment, a très tôt perçu que la volonté était une vertu cardinale, et ce, quel que fût votre talent. Sa professeure de piano, affligée par le manque d’aptitude de son élève, lui avait, par dépit, écrasé la main après un concert raté. A la place, la jeune fille choisit le dessin, pour ne plus jamais l’abandonner. Au nom d’un sacro-saint principe où il reste interdit de lâcher.
Le père de la future cinéaste possédait, lui aussi, un talent certain pour le dessin. « C’était un caricaturiste très doué, passionné. Mais il existait comme un problème de géométrie chez lui, l’incapacité de relier son talent à une fonction capable de l’exprimer, faire de sa passion un métier. Il n’arrivait pas à se rendre du point A au point B. Il s’est perdu en chemin. Et sa vie, du moins ce qu’elle aurait dû être, n’est devenue qu’un souvenir. »
Ses dessins restaient destinés à sa fille. Avec le temps, son sens de la caricature s’affinait, trouvait sa voie dans l’exagération, devenait un style. Tandis qu’il restait frappé par son propre manque de talent, sa fille en remarquait toute l’évidence. « Il n’en a rien fait », conclut sèchement la réalisatrice, dans un mélange de tristesse et de désespoir. Kathryn Bigelow a décidé d’étudier la peinture pour son père. Non pour lui faire plaisir. Mais pour devenir ce qu’il n’avait pas eu le courage d’être.
Son monde idéal, reconnaît-elle, ressemblerait à la scène finale de son quatrième film, Point Break (1991). Le surfeur-braqueur de banque incarné par Patrick Swayze a rejoint l’Australie pour se mesurer à la vague du siècle lors de la tempête la plus violente jamais rencontrée par ce pays. Il l’affronte et disparaît. « Sauf qu’il a essayé, et cette volonté est sublime », assène la cinéaste sans ciller, tant il est clair pour elle que le monde se divise en deux catégories : ceux qui essaient et les autres.
Bain de sang fondateur
En arrivant à New York, à 19 ans, au début des années 1970, dans le cadre d’un programme organisé par le Whitney Museum of American Art, Kathryn Bigelow voyait les choses en grand. En matière de peinture s’entend. La jeune fille affichait un goût prononcé pour les toiles de Willem De Kooning : les coups brossés à la hâte, les lignes fuyantes et enchevêtrées, les couleurs dégoulinantes. Mais, au-delà de cette passion pour le peintre américain, son attirance pour le gigantisme avait fixé très tôt, et une fois pour toutes, son goût et son ambition d’artiste.
Elle adorait la peinture à l’huile, surtout pas l’acrylique. C’était pour elle une question d’odeur et de consistance. « Je dessinais des toiles gigantesques, une fusion entre l’expressionnisme abstrait et l’art de la Renaissance. Je prenais un minuscule détail d’une toile de Raphaël pour le gonfler et lui donner une teinte expressionniste. » Du studio prêté par le Whitney Museum – en fait le coffre-fort d’une banque désaffectée dans le quartier de Tribeca –, elle se souvient du froid intense new-yorkais. Sa veste en jean, ses bottes de cow-boy étaient en complet décalage avec le climat de la Côte est.
« Aujourd’hui, on vous parle de Tribeca ou de SoHo pour désigner cette partie basse de Manhattan très chic. Mais au début des années 1970, c’était différent. Un taxi refusait de se rendre là-bas. De ma fenêtre, vous entendiez des coups de feu presque tous les soirs. Me voilà donc dans un sac de couchage, dans un no man’s land, et une atmosphère de guerre en bas de chez moi. Et vous savez quoi ? J’ai adoré ! Il règne une solidarité entre artistes plasticiens qui n’existe pas chez les cinéastes. Du moins, je ne l’ai pas trouvée. »
Sur le modèle des ateliers de la Renaissance, la recherche d’un maître est devenue la quête d’une vie. Elle fut l’élève d’une des figures centrales de l’art conceptuel, Lawrence Weiner, apparaissant dans plusieurs de ses vidéos, ou en assurant parfois le montage. Puis celle de Robert Rauschenberg et de Richard Serra. Un autre mentor, Andy Warhol, lui aussi passé des arts plastiques au cinéma, avait fait remarquer à la jeune étudiante que le cinéma était l’art populaire par excellence. Moins élitiste, à ses yeux, que la peinture ou la sculpture.
« Cela m’a frappée. Je suis allée au Museum of Modern Art pour regarder l’huile sur toile de Kazimir Malevitch, Composition suprématiste : carré blanc sur fond blanc, qui consiste en un carré de couleur blanche, peint sur un fond blanc légèrement différent. J’ai aussi pensé aux compositions en rouge, jaune, bleu et noir réalisées par Mondrian. Vous ne pouviez pas spontanément prendre la mesure du génie de ces deux pièces. Il fallait connaître l’histoire de l’art. Le cinéma, c’est différent. C’est plus viscéral, plus accessible. »
La réalisatrice Kathryn Bigelow, en juillet 2017 à New York.
