• The Burning Man Fiasco Is the Ultimate Tech Culture Clash | WIRED

    “Light weights.” That was the reply when Diplo posted a video of himself, Chris Rock, and several others escaping this year’s Burning Man after heavy rains left thousands of other Burners stranded and unable to leave. It was a small thing, but also encapsulated a growing divide between long-term attendees and those who show up expecting a weeklong Coachella in the Nevada desert.

    “Old-timers like myself tend to relish in the chaos,” says Eddie Codel, the San Francisco–based videographer who called Diplo and Rock lightweights on X, the social network formerly known as Twitter. “It allows us to lean into the principle of radical self-reliance a bit more.” Codel is on his 15th burn, he’s been coming since 1997, and Diplo wasn’t the only escaping Burner he called out. When someone else posted a video of RVs stuck in waterlogged sand, he posted, “They were warned.”

    ’Twas ever thus. Burning Man may have started as a gathering of San Francisco counterculture types, but in recent years it has morphed into a confab of tech bros, celebs, and influencers—many of whom fly in and spend the event’s crushingly hot days in RVs or air-conditioned tents, powered by generators. The Playa, as it’s known, is still orchestrated by the Burning Man Organization, otherwise known as “the Org,” and its core principles—gifting, self-reliance, decommodification (no commercial sponsorships)—remain in place.

    But increasingly the Burning Man tenet of “leave no trace” has found itself butting heads with growing piles of debris scattered in the desert following the bacchanal, which can draw more than 70,000 people every year. It’s an ideological minefield, one laid atop a 4-square-mile half-circle of tents and Dune-inspired art installations where everyone has a carbon footprint that’s two-thirds of a ton.

    A lot of this came to a head before rain turned Black Rock Desert into a freshly spun clay bowl. Last week, as festivalgoers were driving into Black Rock City, activists from groups like Rave Revolution, Extinction Rebellion, and Scientist Rebellion tried to halt their entry, demanding that the event cease allowing private jets, single-use plastics, and unlimited generator and propane use. They were met by attendees who said they could “go fuck themselves,” and ultimately the protest was shut down by the Pyramid Lake Paiute tribal police. (The route to the event passes through Pyramid Lake Paiute Reservation.)

    Last Sunday, as news began to spread about the Burners trapped by the rain, reactions grew more pointed. In one popular TikTok, since deleted, Alex Pearlman, who posts using the handle @pearlmania500, lambasted Burners for contributing to climate change while “building a temporary city in the middle of nowhere while we’re in the middle of an unhoused fucking homeless problem.” Reached by email, Pearlman said that TikTok took down the video, claiming it was mass reported for content violations. The creator challenged that, and it got reinstated—then it was removed again. “My reaction was, ‘I guess the community guideline enforcement manager hitched a ride with Diplo and Chris Rock out of Burning Man,’” Pearlman says.

    This sort of thing—a rant, about tech industry types at Burning Man, posted on a social media site, then shared on other social media sites—is essentially the rub, the irony of Burning Man in 2023. For years, the event was, and is, the playground of tech utopian types, the place where they got to unplug and get enlightened. Larry Page and Sergey Brin chose Eric Schmidt as Google’s CEO in part because of his Burner cred. But as mobile data on the Playa has gotten better—in 2016, new cell towers connected the desert like never before—more real-time information has come out of Burning Man as it’s happening, for better or worse.

    This year, that led to more than a little misinformation, says Matthew Reyes, who has, since 2013, volunteered to run Burning Man’s official live webcast. He didn’t go to the event this year but has been helping from his home near Dayton, Ohio. He says he’s had to file several Digital Millennium Copyright Act takedown notices to try to get fake Burning Man streams removed. It’s part of a larger trend of misinformation coming out of the festival, like the debunked rumor that there was an Ebola outbreak at the festival this year—one spread by blue-check X users. The tools so often used by attendees to share their adventures are now also the tools making the event look like a quagmire.

