RSS: person:wilson pickett

person:wilson pickett

    • @sinehebdo
      Dror@sinehebdo

      Triple wow !!!

      Si les paroles sont générales, le clip est clairement anti-Trump

      L’album entier semble intéressant :

      Songs Of Resistance 1942-2018
      ▻http://marcribot.com/latest-news/14279452
      ▻https://www.amazon.com/Songs-Resistance-1942-Marc-Ribot/dp/B07DLK7ZCH?SubscriptionId=AKIAJ2JPVFTMZGHMZXNQ&linkCode=xm2&camp=2025&creati

      Portions of the album’s proceeds will be donated to The Indivisible Project, an organization that helps individuals resist the Trump agenda via grassroots movements in their local communities. More info on The Indivisible Project can be found at www.indivisible.org.

      #Musique #Musique_et_politique #Tom_Waits #Marc_Ribot #USA #Bella_Ciao

      Dror@sinehebdo
    • @sinehebdo
      Dror@sinehebdo

      Wow, les paroles de Srinivas :
      ▻https://genius.com/Marc-ribot-srinivas-lyrics

      Dark was the night
      Cold was the ground
      When they shot Srinivas Kuchibhotla down

      It was in Austin’s Bar and Grill
      But it could’ve been most anyone
      A madman pulled the trigger
      Donald Trump loaded the gun
      My country ’tis of thee

      Srinivas was an engineer
      Sunayana was his wife
      Like so many here before them
      They come here to build the life
      They were plannin’ their first child
      But it was not to be
      But a stranger shot Srinivas down
      Screamin’ “Get out of my country!”
      My country ’tis of thee

      I was born in America
      And it’s right here I intend to stay
      But my country’s hurtin’ now
      There’s a few things I need to say
      If you fly a flag of hate
      Then you ain’t no kin to me
      And to Srinivas Kuchibhotla’s surviving family

      My country ’tis of thee
      My country ’tis of thee
      My country ’tis of thee
      My country ’tis of thee

      My country ’tis of thee
      My country ’tis of thee
      My country ’tis of thee
      My country ’tis of thee

      My country ’tis of thee (Kuchibhotla!)
      My country ’tis of thee (Eric Garner!)
      My country ’tis of thee (Heather Heyer!)
      My country ’tis of thee (Susie Jackson!)

      My country ’tis of thee (Tywanza Sanders! Ethel Lee Lance!)
      My country ’tis of thee (Freddy Gray! Tamir Rice!)
      My country ’tis of thee (Frankie Best! Amadou Diallo!)
      My country ’tis of thee (Michael Brown! David Simmons!)
      My country ’tis of thee (Myra Thompson! Sharonda Singleton!)

      #Black_Lives_Matter #Srinivas_Kuchibhotla #Eric_Garner #Heather_Heyer #Susie_Jackson #Tywanza_Sanders #Ethel_Lee_Lance #Freddy_Gray #Tamir_Rice #Frankie_Best #Amadou_Diallo #Michael_Brown #David_Simmons #Myra_Thompson #Sharonda_Singleton

      Dror@sinehebdo
    • @sinehebdo
      Dror@sinehebdo

      A propos de la chanson Rata de dos patas, il précise :

      Due to the fears that Trump regime retaliation would threaten her visa status, the vocalist on this recording of Rata De Dos Patas has requested that we delete all reference to her identity. We believe her fears are entirely justified, and have complied with her wishes.

      We thank her for her wonderful performance, and for her great courage in making the recording at all. And we look forward to a day when political and artistic expression is no longer under the shadow of such vindicative and racist repression. Venceremos!

      Dror@sinehebdo
    • @sinehebdo
      Dror@sinehebdo

      BELLA CIAO
      Italian traditional; Arranged by Marc Ribot
      & Tom Waits; Translated by Marc Ribot

      One fine morning / woke up early
      Bella ciao, bella ciao, goodbye beautiful
      One fine morning / woke up early
      To find a fascist at my door
      Oh partigiano, please take me with you
      Bella ciao, bella ciao, goodbye beautiful
      Oh partigiano, please take me with you
      I’m not afraid now anymore.
      And if I die a partigiano
      Bella ciao, bella ciao, goodbye beautiful
      Please bury me up on that mountain
      In the shadow of a flower
      So all the people, people passing
      Bella ciao, bella ciao, goodbye beautiful
      All the people, the people passing
      Can say: what a beautiful flower
      This is the flower / of the partisan
      Bella ciao, bella ciao, goodbye beautiful
      This is the flower / of the partisan
      Who died for freedom