Elle s’est rendue dans les salles de cinéma avec la même assiduité que dans les musées, en gardant son regard de plasticienne, afin d’y découvrir un modèle, d’élire ses maîtres. Tout s’est joué dans une salle de Times Square qui proposait un double programme avec Mean Streets de Martin Scorsese et La Horde sauvage de Sam Peckinpah. Il y faisait froid, mais toujours plus chaud que chez elle. Il lui a bien fallu enjamber les corps inertes de plusieurs junkies pour atteindre son siège. Le temps de repérer le fauteuil approprié, face à l’écran, loin des différents trafics dont cette salle restait le théâtre, elle avait acquis la concentration nécessaire.
À la fin de la séance, sa vie avait changé. Le bain de sang final de La Horde sauvage, cet opéra sanglant, ce tourbillon affolé, filmé en partie au ralenti, où les jets d’hémoglobine offrent une impressionnante conclusion à la cavale de plusieurs malfrats dans le Mexique du début du XXe siècle, était devenu son idéal. L’expression la plus sublime de ce média. Ce vers quoi devraient tendre ses futurs films. Ce à quoi ils échapperaient aussi, loin de tout intellectualisme, pour une conception viscérale, instinctive, animale de cet art.
« Le bain de sang de La Horde sauvage renvoyait à celui commis par nos troupes au Vietnam. Il ressemblait aussi à une gigantesque peinture de De Kooning. Ou à Guernica de Picasso. C’était absolument extraordinaire. C’était un cinéma physique, bodybuildé, sous testostérone. » Un cinéma qu’elle pratiquerait, que ce soit avec les vampires dans Aux frontières de l’aube, avec les surfeurs dans Point Break ou sur la guerre en Irak dans Démineurs.
Seule réalisatrice à avoir décroché un Oscar
Devenue réalisatrice, elle s’est installée dans l’ombre d’un autre maître, Douglas Sirk, cinéaste allemand auteur des plus grands mélodrames hollywoodiens des années 1950, Écrit sur vent, Le Temps d’aimer et le temps de mourir et Mirage de la vie. Elle lui a rendu visite en Suisse à plusieurs reprises, a projeté à son attention son premier long-métrage, The Loveless (1982), et noté la moindre de ses remarques.
Sirk était presque aveugle, se souvient-elle, mais voyait tout à travers les descriptions que lui faisait son épouse. Bien plus tard, Kathryn Bigelow agira dans le même esprit de transmission, au début des années 1990, durant son bref mariage de deux ans avec James Cameron, l’homme qui sait si bien mettre en avant les personnages féminins dans ses films d’action – Linda Hamilton dans Terminator, Sigourney Weaver dans Aliens, Kate Winslet dans Titanic.
Un détail dans La Horde sauvage chiffonnait Kathryn Bigelow. Le moment précis où le personnage principal du film, le cow-boy crépusculaire incarné par William Holden, est abattu dans le dos par une femme et se retourne vers elle pour la traiter de « salope ». D’un coup surgissaient synthétisés les apparents paradoxes de sa future carrière : admiratrice d’un cinéaste misogyne – Sam Peckinpah – et réalisatrice de films d’action, un genre qui restait l’apanage des hommes. Un club fermé où même elle, avec son mètre quatre-vingt-cinq, n’était pas la bienvenue.
L’Oscar de la meilleure réalisatrice reçu en 2010 pour Démineurs – le premier remis à une femme dans cette catégorie –, sur une équipe de déminage de l’armée américaine en Irak, n’a rien arrangé. Il y a d’abord eu la fierté d’être la première à hériter de cette récompense. Puis la lassitude de demeurer la seule. « S’il existe une résistance aux femmes décidées à passer derrière la caméra, ce n’est pas mon problème. J’ai décidé de passer outre. Et ce pour deux raisons : je ne vais pas changer de sexe et je ne vais pas non plus cesser de faire du cinéma. Je me moque de savoir si c’est un homme ou une femme qui a réalisé un film. La seule chose qui me préoccupe reste de comprendre comment je réagis devant celui-ci. »
Sa méthode, sa volonté, la réalisatrice les exprime aussi avec la rigueur martiale de son uniforme de tournage : jean, tee-shirt uni, casquette sur la tête, pour laisser dépasser ses longs cheveux par la fente arrière. Et par un rituel immuable : avant chaque scène, elle sort de sa poche arrière un papier avec le plan à tourner et les mouvements de caméra à effectuer, le regarde brièvement, et le range. Cela ne lui apprend rien. Elle a de toute façon son film en tête. Mais cette gestuelle la rassure. C’est sa manière de montrer les muscles sur un plateau.
Le 7 mars 2010, Kathryn Bigelow, ici aux côtés de l’acteur Guy Pearce (à gauche) et du producteur Greg Shapiro, entrait dans l’histoire du cinéma américain en devenant la première femme à décrocher l’Oscar du meilleur réalisateur, pour « Démineurs ».