    “All of social media, it’s all about money, about serving custom ads or whatever the monetization scheme is,” Reyes says, adding that he believes internet discourse has hyped up what happened at this year’s event and that oftentimes things that are jokes on the Playa may get misunderstood on platforms. Reyes argues that many media outlets are further distorting the view of what’s happening on the Playa by reporting on what they see rise to the top of those very same social media platforms.

    For Reyes, what happened at this year’s Burning Man is actually proof that, for the most part, the festival’s tenets worked. People shared resources; they got out. And, as Codel put it, he had “the time of [his] life.” Climate change, and Burning Man’s potential impacts on it, are part of a crisis happening worldwide—though, as University of Pennsylvania environmental science professor Michael Mann told WIRED this week, “what took place at Burning Man speaks profoundly to the message of the climate protesters who were shouted down by Burning Man only days earlier.” (Burning Man aims to be carbon-negative by 2030, but some speculate the event won’t hit that target.)

    But even if the tenets of Burning Man worked, that doesn’t mean they were always followed—like, say, that decommodification one. Over the Labor Day weekend, when Burning Man attendees were stuck in the muck and unsure when they’d get out, a TikTokker posting on the handle @burningmanfashion told followers that her crew was safe and they had “enough tuna for a week.” The camp’s structures had fallen down, but they’d be OK. “The news is saying it’s pretty bad out here—it is,” she said. “Thank goodness we have a ModVan, so we’re safe inside of that. Sorry about the plug, I know we’re not supposed to talk about commercial things.”

    #Burning_man #Climat #Pop_culture

  • Opinion | Mary Gabriel : Happy Birthday, Madonna - The New York Times

    Un beau papier pour fêter les 65 ans de Madonna.

    At that crucial moment, she forced mainstream society — globally — to see gay men as she did, with admiration, not scorn. Madonna also helped gay men view themselves differently, with pride. In the years since, her embrace of and by the queer community is undiminished. As the journalist Anderson Cooper said in 2019: “No single ally has been a better friend or had a bigger impact on acceptance for the L.G.B.T.Q. community than Madonna. It’s that simple.”

    In the 1980s, when Madonna was in her late 20s, the press began musing aloud about when she might retire. Women in pop music had a use-by date, and hers was seen as fast approaching. With each decade, the same question persisted with varying degrees of cruelty. During a 2017 interview with the writer Roxane Gay (now a contributing Opinion writer for The Times), Madonna called it out for what it is: sexist. “Does somebody ask Steven Spielberg why he’s still making movies? Hasn’t he had enough success?” she said. She added: “Did somebody go to Pablo Picasso and say, ‘OK, you’re 80 years old. Haven’t you painted enough paintings?’ No.”

    Madonna isn’t finished. The battle against bigotry that she has fought throughout her career is far from over, and she has something to say about it. As she prepares to begin her “Celebration” tour in October, that’s great news for us. If her past is any indication, we can expect to be shocked, inspired, challenged and entertained. We will also be enlightened.

    So happy birthday, Madonna, and thank you.

    #Madonna #Pop_culture #Musique #Sida

  • Nvidia’s Jensen Huang Is Transforming A.I., One Leather Jacket at a Time - The New York Times

    J’adore les articles « style » du New York Times. Quand l’habit fait le moine.

    There’s a new tech titan in town and he’s preparing to enter the pantheon. How do we know?

    Well, Jensen Huang, the chief executive of Nvidia, has the company: He co-founded Nvidia in 1993, and the market cap is now about $950 billion, though at the end of May it was briefly in the $1 trillion club, putting it in a similar league to Apple, Alphabet and Amazon.

    He has the product: a data processing chip that is key to A.I. development, which is to say, the life of ChatGPT and Bard, which is to say, the current paradigm shift.

    And he has the look: a black leather jacket he wears every time he is in the public eye, most often with a black T-shirt and black jeans.

    Mr. Huang wore a black leather jacket when he was on the cover of Time as one of its men of the year in 2021. A black leather jacket during his keynote speeches at multiple GTC developer conferences since 2018. To deliver the 2023 World ITF keynote and the 2023 Computex 2023 keynote. He even identified himself, back in a Reddit AMA in 2016, as “the guy in the leather jacket.”