      Dror@sinehebdo
    • @sinehebdo
      Dror@sinehebdo

      THE MILITANT ECOLOGIST
      [based on FISCHIA IL VENTO]
      Written by Marc Ribot (Knockwurst Music);
      Inspired by the Italian traditional

      The wind it howls, the storm around is raging
      Our shoes are broken, still we must go on
      The war we fight, is no longer for liberty
      Just the possibility / of a future.
      Underground, the militant ecologist
      Like a shadow emerges from the night
      The stars above, guide her on her mission
      Strong her heart swift her arm to strike
      If, by chance, cruel death will find you
      Know your comrades will revenge
      We’ll track down the ones who hurt you
      Their fate’s already sealed.
      The wind is still, the storm is finally over
      The militant ecologist blends back into the shadows
      Somewhere above, the earth’s green flag is flying
      We don’t have to live in terror
      Somewhere above, the earth’s green flag is flying
      The only flag that matters now
      Somewhere above, the earth’s green flag is flying
      And if its not...
      there’s nothing more to say.

      Dror@sinehebdo
    • @sinehebdo
      Dror@sinehebdo

      Son premier texte, où il se pose des questions sur la possibilité de résister en tant que musicien :

      My grandparents lost brothers, sisters, cousins, aunts and uncles in the Holocaust, and I’ve toured and have friends in Russia and Turkey: we recognize Trump, and it’s no mystery where we will wind up if we don’t push back.

      Its not that things before Trump were any picnic: the many victims of racism, sexism, homophobia, xenophobia, and war under earlier presidents – some of them Democrats—are not forgotten; and even among the politicians for whom I voted, few were willing to address the structural causes of these problems.

      But even the most pissed off of my activist friends knew right away that Trumpism was seriously wrong, and that resistance—not just protest, which by definition acknowledges the legitimacy of the power to which it appeals—had to be planned.

      I’m a musician, so I began my practice of resistance with music.

      Normally, I practice by studying the past (“Ancient to the Future!” as the Art Ensemble of Chicago put it—and as Hannah Arendt might have if she’d been a jazz musician), and then blowing on or reconstructing or simply misreading those changes until they become useful in the present.

      So, I went back to archives of political music known for years and listened again—trying to find what was useful now. I found songs from the World War II anti-Fascist Italian partisans (“Bella Ciao,” “Fischia il Vento”), the U.S. civil rights movement (“We’ll Never Turn Back,” “We Are Soldiers in the Army”), a political song originally recorded by Mexican artist Paquita la del Barrio, had disguised as a romantic ballad (“Rata de Dos Patas”).

      I also wrote songs: things I heard at demonstrations, and newspaper and television stories that I couldn’t process any other way wound up as lyrics. I changed these found texts as little as possible: much of “Srinivas” is a metered version of news articles on Srinivas Kuchibhotla a Sikh immigrant murdered in February 2017 by a racist who mistook him for a Muslim. And “John Brown” really did “kill... five slaveholders at the Pottawatomie creek”).

      By March 2017, I had the material for Goodbye Beautiful/Songs of Resistance.

      I make no claims of historical “authenticity” about the arrangements of archival songs on the record— although I hope they work on more than one level, the arrangements and composition songs on this CD were written and performed, without apology, as agitprop. I borrowed from, referenced, and quoted public domain song as much as I could, wanting to harness the power of our rich traditions to the needs of the current struggle wherever possible. For the same reason, I altered texts and arrangements freely, as political song makers have always done.

      The underlying politics of this recording is that of the Popular Front: the idea that those of us with democratic values need to put aside our differences long enough to defeat those who threaten them.

      Although this approach has its frustrations, it worked last time around (1942-45).

      Coordinating a multi-artist recording like this wasn’t easy: although the artists involved were without exception enthusiastic and helpful.

      But the madness of the past year kept us moving when things got bogged down: we recorded Justin Vivian Bond’s “We’ll Never Turn Back” literally while Donald Trump was delivering a friendly speech to anti-gay hate groups in Washington DC. Tom Waits’ “Bella Ciao” was recorded near Santa Rosa, in the haze of smoke from 1,500 homes destroyed by wildfires attributed partly to global warming.