Récemment, ce n’est plus son genre qui a posé problème, mais sa couleur de peau. Après la sortie, début août, de Detroit aux États-Unis, plusieurs éditorialistes dans la presse se demandaient si un ou une Noire ne seraient pas davantage qualifiés pour mettre en scène les émeutes de Détroit. La polémique l’a laissée bouche bée. Kathryn Bigelow lui oppose l’intensité de son travail, et la volonté.
« Nous retournons à ce débat imbécile sur les femmes cinéastes. Je crois qu’un metteur en scène est un metteur en scène. Cela ne signifie pas qu’il n’existe pas une sensibilité masculine ou féminine. Des hommes peuvent diriger une scène d’une intense émotion, et une femme saura s’atteler à des séquences d’une inhabituelle violence. Vous savez, j’ai deux yeux, je regarde le monde en trois dimensions, et dispose de toutes les teintes disponibles. Pourquoi serais-je donc ontologiquement incapable de filmer la violence ? Et au nom de quelle étrange disposition de mon cerveau, liée à ma couleur de peau, serais-je incapable de comprendre les émeutes de Détroit en 1967 et, surtout, de comprendre que le racisme aux États-Unis reste ininterrompu comme le montrent les récentes manifestations de Charlottesville ? »
Le sens du détail
Elle revendique sa méthode, et son statut d’artiste. Grâce à certains gestes, à son attention à certains détails, elle est sûre d’avoir redonné une vérité et une authenticité à ces événements, et à l’épisode particulier de l’Algiers Motel, devenu le cœur de son film. Situé dans le quartier noir de Virginia Park, ce motel avait été investi par la police après que la présence d’un supposé sniper avait été signalée dans l’établissement. Le résultat a été une nuit de terreur entre le 25 et le 26 juillet : trois adolescents noirs tués par des policiers, neuf autres, dont deux jeunes filles blanches, battus et humiliés par les forces de l’ordre, et le chanteur des Dramatics, Larry Reed, qui y avait trouvé refuge après le couvre-feu.
En plus de Larry Reed, Kathryn Bigelow a rencontré d’autres témoins de l’époque, longuement, plusieurs heures… Comme Julie Hysell, une jeune femme blanche âgée de 18 ans au moment des émeutes, venue visiter Détroit avec une amie et qui avait terminé sa soirée au Algiers Motel. Ou Melvin Dismukes, le policier noir présent sur les lieux lorsque la police a abattu trois adolescents au nom d’une prétendue légitime défense.
« Un détail m’avait frappée dans le récit de Julie Hysell. Elle tenait la main de son amie alors que la police les tenait en joue. Dans le film, je me suis concentrée sur leurs deux mains. Cette métonymie racontait tout de leur détresse. Comme, autrefois, le détail d’une peinture de Raphaël me permettait de développer une nouvelle toile. Melvin Dismukes était, lui, entré par la porte arrière du bâtiment, puis passé par la cuisine et le salon où gisait un premier cadavre dans une mare de sang qui n’avait pas encore coagulé. Ce détail aussi m’a impressionnée. » Un moment entre chien et loup, entre la vie et la mort, plastiquement aussi marquant qu’une toile de De Kooning, qui place le spectateur dans la situation inconfortable du témoin impuissant, en train de regarder un homme mourir.
La comédienne Jessica Chastain dans « Zero Dark Thirty », un film sur la traque de Ben Laden, réalisé par Kathryn Bigelow.
Ces détails qui créent le tableau ou la scène, Kathryn Bigelow peut en citer dans chacun de ses films. L’épilogue de Zero Dark Thirty – qui retrace la traque d’Oussama Ben Laden, depuis les caves de Tora Bora en Afghanistan jusqu’au Pakistan –, Kathryn Bigelow l’a trouvé à la fin de son tournage : Maya, l’agent de la CIA incarnée par Jessica Chastain, monte à bord d’un avion spécialement affrété pour elle, après l’élimination de Ben Laden, et s’effondre en larmes.
Le prix à payer pour son professionnalisme, la rançon de sa volonté et de son obsession, et une vie placée entre parenthèses, où rien n’a été bâti. Kathryn Bigelow a tourné la scène en une prise, en s’en débarrassant presque, consciente du miroir tendu. Cette vie, c’est la sienne, et elle l’a choisie.
De la BO de #Detroit, le film de Kathryn Bigelow sur les émeutes de 1967 :
It Ain’t Fair
Bilal, Black Thought et The Roots, The Tonight Show, le 7 août 2017
#Musique #Musique_et_politique #Detroit #Bilal #Black_Thought #The_Roots
A mettre sur la compilation de chansons contre #Donald_Trump
►https://seenthis.net/messages/727919
Ces derniers temps, j’ai commencé à chercher des « gros » films (c’est-à-dire plutôt mainstream) des années 1980, dont j’avais un assez bon souvenir à l’époque, pour voir lesquels ont bien vieilli.