    Sometimes his leather jackets have collars, sometimes they look more like motorcycle jackets; sometime a lot of zips are involved, sometimes not. But the jackets are always black. He has been wearing them, a spokesman said, “for at least 20 years.” The point is that he always looks the same.

    There hasn’t been a popularly identifiable face of A.I. yet. ChatGPT and Bard are anonymous brains. That’s part of what makes A.I. so eerie — its disembodied nature. Sam Altman, the chief executive of OpenAI, is ubiquitous, but looks kind of generic. Mr. Huang and his leather jacket are poised to step neatly into that gap.

    The jacket is an object that has become a signifier — of a person but also the great leap forward that person represents. And that association puts Mr. Huang in the same club as Steve “black turtleneck” Jobs, Mark “gray T-shirt” Zuckerberg and Jeff “Pitbull” Bezos as a chief executive who understands that the difference between a company that is a world-changing success and a company that is a world-changing success that becomes a part of pop culture may be the image of its figurehead. One that’s just enough of a caricature to work its way into the public imagination and become the avatar of a movement.

    To put this in context, Superstar Jacket sells two versions of a “Jensen Huang leather jacket,” alongside a “Fast & Furious 10 Vin Diesel jacket,” a “Snoop Dogg leather jacket” and an “Indiana Jones leather jacket.”

    But Mr. Huang is the only C.E.O. to have a jacket named after him.

    Vanessa Friedman has been the fashion director and chief fashion critic for The Times since 2014. In this role she covers global fashion for both The New York Times and International New York Times. @VVFriedman

    #Style #Fashion #Intelligence_artificielle #Jensen_Huang #Pop_culture

  • Grève du 6 avril : comment la culture Web s’invite dans les manifestations contre la réforme des retraites

    Au milieu des « Borne Out », des « 16-64, c’est une bière, pas une carrière » et des « Tu nous mets 64, on te re-mai 68 », la pancarte de Rachel détonne dans le cortège qui défile contre la réforme des retraites, mardi 28 mars, à Poitiers. La jeune femme âgée de 21 ans y a inscrit « Ce n’est pas bon pour nous », avant d’y coller une photo du vidéaste Squeezie, qui compte presque 18 millions d’abonnés sur YouTube.

    Si le message en lui-même est clair, le côté humoristique a pu passer inaperçu pour celles et ceux qui ne suivent pas régulièrement l’un des vidéastes les plus regardés du pays, et ne se doutent pas forcément qu’il s’agit d’une réponse à une question régulièrement posée dans ses vidéos.
    Le visionnage de cette vidéo est susceptible d’entraîner un dépôt de cookies de la part de l’opérateur de la plate-forme vidéo vers laquelle vous serez dirigé(e). Compte-tenu du refus du dépôt de cookies que vous avez exprimé, afin de respecter votre choix, nous avons bloqué la lecture de cette vidéo. Si vous souhaitez continuer et lire la vidéo, vous devez nous donner votre accord en cliquant sur le bouton ci-dessous.

    Depuis des semaines, les pancartes inspirées de la culture Web se multiplient dans les cortèges. Les mèmes, ces images ou expressions réutilisées et détournées de manière humoristique (comme le « This is Fine » (« Tout va bien »), prononcé par un chien serein au milieu des flammes, ou encore le « Drakeposting ») ont fait leur apparition auprès des banderoles syndicales. Elles accumulent également les likes et les partages sur les réseaux sociaux.

    Quel banger ma pancarte 😎 Bonne manif à toutes et tous 😘 https://t.co/4ZWSSjMG3D
    — Kamyye_ (@Cam)

    « Ça a clairement explosé récemment, confirme David Peyron, maître de conférences en sciences de l’information et de la communication à l’université d’Aix-Marseille. C’était un peu présent avec les manifestations des “gilets jaunes”, mais là, on a vu beaucoup de mèmes, beaucoup d’exemples issus de la pop culture. »
    Lire : Le mème, ou l’art du détournement humoristique sur Internet

    Si on les voit de plus en plus sur des pancartes aujourd’hui, le phénomène n’est cependant pas nouveau : « Au début des années 2000, des chercheurs américains en parlaient déjà pour les manifestations contre la guerre en Irak », souligne David Peyron. « On avait déjà des bouts de séries télé, des extraits de mèmes Internet de l’époque. C’était encore balbutiant, mais ça existe depuis la massification de l’Internet. » Côté français, l’auteur de Culture Geek (FYP, 2013) estime que de telles pancartes ont commencé à apparaître au début des années 2010.