      Not a day goes by that I don’t think about the fact that we’re living through what may be the last years of possibility to lessen the degree of catastrophic climate change which will be experienced by our kids.

      And what I think is that thinking isn’t enough.

      The same can be said of singing.

      Profits from this CD will be donated to The Indivisible Project, a 501c4 organization creating a political response to Trump. They now have chapters in EVERY congressional district, and work to build the local and national networks we need. I have a lot of friends who think that ANY kind of politics isn’t cool. I appreciate the sentiment, but: we need to get over it, roll up our sleeves and get our hands dirty if we’re going to survive this thing.

      I want to thank all the Artists and musicians who sang or played on this cd, not only for their time and great performances, but for their critiques and insights, musical and political, that shaped this recording at every stage.

      Although my intention in organizing this recording has been to express solidarity with everyone victimized by the current regime, finding a way to express that solidarity without repeating old patterns of oppression is not easy. I hope the dialogue and spirit of solidarity begun among the performers on this recording will continue with its listeners and spread even further...

      M Ribot

      –-----------------------------------
      Son deuxième texte, où il se pose des questions sur les défauts de la musique engagée :

      Post Script:

      The question of ‘the good fight’—how to fight an enemy without becoming it—hangs over “political” art (as the question of truthfulness hang over art claiming to have transcended the political). Indeed, Left and Fascist song do share musical commonalities. (Armies fighting for causes good and bad all need songs to march to).

      This recording won’t resolve that question.

      But I’ve noted a difference between the marching songs of fascism and those of the partisan and civil rights movements: a willingness to acknowledge sadness:

      “We are soldiers in the army...
      We have to fight, we also have to cry.”

      “And if I die a partisan,
      Goodbye beautiful, goodbye beautiful, goodbye beautiful,
      Please bury me on that mountain, in the shadow of a flower.”

      “I am a pilgrim of sorrow, walking through this world alone.
      I have no hope for tomorrow, but I’m starting to make it my home.”

      “...a thousand mill lofts grey
      are touched by all the beauty
      a sudden sun exposes
      Yes it is bread we fight for, but we also fight for roses.”

      These songs’ acknowledgement of human frailty, of the fact that “we have to cry” even as “we have to fight”, is for me a sign of enormous strength. Their vision of a beauty beyond victory is for me a sign of hope, a reminder that we at least have something worth fighting for.

      M Ribot
      November, 2017

      Dror@sinehebdo
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    • @sinehebdo
      Dror@sinehebdo

      Aretha Franklin, respect éternel
      Jacques Denis, Libération, le 16 août 2018
      ▻http://next.liberation.fr/culture/2018/08/16/aretha-franklin-respect-eternel_1672542

      La reine de la soul est morte ce jeudi à 76 ans. De l’église de son père au sommet des charts, sa voix a inscrit dans la légende des dizaines de tubes et porté haut les causes du féminisme et des droits civiques.

      « J’ai perdu ma chanson, cette fille me l’a prise. » Quand il découvre Respect, une ballade qu’il a écrite pour son tour manager Speedo Sims, Otis Redding ne peut que constater les faits face à Jerry Wexler, le pape de la soul music au label Atlantic. Ce jour-là, le chanteur sait que le titre paru deux ans plus tôt, en 1965 sur l’imparable Otis Blue, lui échappe. Pas sûr en revanche qu’il puisse se douter alors que ce hit fera danser des générations entières, porté par la voix de la papesse soul. Combien de soirées où cet hymne au féminisme débridé aura fait se lever toutes les femmes et filles, prises d’un doux délire  ! « La chanson en elle-même est passée d’une revendication de droits conjugaux à un vibrant appel à la liberté. Alors qu’Otis parle spécifiquement de questions domestiques, Aretha en appelle ni plus ni moins à la transcendance extatique de l’imagination », analysera Peter Guralnick, l’auteur de la bible Sweet Soul Music.