Blade Runner, 1982
Ah oui alors, je trouve que ça a vraiment bien vieilli. Je fais partie de ces geeks qui pleurent et qui savent par cœur le monologue « I’ve seen things »…
►https://www.youtube.com/watch?v=ZTzA_xesrL8
Et sa bande son est le seul truc de Vangelis que j’écoute encore régulièrement.
Pink Floyd the Wall, 1982
Alors autant je trouve que ça a beaucoup vieilli, autant je trouve que c’est toujours très efficace. J’ai un peu honte de le reconnaître, mais bon, j’aime beaucoup la musique…
Brainstorm, 1983
OK, j’avoue : n’importe quelle connerie avec Christopher Walken, je suis client. Encore ce matin j’ai mis le clip de Weapon of Choice de Fat Boy Slim à mes gamins pour leur montrer « le vieux monsieur » en train de danser…
Et puis il y aussi Natalie Wood dans son dernier rôle, et surtout Louise Fletcher épatante dans ce film.
M’enfin, Brainstorm c’est avant tout le grand film précurseur en matière de réalité virtuelle. Grosse influence notamment sur Strange Days de Kathryn Bigelow (12 ans plus tard).
Ça vaut le coup de lire les explications techniques sur le film, d’ailleurs…
▻https://en.wikipedia.org/wiki/Brainstorm_(1983_film)
The film was conceived as an introduction to Trumbull’s Showscan 60 frames-per-second 70mm film process. “In movies people often do flashbacks and point-of-view shots as a gauzy, mysterious, distant kind of image,” Trumbull recalled, “And I wanted to do just the opposite, which was to make the material of the mind even more real and high-impact than ’reality’”.
However, MGM backed out of plans to release the experimental picture in the new format. Trumbull instead shot the virtual reality sequences in 24 frames-per-second Super Panavision 70 with an aspect ratio of 2.2:1. The rest of the film was shot in conventional 35mm with an aspect ratio of approximately 1.7 to 1.[4]
En fait, déçu par les deux dernières minutes du film, dans le genre bondieuseries cheesy… Mais le reste est épatant.
Vacation, 1983 et European Vacation, 1985
OK, ça a toujours été excessivement américain comme humour, et ça a pas mal vieilli. Mais bon, Chevy Chase et Bevery d’Angelo, il y a des moments plutôt marrants tout de même (et Chevy Chase, c’est comme l’autre, je suis bon client).
Angel Heart, 1987
Je sais pas si je te l’ai déjà dit, mais ce film a eu une grosse influence sur ma vie : c’est de là que je tire cette façon de peler les œufs durs, comme Louis Cypher…
▻https://www.youtube.com/watch?v=YQfiuHK_U84
j’ai du mal à croire qu’angel heart à bien vieilli mais bon, faudrait que je le revois... En tout cas, Birdy (même réal), laisse tomber, c’est affreux.
je pense que le film qui a le plus mal vieilli de toutes les années 80, c’est subway de Besson. Ça en devient presque comique.
Thunderheart
▻http://aboudjaffar.blog.lemonde.fr/2013/08/11/sometimes-they-have-to-kill-us-they-have-to-kill-us-because
Attila, ma fille aînée, m’a récemment demandé d’établir une liste de mes dix films préférés. L’exercice ne manque pas d’intérêt, mais j’ai eu bien du mal à ne pas lui répondre une bonne trentaine de titres, de Citizen Kane (1941, Orson Welles), à Zero Dark Thirty (2012, Kathryn Bigelow) de Rio Bravo (1959, Howard Hawks) à Mishima (1985, Paul Schrader), de Nocturne Indien (1989, Alain Corneau) au Magnifique (1973, Philippe de Broca), des Tontons flingueurs (1963, Georges Lautner) à Apocalypse Now (1979, Francis Ford Coppola), de Nomads (1986, John McTiernan) à La Belle au Bois Dormant (1959, Clyde Geronimi), de Blade Runner (1982, Ridley Scott) à Master and Commander (2003, Peter Weir), Et si je m’étais laissé aller, j’aurais pu aussi mentionner les films de Brian De Palma, Michael Mann, Sam Peckinpah, Alfred Hitchcock, John Carpenter, Christopher Nolan, Jacques Audiard, Steven Soderbergh, Woody Allen, etc. La malheureuse enfant ne m’en demandait évidemment pas tant…
Kathryn Bigelow - Wikipédia
▻http://fr.wikipedia.org/wiki/Kathryn_Bigelow
Le cinéma de Kathryn Bigelow se déroule généralement dans des univers masculins et a pour thèmes privilégiés la violence, la terreur et l’humanité menacée.
En 2010, elle est la première femme à remporter le prix du meilleur film et du meilleur réalisateur pour Démineurs à la 63e cérémonie des BAFTA Awards.