    Allez hop qui dit manif dit pancarte drôle https://t.co/uMwtUqe4HF
    — Alias_Kermit (@+mikrokosmos | jisoo-flower🌷)

    Rien d’étonnant dès lors que, comme l’écrivait en 2019 la chercheuse américaine An Xiao Mina dans son livre Memes to Movements, « les mèmes sont partout ». « Ils sont l’une des formes créatives les plus récentes, nées de la culture numérique et en dialogue avec la vie hors ligne. Ils s’appuient sur de longues traditions humaines de remixage et de refonte, qui se manifestent dans un monde connecté numériquement. »

    L’emploi de ces références est révélateur de la mobilisation d’une partie de la jeunesse contre la réforme des retraites. « Même s’il faut le prendre avec des pincettes, c’est un indicateur de l’âge et du fait que la jeunesse reste engagée, détaille M. Peyron. C’est fortement générationnel. Les références culturelles, pop culturelles sont très présentes dans l’imaginaire des étudiants et des lycéens aujourd’hui. » « C’est quelque chose que j’utilise au quotidien, confirme Rachel, la manifestante poitevine. Je trouvais ça un peu plus frappant que les slogans classiques. Quand j’ai eu l’idée, je me suis dit que ça pouvait être un peu accrocheur. »

    Ce n’est pas un hasard. « Les mèmes ont une force d’argumentation : ils transmettent plein de choses implicites mais importantes. C’est une compression d’arguments qui a la force d’une punchline argumentative », détaille le chercheur Albin Wagener à 20 Minutes. Et cette « punchline argumentative » est d’autant plus cruciale que « ce qu’on va retenir à l’issue du cortège, c’est souvent le bon jeu de mots, la bonne punchline ou même la caricature qui attire l’œil », expliquait, début février, l’historien Stéphane Sirot dans un article sur le site de BFM-TV qui s’intéressait aux slogans dans les manifestations.

    Don’t do it Emmanuel ! https://t.co/dL5Y74fUj4
    — Nain_Portekoi (@Nain Portekoi)

    « Tu es pauvre ? Arrête ». La pancarte sarcastique de Camille (son prénom a été changé), réalisée à l’occasion de la manifestation du 18 mars, reprenait un mème qu’il a vu sur Twitter, inspiré lui-même d’un mème qui trouvait sa source dans une vidéo du youtubeur TheoBabac. « Je trouvais ça drôle et efficace. Les gens plus jeunes, je dirais celles et ceux qui ont moins de 40 ans, ont compris l’ironie et la blague, et ont bien rigolé. Vu que les jeunes sont ceux les plus visés par ce discours de “yakafokon”, ça créait une complicité, et ce même s’ils n’avaient pas la référence directe. »

    Cette complicité est d’ailleurs une composante importante de l’emploi des mèmes sur les pancartes. « Il y a une notion très importante dans le rapport identitaire à la pop culture, qui est d’avoir la référence, de comprendre l’intertextualité, le passage d’un texte à l’autre », commente David Peyron. Pour autant, « il faut qu’il y ait cette double lecture possible, rappelle-t-il. D’un côté, ceux qui ont compris se disent qu’ils partagent bien les références communes, qu’ils forment un groupe, ce qui donne un sentiment de puissance et d’exister en tant que groupe ; et ceux qui ne l’ont pas comprennent l’image. »

    Cette multiplication de pancartes s’explique aussi par la nature même de ces références. « La culture mème est intrinsèquement sociale, écrit An Xiao Mina dans Memes to Movements. Elle dit : “Vous pouvez le faire vous aussi, et voici toute une communauté qui le fait. Vous n’êtes pas seuls”. Les mèmes sont une stratégie médiatique avant tout. »

    Ma maman m’a dit que ma pancarte pour demain était très jolie 🥰 https://t.co/Cn6JCMJpyZ
    — Lambda_bootis (@Petit pâté (`⊗﹁◓´))

    Un code qu’essaient d’ailleurs de s’approprier certains syndicats. Stéphane Cologne, délégué syndical de l’UGICT-CGT, expliquait sur le site de BFM-TV, le 11 février, que les organisations syndicales tentent « de s’emparer des codes de l’argot et de la pop culture pour parler aux jeunes » et « de parler leur langage afin de leur rappeler que ça les concerne aussi ».