      Enregistrée le jour de la Saint-Valentin, la version d’Aretha Franklin, morte jeudi à 76 ans, est effectivement bien différente de celle du « Soul Father », qui vantait les mérites de l’homme allant au turbin et méritant de fait un peu de respect en retour. La jeune femme se permet d’y glisser quelques saillies bien senties  : « Je ne te ferai pas d’enfant dans le dos, mais ce que j’attends de toi, c’est du respect. » Le tout boosté par un chœur composé de ses sœurs Erma et Carolyn qui ponctue de « Ooh  ! » et « Just a little bit », donnant à l’histoire les faux airs d’une conversation complice entre femmes. Et de conclure par un tranchant  : « Je n’ai besoin de personne et je me débrouille comme une grande. » La suite, tout du moins d’un point de vue artistique, donnera raison à celle qui devint ainsi pour la postérité tout à la fois l’une des égéries des droits civiques et la visionnaire pythie d’une libération des mœurs.
      Dix-huit Grammy Awards

      « Cette chanson répondait au besoin du pays, au besoin de l’homme et la femme de la rue, l’homme d’affaires, la mère de famille, le pompier, le professeur – tout le monde aspire au respect. La chanson a pris une signification monumentale. Elle est devenue l’incarnation du "respect" que les femmes attendent des hommes et les hommes des femmes, le droit inhérent de tous les êtres humains », analysera-t-elle a posteriori dans son autobiographie, Aretha : From These Roots.

      Sa reprise de Respect n’était pas le premier succès de la native de Memphis. D’ailleurs, à l’époque, ce ne sera que le deuxième 45-tours de son premier album sous pavillon Atlantic, précédé par I Never Loved a Man (the Way I Love You) qui donne son titre à ce disque. Mais avec ce tube, bientôt suivi d’une quantité d’autres, elle se hisse vers des sommets à hauteur des mâles blancs qui dominaient l’époque. Coup double aux Grammy 1968 – les premiers d’une très longue série, dix-huit au total –, la chanson truste les charts pop, quatorze semaines au top des ventes afro-américaines où la concurrence est alors plutôt sévère, et intronise la « Soul Sister » (surnom emprunté à son précédent disque) en reine du genre  : « Queen of Soul », pas moins. Elle ne sera jamais détrônée.

      Pourtant l’album enregistré entre Muscle Shoals, l’usine à tubes d’Alabama, et New York, où elle dut se replier avec quelques musiciens sudistes, fut accouché dans la douleur, tel que relaté par un autre biographe émérite d’Aretha Franklin, le Français Sebastian Danchin (Portrait d’une natural woman, aux éditions Buchet Chastel). Toujours est-il que le 28 juin 1968, elle fait la une de l’hebdomadaire Time  : un simple portrait dessiné d’elle, discrètement barré d’un explicite The Sound of Soul. Cette année-là, elle est juste derrière Martin Luther King en termes de ­notoriété.

      Atteinte d’un cancer et officiellement rangée des hits depuis début 2017, la grande prêcheuse du respect est morte cinquante ans plus tard à Détroit, à 76 ans, devenue pour l’éternité celle dont un président des Etats-Unis (pas le moins mélomane, Barack Obama) a pu dire  : « L’histoire américaine monte en flèche quand Aretha chante. Personne n’incarne plus pleinement la connexion entre le spirituel afro-américain, le blues, le r’n’b, le rock’n’roll – la façon dont les difficultés et le chagrin se sont transformés en quelque chose de beau, de vitalité et d’espoir. »
      Premier disque

      Avant d’en arriver là, tout n’était pas écrit d’avance pour cette fille de pasteur, née le 25 mars 1942 dans le Sud profond, où la ségrégation fait force de loi. Grandie dans le giron de ce père homme de foi, Aretha Louise Franklin trouve sa voix à l’église, comme souvent. Elle a pour premier modèle son paternel, personnalité aussi sombre à la maison qu’auréolée de lumière sur l’estrade  : le pasteur Clarence LaVaughn Franklin enregistre et publie ses gospels sur la firme Chess, fréquente les stars (Sam Cooke, Jackie Wilson, Art Tatum…), enchaîne les tournées, au risque de délaisser le foyer où les enfants se débrouillent comme ils peuvent. D’autant que leur mère, Barbara Siggers, « immense chanteuse gospel » selon la diva Mahalia Jackson, a quitté le foyer au lendemain des 6 ans d’Aretha.