#femme #réalisatrice, sa reconnaissance comme « meilleur réalisateur » dans les festivals de #cinéma est-elle une #énigme ?
y a de jolies discussions déjà sur elle :
▻http://seenthis.net/?page=recherche&recherche=Bigelow
Quelques super films réalisé par des femmes.
J’ai beaucoup de films a la maison, mais surtout des films réalisé par et pour les hommes. Je cherche à rétablirent un peu la parité dans mes disques durs et je suis prenneuse de conseils. Et voici quelques bons films qui font parti de cette collection.
« Même la pluie »
Un film d’Iciar Bollain
écrit par Paul Laverty, scénariste de Ken Loach
avec Luis Tosar et Gael Garcia Bernal
Un chef-d’œuvre a voire absolument.
▻http://m.youtube.com/#/watch?v=jX-X4hgbycw&desktop_uri=%2Fwatch%3Fv%3DjX-X4hgbycw
« Ne me dit rien »
Un film d’Iciar Bollain
Un très beau film très juste et profond sur la violence conjugale
▻http://m.youtube.com/watch?v=IxW3bHibDW4
« L’affaire Josey Aimes »
De Niki Caro
D’après une histoire vrai, bon film mais a mon avis moin parfait que ceux d’Iciar Bollain.
▻http://m.youtube.com/watch?v=nK8LYB7EaO4
« Beau travail »
De Claire Denis
Pas un film sur les femmes mais sur une garnison de légionnaires a Djibouti. Ça parle aussi de chorégraphie, d’homosexualité, et il y a une mise en scène qui me parle d’érotisme masculin, hypermega rare au ciné. Beaucoup d’autres choses, c’est un film très riche, construit, un bijoux cinématographique.
▻http://m.youtube.com/#/watch?v=u65lNJP5yik&desktop_uri=%2Fwatch%3Fv%3Du65lNJP5yik
Une amie m’a conseiller Sally Potter
▻http://fr.wikipedia.org/wiki/Sally_Potter
J’ai trouvé Orlando et Yes. Mais pas encor visionner. Je vous en dirait des nouvelles.
Il y a les films de Catherine Breillat, même si ils me laissent souvent une impression mitigée
Hélène Cattet, elle est en tandem avec Bruno Forzani mais quand même, Amer, c’est bien.
@troOn
bah Catherien Breillat, j’ai essayé « baise-moi » j’ai pas tenu 5 mins... J’ai faillit gerber sur mon ecran...
Je trouve que Catherine Breillat dit des choses très justes j’ai certaines citations d’elle que j’aime beaucoup, mais « Baise-moi » c’est au dessu de mes forces, aussi bien pour la question de la représentation de la violence que pour la mocheté extrême de son image qui me fait saigner des yeux.
@RastaPopoulos
je connait que de nom, merci pour la ref.
La crise, un mec se fait larguer et virer le même jour
▻http://www.programme-tv.net/cinema/62852-la-crise/bandes-annonces
▻https://www.youtube.com/watch?v=ijLelQwb6WE
Chaos, sur la prostitution et la violence masculine dans plusieurs milieux :
▻https://www.youtube.com/watch?v=TTyHwHC3cJs
La belle verte, sur des gens vivants en harmonie sur une autre planète, et qui envoie une des leurs visiter la Terre :
▻https://www.youtube.com/watch?NR=1&feature=endscreen&v=7aUrTOR-lLw
J’ai revu récemment La leçon de tango, de Sally Potter (1997). C’est bô mais fô aimer le tangô.
De Sally Potter aussi, Orlando (1992). Je ne l’ai jamais revu, souvenirs très approximatifs (20 ans déjà, tu m’étonnes…), je me souviens surtout que j’avais trouvé ça drôlement bien. Et à priori, c’est comme le tangô, orlandô c’est bô aussi. Ça pique pas les yeux.
Parmi les réalisatrices carrément influentes, tu as Leni Riefenstahl. Mais faut aimer le documentaire pacifiste.
Bon ben voilà : je n’ai vu absolument aucun des films de Sofia Coppola. Mais c’est assez connu.
Kathryn Bigelow, je dois avouer que je zappe.
Patty Jenkins a fait Monster.
Lisa Cholodenko a fait The Kids are all right.
Susannah Grant a fait Erin Brockovich et d’autres trucs que j’ai pas vus.
Mimi Leder a fait des gros blockbusters.
Mary Harron a fait American Psycho.
▻http://fr.wikipedia.org/wiki/Byambasuren_Davaa
• L’Histoire du chameau qui pleure (2003)
• Le Chien jaune de Mongolie (2005)
• Les Deux Chevaux de Gengis Khan (2011)
Il y a des choses très recommandables par Agnieszka Holland.
Il y a le festival international de films de femmes à Créteil qui est un peu connu
▻http://www.filmsdefemmes.com/HISTORIQUE.html
Créé en 1979, le Festival International de Films de Femmes de Créteil accueille des réalisatrices du monde entier, avec près de 150 films qui défendent avec talent le regard des femmes sur leur société. Lieu témoin de débats historiques, le festival reste attentif aux engagements artistiques, politiques et sociaux des femmes dans le monde, à travers leur cinéma.