    Ces références pourraient d’ailleurs perdurer dans les manifestations car ils génèrent des boucles de rétroaction : des personnes descendent dans la rue avec des pancartes liées à la culture Web. Elles sont prises en photo ou les publient elles-mêmes sur les réseaux sociaux, où elles sont parfois massivement relayées, leur donnant envie à eux et à d’autres d’en faire de nouvelles.
    Lire aussi : Article réservé à nos abonnés La réforme des retraites et le dilemme de l’engagement politique chez les influenceurs

    Rachel, dont la pancarte a été relayée par Squeezie sur Instagram, pense d’ailleurs qu’elle va en refaire une : « Ça me motive encore plus. Ça ouvre les yeux sur le fait qu’on peut avoir chacun, individuellement, un impact sur d’autres personnes. Ça peut permettre aux gens d’aller se poser des questions et d’aller se renseigner ou inciter d’autres personnes à vouloir essayer à leur tour de faire des pancartes avec un biais un peu humoristique. »

    #Geek_culture #Culture_numérique #Mèmes #Pop_culture

  • How Bloghouse’s Sweaty, Neon Reign United the Internet | WIRED

    The first thing to know about bloghouse is that, when it all began, nobody called it bloghouse. During its sweaty, neon-slathered 2000s reign you might’ve called it electro, or indie dance, or maybe you didn’t know what the hell to call it. The point is that bloghouse wasn’t a traditional music genre. Was it a fashion trend? The gateway drug to EDM? The mid-aughts equivalent of hair metal? Music was at the core of the thing, but more than being unified by any specific sound, bloghouse was about how you found it: on MP3 blogs, the Hype Machine aggregator, or auto-playing from Myspace pages.

    Myspace was many music fans’ introduction to the new landscape of social media. For a half-decade following its founding in 2003, the site was the most-visited social network in the world, and the first popular platform for musicians and wannabe scene celebs to build a following. On Myspace Music, artists could upload tracks, connect with fans, and control their own branding. For free.

    On Myspace, musicians could be weirder and more personalized than in an album’s liner notes or on the websites of major labels. Creating a fun profile was a free growth hack, ensuring fans would share an artist’s music to millions of other potential fans. Does It Offend You, Yeah? drummer Rob Bloomfield says of the group, “The stupid name plus the pornographic up-skirt Lolita hentai avatar we used meant that thousands of people put Does It Offend You, Yeah? in their Top 8 friends.” Industry folks quickly came calling, looking to monetize the digital middle finger the band was giving the whole internet.

    Myspace knew that its platform was making and breaking careers. The company built out features to keep the momentum up, but it was users who were really pushing things forward. A generation of kids was customizing profile layouts in HTML, adding in a line of code to trigger songs to play automatically. The ability to directly link a song to your personality became a pissing war of coolness, resulting in incalculable free publicity for artists.

    This brief moment in music history could never be replicated today. For one thing, the crunchy, MP3-bitrate sound wouldn’t fly now, and after so many years of digital content proliferation neither would writing for free. Even more importantly, maybe, is that the life cycle of a song in the bloghouse generation would not legally be possible. “The entire reason that moment happened and dance music in general got to the level it’s at in the world is because of remix culture and reinterpretation. So much of it was mashups or unofficial remixes outside the bounds of the law,” says Clayton Blaha, a publicist who represented clients including Diplo, Justice, and Fool’s Gold Records.