      Sept années plus tard, l’adolescente grave son premier disque, avec le chœur de la New Bethel Baptist Church, le sanctuaire au cœur du ghetto de Detroit où son père célèbre sa mission sur Terre. L’année qui suit, elle accouche d’un premier enfant, suivant là encore les traces du prédicateur, par ailleurs fornicateur à ses heures  : une des demi-sœurs de la jeune Aretha est le fruit de relations illicites avec une paroissienne de 13 ans  !
      Ferveur inégalée

      Avant 18 ans, Aretha a déjà deux enfants. Autant dire un sérieux handicap pour qui entend faire carrière en musique. C’est pourtant la même, certes délestée des bambins qui se retrouvent chez mère-grand Rachel, qui est castée par le talent-scout John Hammond. Elle a 19 ans quand elle débarque à New York pour intégrer l’écurie Columbia, où la future Lady Soul – autre surnom absolument pas usurpé – est censée suivre le sillon creusé par Lady Day, la femme au chihuahua Billie Holiday. Las, l’histoire ne se répète jamais, et malgré d’indéniables talents et de petits succès dont un bel hommage à Dinah Washington, une de ses références avouées, et un recommandable Yeah où elle tente déjà de faire siennes quelques rengaines empruntées à d’autres, celle qui sera plus tard la première femme à rejoindre le Rock’n’roll Hall of Fame ne parvient pas à se distinguer dans le jazz. Jusqu’à ce qu’elle franchisse le Rubicon, en passant chez Atlantic où, outre Jerry Wexler, elle trouve en Arif Mardin un directeur musical à son écoute.

      « Quand je suis allée chez Atlantic Records, ils m’ont juste assise près du piano et les tubes ont commencé à naître. » Il ne faudra jamais oublier qu’à l’instar d’une Nina Simone, Aretha Franklin était aussi une formidable pianiste. La liste des classiques enregistrés en moins de dix ans donne le tournis  : Baby I Love You, (You Make Me Feel Like) A Natural Woman, Think, (Sweet Sweet Baby) Since You’ve Been Gone, Chain of Fools, Until You Come Back to Me… Entre 1967 et 1974, la porte-voix d’une communauté chante ou déchante l’amour, en mode énervé ou sur le ton de la confidence sur oreiller, portée par des arrangements luxuriants ou dans ce dénuement propre à magnifier les plus belles voix sudistes (de Wilson Pickett à Sam & Dave). Dans cette série qui ressemble à une irrésistible ascension, chacun a ses favoris  : Call Me, par exemple, pas forcément le plus gros succès, demeure une ballade pour l’éternité où elle fait valoir toute la classe de son toucher sur les noires et ivoire. A moins que ce ne soit I Say a Little Prayer, le cantique écrit par Burt Bacharach et Hal David pour Dionne Warwick (qui se le fera chiper), tout en légèreté laidback. Qu’elle flirte volontiers avec la pop, reste fidèle à l’esprit de la soul ou mette le feu au temple frisco rock Fillmore West dans un live mémorable avec le terrible saxophoniste r’n’b King Curtis, son directeur musical assassiné quelques mois plus tard, la voix d’Aretha Franklin transcende toujours les sacro-saintes chapelles avec une ferveur inégalée. Celle héritée du gospel, la genèse de tout, auquel elle rend un vibrant hommage en 1972 avec Amazing Grace, un office avec le révérend James Cleveland qui devient le premier disque du genre à réussir la jonction avec le public profane.

      La série va pourtant s’arrêter au mitan des années 70, alors que Jerry Wexler s’apprête à quitter la maison mère pour rejoindre Warner Bros. A Change Is Gonna Come, pour paraphraser la superbe complainte qu’elle a empruntée à Sam Cooke dès 1967. Le disco triomphe, et bientôt le rap qui saura lui rendre hommage, à l’image de Mos Def revisitant One Step Ahead ou de Lauryn Hill s’investissant dans The Rose Is Still a Rose. Orpheline de son mentor, Franklin elle-même quitte en 1980 Atlantic pour Arista. La chanteuse ne s’en remettra pas, alors même qu’elle parvient à toucher un public rajeuni en étant au générique des Blues Brothers. Elle y chante en femme de ménage (mais chaussée de mules en éponge roses  !) Think, hymne à la liberté et à la féminité affirmée haut et fort (encore).

      Ombre d’elle-même

      La scène d’anthologie marque les esprits, mais dans la vraie vie, Aretha Franklin n’aspire qu’à des productions de plus en plus pompières, qui masquent par leur outrance l’essentiel  : ses exceptionnelles qualités d’interprète. Les interventions de jeunes musiciens comme Marcus Miller ou Narada Michael Walden n’y font rien, même si avec ce dernier elle parvient une nouvelle fois à toucher furtivement la place de numéro 1 des charts r’n’b.