Fidèle à ses engagements pour lutter contre toutes formes de discrimination, de race, de sexe, de culture, de classe sociale, il assume son double héritage envers le féminisme et l’action culturelle, en plaçant l’interrogation sur l’image et les modes de représentations au centre de ses réflexions.
Tu devrais pouvoir faire ton marché :)
▻http://www.filmsdefemmes.com/-Editions-Precedentes,10-.html
Baise-moi c’est de Virginie Despentes, pas Breillat qui est nettement plus cérébrale, même si c’est aussi cru (mais moins violent).
Il y a aussi Jennifer Chambers Lynch, la fille de David du même nom, qui avait réalisé un film assez dérangeant et que j’avais adoré : Boxing Helena (mais il semble que beaucoup de gens l’ont détesté :D)
en ce moment dans les salles Wadjda de Haifaa Al-Mansour : ►http://www.lemonde.fr/culture/article/2012/09/01/wadjda-petite-saoudienne-fait-chavirer-la-mostra_1754418_3246.html
Il a aussi Vorace d’Antonia Bird que j’aime beaucoup, un de mes films cannibale favoris.
▻http://www.dailymotion.com/video/x91j9c_vorace-bande-annonce-fr_shortfilms
@intempestive, le tableau noir, j’ai essayé et je suis pas rentrée dedans. Mais je cherche à voir d’autres films de cette réal.
@loutre, Wadjda je comptait bien le voire. Merci du rappel.
@troOn, bon alors je connait pas les films de Breillat, désolé pour elle de l’avoir confondu ^^ - en tout cas j’aime pas « baise-moi » le film.
Pour Jennifer Lynch, j’ai pas vu Boxing helena, le pitch et la bande-annonce m’avait pas motivé. De elle j’ai vu Hisss (je déconseille pas, c’est presque aussi moche que baise-moi dans un autre style) et j’ai vu un autre film un triller inutilement malsain, c.-à-d. Que c’est bien sordid mais pour ne rien dire d’intéressant. Bon tu l’aura compris @troOn je suis pas fana de Jennyfer Lynch. Elle va peut être s’amelioré, mais elle a du boulot à mon avis.
@ARNO* j’ai de quoi faire avec tous ces noms, je les garde tous précieusement. Pour Bigelow, après avoir casi tout vu j’arrive toujours pas a savoir si j’aime. K-19 piège en profondeur est le meilleur a mon avis et je me suis ennuyer avec son dernier sur la traque du démon Oussama.
@simplicissimus, j’avais chercher L’histoire du chameau qui pleur car on m’en avait dit grand bien, mais toujours pas vu pour le moment.
@rastaPopoulos, j’ai vu la crise mais je note les autres.
Me voilà refaite, merci @tousse et maintenant je vais aller détrousser des ayants droits :)
@ARNO* c’est pas un film réalisé par une femme mais ça parle de féminité de manière assez fine. « Piqué-nique à Hanging Rock »
▻http://fr.wikipedia.org/wiki/Pique-nique_à_Hanging_Rock
Ce film a clairement influencer Sofia Coppola pour « Virgin suicide ». C’est un film sur l’ennui et l’étouffement, on s’y ennuie et on y étouffe bien. J’ai bien aimé ce pique-nique, plus que celui de S.Coppola finalement, si tu l’a pas vu et si tu n’est pas hostile à des films très lente et presque sans dialogues ça pourrait te plaire.
@odilon, merci pour le rappel du festival international des films de femmes a Créteil. Je vais fouiller dans leurs palmarès, c’est une excellente idée.
Au FIFDH (Festival de film des droits humains) de Genève ils ont projeté un film d’Angelina Jolie réalisatrice :
▻http://www.fifdh.org/2013/index.php?rubID=16&lan=fr&filmID=235
Et puis ils ont présenté Wadjdai, un film d’une réalisatrice d’Arabie Saoudite !
▻http://www.cinematheque.ch/f/evenements/article/avant-premiere-iwadjdai-de-haifaa-al-mansour
Il y en a eu peut-être d’autres, je ne sais pas... il faudrait regarder dans le programme...
Un film de Francesca COMENCINI, sur la vie de Carlo Giuliani, le jeune tué à Gênes pendant le G8 :
▻http://www.festival-cannes.fr/en/archives/ficheFilm/id/3157401/year/2002.html
#Carlo_Giuliani #G8 #Gênes #film #documentaire
Une critique du film Wadjda parue dans Le Courrier :
Réalisatrice de « Wadjda », premier film saoudien, Haifaa Al-Mansour évoque la condition féminine dans un pays où le « deuxième sexe » et le septième art n’ont guère droit de cité.