      Si elle se fait rare en studio, si elle ne marque plus l’histoire de la musique, elle n’en demeure pas moins une icône pour les nouvelles générations. George Michael s’adonne ainsi à un duo – une spécialité de la diva, qui sans doute trahissait déjà un réel manque de renouvellement – avec celle qu’il considère comme une influence majeure. Toutes les chanteuses de nu soul prêtent allégeance à la première dame, qui de son côté s’illustre dans la rubrique mondanités. Elle traverse ainsi les années 90 en ombre d’elle-même, caricature de ses grands millésimes, qu’elle fructifie. Elle n’en reste alors pas moins une figure que l’on met aisément en couverture, affichant des looks pas toujours raccords, et au premier rang des chanteurs de tous les temps selon Rolling Stone.

      De come-backs avortés en retours guettés par des fans toujours en demande, rien n’y fait. La star, rentrée vivre à Detroit, attise pourtant les désirs et envies des jeunes producteurs : André 3000 d’Outkast et Babyface mettent même un album en chantier, alors que l’année d’après, en 2014, le festival de jazz de Montréal la fait remonter sur scène. Longue robe blanche, cheveux blonds, elle assure le show.

      Trois ans plus tard, elle est encore en blanc, mais considérablement amaigrie, pour un gala au profit de la fondation Elton John, à New York. Plus que de résurrection, cela sonne comme un concert d’adieux. Néanmoins, on gardera plutôt en souvenir le dernier grand moment d’une carrière hors norme de cette chanteuse  : le 6 décembre 2015 lors des prestigieux Kennedy Center Honors, elle entre en scène en manteau de fourrure, voix aussi sûre que son doigté au piano, pour interpréter (You Make Me Feel Like) A Natural Woman devant le couple Obama, auquel elle avait déjà fait l’honneur de chanter lors de son investiture en 2009. Comme la révérence d’une voix pas ordinaire, en tout point populaire.

      Jacques Denis

      Dror@sinehebdo
    • @sinehebdo
      Dror@sinehebdo

      « Aretha Franklin a chanté son époque, avec son époque, et pour son époque »
      Isabelle Hanne, Libération, le 16 août 2018
      ▻http://www.liberation.fr/planete/2018/08/16/aretha-franklin-a-chante-son-epoque-avec-son-epoque-et-pour-son-epoque_16

      Daphne Brooks, professeure d’études Afro-américaines à l’université Yale, revient sur la figure d’Aretha Franklin et sa place dans l’histoire musicale et nationale.

      Daphne Brooks, 49 ans, professeure d’études afro-américaines à l’université Yale, écrit sur la question raciale, le genre et la musique populaire. Elle a ­notamment travaillé sur le parcours d’Aretha Franklin pour son ­livre Subterranean Blues  : Black Women and Sound Subcultures (à paraître) et a donné plusieurs conférences sur la Queen of Soul, qu’elle a rencontrée à l’occasion d’une lecture à Princeton qui lui était dédiée. Elle s’intéresse ­particulièrement aux moments où les artistes Afro-Américaines se retrouvent à la croisée entre les ­révolutions musicales et la grande histoire nationale, Aretha Franklin étant la figure ty­pique de ces intersections.
      Que représente Aretha Franklin pour vous  ? Quels sont vos ­premiers souvenirs d’elle  ?

      J’ai grandi dans les années 70 en Californie, dans une famille qui écoutait de la musique en permanence alors qu’elle avait déjà acquis le statut de « Queen of Soul ». Elle a toujours été omniprésente dans mon monde.
      Comment est-elle devenue l’un des objets de vos recherches  ?

      La musique d’Aretha Franklin, c’est le son de la conquête des droits ­civiques, du Black Power, ce ­mélange de joie, de blackness, ce sens de la fierté, notre héritage afro-amé­ricain. Elle a su trans­mettre cette beauté intérieure dans ses chansons.
      Quels sont les liens entre Aretha Franklin et le mouvement de lutte pour les droits civiques  ?

      Ils sont nombreux. Son père, C.L. Franklin, était ce pasteur très célèbre à Detroit et son église, la New Bethel Baptist Church, un haut lieu du combat pour les droits civiques. Il galvanisait un public noir à travers ses sermons diffusés à la radio pendant les années 50 [puis commercialisés sur disque, ndlr]. Il accueillait Martin Luther King lors de ses séjours à Detroit. Aretha Franklin a d’ailleurs accompagné ce dernier à plusieurs manifestations et chanté lors de ses funérailles. Mais cette connexion ne se limite pas à ces liens familiaux. Sa musique, elle aussi, s’inscrit dans ce contexte historique. Il y a, bien sûr, son ADN gospel. Et pas seulement  : Respect, la chanson écrite par ­Otis Redding mais réinterprétée par Franklin en 1967, une année pivot [l’année du « Long, Hot Summer », une série d’émeutes raciales], est devenue instantanément un hymne des droits civiques, de l’émancipation des Noirs, du Black Power et du mouvement féministe. Trois ans plus tôt, en 1964, elle avait déjà ­enregistré Take a Look, dont les paroles avaient fortement résonné lors du « Freedom Summer », cet été où des centaines d’étudiants ont risqué leur vie pour inscrire des Noirs sur les listes élec­torales du Mississippi [« Lord, what’s happening / To this human race  ? / I can’t even see / One friendly face / Brothers fight brothers / And sisters wink their eyes […] / Just take a look at your children / Born innocent / Every boy and every girl / Denying themselves a real chance / To build a better world. »] Dans sa musique elle-même, elle a su articuler ce chagrin et ce regard sur l’humanité si propre à la soul music.
      Vous dites qu’elle n’a pas seulement été une voix des droits ci­viques, comme Nina Simone, mais qu’elle a également eu un impact sur le féminisme afro-américain  ?

      Aretha a chanté son époque, avec son époque, et pour son époque. Avec des chansons comme Natural Woman, elle s’est aussi exonérée d’une certaine image pour se ­connecter au mouvement féministe moderne, au féminisme noir. Très tôt dans sa carrière, elle s’est donné le droit de chanter les tourments émotionnels des Afro-Américaines avec tellement de genres musicaux différents  : c’était son appel à l’action, à l’émancipation des Noires aux Etats-Unis. Elle a chanté la ­bande-son complexe de la femme noire qui se réinventait. Elle montre que cette dernière peut être un ­sujet doué d’émotions complexes, d’une volonté d’indépendance… Toutes ces choses qui ont été si longtemps refusées aux Afro-Américains aux Etats-Unis. Elle a vraiment été dans la droite ligne du Black Power  : désormais, les Noirs montrent qu’ils n’ont pas besoin de s’excuser d’exister.
      Elle a aussi été cette icône aux tenues extravagantes, luxueuses, en perruque et fourrure. Peut-on dire qu’elle a participé à façonner une certaine féminité noire  ?

      Oui, mais comme d’autres activistes ou artistes noires, telle Diana Ross par exemple, qui ont en effet développé cette image de la beauté noire glamour, somptueuse. Mais elle a également montré, dans les années 70, une image plus afrocentriste, avec des tenues plus sobres et une coiffure afro.
      A bien des égards, Aretha Franklin est une synthèse des Afro-Américains...

      Elle est née dans le Sud, à Memphis (Tennessee), mais elle a grandi dans le Nord, à Detroit, dans le Michigan. Sa famille a fait comme des millions d’Afro-Américains au milieu du XXe siècle  : ils ont déménagé du Sud vers le Nord, ce phénomène qu’on appelle la Grande Migration [de 1910 à 1970, six millions d’Afro-Américains ont émigré du sud des Etats-Unis vers le Midwest, le Nord-Est et l’Ouest, pour échapper au racisme et tenter de trouver du travail dans les villes indus­trielles]. Elle a aussi su faire la synthèse ­entre tous les genres musicaux afro-américains, de la soul au r’n’b, de la pop au jazz. Aretha Franklin fait partie, fondamentalement, de l’histoire des Noirs américains. Elle appartenait à cette génération d’Afro-Américains qui a sondé l’identité noire, qui venaient du Nord comme du Sud, urbains comme ruraux, passionnés de jazz, de blues, de r’n’b et de pop. Le tout en se battant pour faire tomber les murs de la ­culture Jim Crow [les lois qui organisaient la ségrégation raciale] à travers l’agitation sociale et la performance artistique.
      Isabelle Hanne correspondante à New York

      Dror@sinehebdo
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