Une cinéaste suisse, qui vient de décéder : Jacqueline Veuve
▻http://fr.wikipedia.org/wiki/Jacqueline_Veuve
▻http://www.letemps.ch/rw/Le_Temps/Quotidien/2013/04/19/Culture%20&%20Societe/ImagesWeb/Jacqueline%20Veuve%20C%20Keystone--672x359.JPG
Et en voici un autre : « Corpo celeste » de Alice Rohrwacher (2011)
Et puis il y a cette jeune réalisatrice suisse, Ursula Meier :
▻http://en.wikipedia.org/wiki/Ursula_Meier
▻http://www.filmsdefemmes.com/clients/festival_film_de_femmes_spip/www/medias/ursula%20meier.jpg
Je conseille de voir :
« Home » (angoissant, mais très intéressant) : ▻http://en.wikipedia.org/wiki/Home_%282008_film%29
« L’enfant d’en haut » (un regard très intéressant sur la montagne, elle montre une Suisse comme on ne se l’imagine pas forcément) : ▻http://fr.wikipedia.org/wiki/L%27Enfant_d%27en_haut
Je découvre Deepa Mehta, une réalisatrice canadienne probablement d’origine indienne vu les sujets qu’elle aborde.
▻http://www.allocine.fr/personne/fichepersonne_gen_cpersonne=15439.html
A l’origine je voulait voire « Fire » mais j’ai trouvé seulement « Water » qui est le 3ème film de la trilogie (le film central est « earth »)
Le film se déroule dans l’Inde coloniale de 1938, au moment où Gandhi arrive au pouvoir. L’histoire commence le jour où Chuyia, âgée de 7 ans, perd son mari et est envoyée dans une maison où les veuves hindous vivent en pénitence. Agées de 18 à 80 ans, ces femmes « paria » à la tête rasée, mendient pour manger et passent leur temps à prier en attendant la mort.
L’arrivée de cette enfant curieuse et innocente va affecter la vie des autres résidentes. Et notamment celle de Kalyani, une belle veuve qui tombe amoureuse de Narayan, un jeune idéaliste, disciple de Gandhi.
Peu à peu, la présence de Chuyia va ébranler tout ce qu’elles se sont résignées à accepter et les pousser à se révolter contre la tyrannie de ce mode de vie dépassé et controversé.
Le film Zero Dark Thirty ou comment apprendre à aimer la torture (Tomdispatch.com) — Karen J. Greenberg
►http://www.legrandsoir.info/le-film-zero-dark-thirty-ou-comment-apprendre-a-aimer-la-torture-tomdi
Le 11 janvier, 11 ans jour pour jour après l’ouverture de la célèbre prison de #Guantanamo par l’administration Bush, le #film Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow sur la chasse d’Oussama Ben Laden sort sur tous les écrans (aux Etats-Unis - NdT). A l’évidence, les producteurs et distributeurs ignorent tout de la signification de cette date – une illustration parfaite de l’insouciance et inconscience de ce film qui sera malheureusement perçu par de nombreux esprits Américains comme un documentaire historique.
Le fait est que Zero Dark Thirty aurait pu être écrit par le cercle rapproché des conseillers à la sécurité nationale qui ont assisté le Président George W. Bush dans la mise en place de la politique post-11/9 qui a abouti à l’ouverture de la prison de Guantanamo et d’un réseau global de « sites noirs » clandestins et constituer dans la foulée tout un monde clandestin d’injustices et de tortures sordides – qualifiées par euphémisme de « techniques d’interrogatoires poussés ». C’est aussi un film qui aurait pu être promu (et il l’a d’ailleurs été) par l’administration Obama qui a défendu l’impunité pour de tels actes. Il aurait pu être intitulé « Retour vers le Futur, 4ème partie », car le film, comme la population à laquelle il s’adresse, semble être coincée pour toujours dans un espace-temps marqué par le désir de vengeance et d’orgueil qui a balayé le pays au lendemain des attentats du 11/9.
Un article de #France24 aborde le problème de la torture dans ce film et présente la défense de la réalisatrice. Celle-ci dit que la torture devait être présente dans le film car elle a été utilisé et que son absence aurait été critiqué. Par contre, elle justifie des erreurs factuelles (comme la livraison d’un renseignement décisif par la torture je crois) par le fait que c’est une œuvre de fiction.
►http://www.france24.com/fr/20130111-traque-ben-laden-polemique-etats-unis-oscar-zero-dark-thirty-bige
Bigelow m’avait déjà bien énervée avec son film « démineur » qui avait reçu l’oscar du meilleur film ( le premier remis à une femme depuis l’apparition de la vie sur terre) et cette récompense pour un film ultra-viriliste, faisant l’apologie de la mise en danger d’autrui, du suicide patriote et de l’addiction à la guerre. Je m’épargnerait 1h30 de glorification de la torture, de la vengeance, et du sadisme ordinaire du bon mâle blanc nord-américain en ne voyant pas ce nouvel outil de propagande.
Sinon Bigelow m’énerve mais c’est rien comparé à ce que provoque en moi les Civitas qui braille en bas de chez moi ce midi. J’enrage.
une autre critique ici
►http://seenthis.net/messages/102347
Monsieur Monolecte, grand cinéphage devant l’éternel et grand fan de Bigelow (et que je ne peux pas soupçonner l’accointance avec une vision du monde libertaprout) avance que les films de Bigelow sont plus subtils que cela et qu’elle montre pour mettre mal à l’aise et donc mieux dénoncer...
Le point de vue de Naomi Wolf A letter to Kathryn Bigelow on Zero Dark Thirty’s apology for torture
►http://www.guardian.co.uk/commentisfree/2013/jan/04/letter-kathryn-bigelow-zero-dark-thirty
Your film Zero Dark Thirty is a huge hit here. But in falsely justifying, in scene after scene, the torture of detainees in “the global war on terror”, Zero Dark Thirty is a gorgeously-shot, two-hour ad for keeping intelligence agents who committed crimes against Guantánamo prisoners out of jail. It makes heroes and heroines out of people who committed violent crimes against other people based on their race – something that has historical precedent.
Je comprend cette idée de « mettre mal à l’aise et donc mieux dénoncer », mais là je ne sais pas, est-ce que ce film à vraiment mis mal à l’aise le grand publique amateur de films de guerre ? Il a mis mal à l’aise une « gauchiste-pacifiste-féministe » dans mon genre ou un Monsieur Monolecte (et que je ne peux pas non plus soupçonner l’accointance avec une vision du monde libertaprout), mais je pense qu’il n’a pas cet effet sur les fana de libertaprout et est finalement contreproductif.
Je vais chercher d’autres films d’elle pour me faire un meilleur avis, mais j’avoue que je vais avoir du mal à être neutre en ayant commencé par Démineur.
J’ai revue démineur hier et je pense que tu as raison. J’était passé à côté la première fois, le prenant pour un film neo-con. Je vais quant même tester ce film sur mon nouveau beau-père qui est un militaire à la retraite pour voir si il produit cette sensation de malaise sur un autentique droitier. Sinon j’ai trouvé tous les films de Bigelow sauf The loveless malheureusement, je t’en dirait des nouvelles quant j’aurais vu tout ça.
Je ne sais pas trop comment demander un mail @seenthis
au pire je peut ouvrir une discussion sur le forum de ►http://www.lecinemaestpolitique.fr
ca pourra en intéressé d’autres là bas.
Sinon, vous pouvez vous filer vos mail en toutes lettres, comme monolecte arobase gmail point com. Ça neutralise les robots, mais c’est tout.
bonne idée @monolecte
madmeg arobase madmeg point org
c’est pas mon adresse d’agente secrète 8^)
Le film controversé sur la traque de Ben Laden
►http://www.letemps.ch/Page/Uuid/3817243c-43d3-11e2-ac7c-f1e9d2f47a83|0
Le film débute par près d’une demi-heure de scènes de torture allant de la privation de sommeil à la simulation de noyade. Un détenu d’Al-Qaida du nom d’Ammar est attaché à une laisse reliée à un collier de chien. Spécialiste de la sécurité nationale pour CNN et auteur d’un livre sur la traque de Ben Laden, Peter Bergen a été consulté à titre gratuit par Kathryn Bigelow et le scénariste et ex-journaliste Mark Boal. Il estime que bon nombre d’éléments du film rendent bien compte de l’opération d’Abbottabad. Mais il relève que les méthodes d’interrogation de la CIA sont présentées de manière telle qu’elles « pervertissent l’histoire de façon à donner à des millions de spectateurs américains le sentiment que des techniques contraignantes d’interrogation utilisées par la CIA sur des détenus d’Al-Qaida […] étaient nécessaires pour trouver Ben Laden. »
De plus, les Américains semblent aujourd’hui moins rétifs à la torture pratiquée sur des terroristes présumés. Selon un sondage « YouGov » réalisé en septembre dernier, 41% des sondés approuvent de telles méthodes. C’est 14% de plus qu’en 2007.
La polémique tombe à un moment particulier. La Commission des renseignements du Sénat doit voter cette semaine l’approbation ou le refus d’un rapport de 6000 pages concluant une enquête de trois ans de travail. Pour Peter Bergen, le rapport devrait être « l’évaluation définitive de l’intérêt des techniques contraignantes d’interrogation de la #CIA en matière de renseignement ». En avril 2012, après avoir parcouru des milliers de pages du rapport, la présidente de cette commission, la démocrate Dianne Feinstein, soulignait déjà que des détenus comme Khaled Cheikh Mohammed (KSM), le cerveau présumé des attentats du 11 septembre 2001, avaient fourni de fausses informations sous la torture et que celles-ci n’avaient pas aidé à trouver le chef d’Al-Qaida. Ex-agent de la CIA, Robert Baer réfute lui aussi les « bienfaits » de ces méthodes. Selon lui, la traque de Ben Laden a réussi grâce à des techniques traditionnelles de quête de renseignements et d’espionnage.