    Bloghouse’s free-for-all tone shifted when MediaFire, a popular file hosting service, cracked down, ensuring that tracks could be hosted only by a song’s owner. As a result, a lot of niche, remixed tracks from the late 2000s survive only in personal Dropboxes. “At the time, you had to know where to look and what site to follow, and [a song] was usually only available by some weird direct download with a low-bitrate MP3 that would expire quickly,” says Ben Ruttner of the Knocks. If you were a dedicated fan at the right place at the right time, you might download the track and preserve it, transferring the file from hard drive to laptop to USB. Some of those don’t-listen-to-this-on-a-fancy-speaker tracks are still lurking like ghosts in the deep corners of the internet.

    Now, no one creating music, music criticism, or new communities online is doing so with a blog, let alone feeling like Does It Offend You, Yeah?’s “rockstar” while doing it. Even if the best, most dedicated bloggers came back to start new micro-sites today, the need and the space for independent blogs to push music forward just isn’t there. In fact, traditional media hardly makes a tangible dent in an artist’s career. “A magazine doesn’t fucking matter at all. You could be in 10 magazines, and no one listens to your music. The curatorial power dynamic is now with the streaming services and the algorithms that populate playlists as well as the users that populate playlists,” Blaha says.

    Steve Reidell, one half of the Chicago-based mashup duo the Hood Internet, ominously jokes, “Forget bloghouse. If genre names are based off where music was bubbling, next is ‘playlist house.’”

    #Musique #MySpace #Remix #Pop_culture

  • The Eight Pieces of Pop Culture That Defined the Trump Era - POLITICO

    Certain cultural figures loom so large that they eventually serve as shorthand for the spirit of their times. There’s Michael Jackson, the personification of the smiley-face maximalism of Reagan’s 1980s; Lucille Ball and the aspirational domesticity of the Eisenhower era; even Homer Simpson, a postmodern joke of a patriarch befitting the irony-soaked Clinton 1990s.

    As America’s Trump years come to an end, there is only one pop culture figure who fits that era-defining mold: Donald Trump himself. But unlike those earlier figures, Trump doesn’t represent any single, unifying truth about our character; rather, he’s a symbol of how fragmented it has become. That’s partially thanks to his waging a relentless, cable news-fueled culture war, but it’s also the result of long-developing trends in media.

    For decades, cultural Jeremiahs have prophesied the death of the monoculture—a shared, unifying cultural experience that spans race, class and regional difference. With the decline of broadcasting, social platforms cannibalizing traditional news, and YouTube and personalized streaming services serving up an endless buffet of new content “based on your viewing history,” the long, slow death of that phenomenon accelerated wildly just as Trump rose to power.

    There is no single story that the books, films and pop cultural miscellany of the Trump presidency can tell us about its character. So, instead of trying to impose a narrative on the cultural chaos of the past five years, we’ve decided to let it speak for itself.

    These eight items represent the social upheaval, cries for justice, death-grip nostalgia, internet-abetted hustle and quietly driftless contemplation that have marked this era. They’ve come in forms both disruptively cutting edge and surprisingly old school. Individually, none can fully explain how we got from Trump’s 2015 escalator ride to this uncertain, transitional moment. But the ways in which they speak to their creators’ own perspectives—and, implicitly, to one another—tell us plenty about the character of a nation that will be seeking to fill the spotlight left empty when Trump finally exits the stage.

    The “Renegade” dance/meme
    The joys and risks that come with the democratization of fame.

    If you’re over the age of 30, the words “mmmxneil,” “dubsmash” and “shiggy” probably mean nothing to you. Nearly everyone else will recognize them as points in the constellation of viral online music and dance trends that bubbled up to the mainstream through their popularity on TikTok, the China-based social media app that launched a thousand tech policy takes in the Trump administration’s waning days.

    If you’re not familiar, the app is home to short (less than a minute) videos, usually featuring some kind of ephemeral joke, dance or meme reference, with about 100 million active users in the U.S. alone. It’s built for virality—you see someone’s dance or joke, you do your own iteration of it, your friends see your version and replicate it, and so on. Most emblematic as a cultural phenomenon is perhaps the platform’s most popular dance, at least for the fleeting moment in which such things burn brightly and flame out: the Renegade.

    Seemingly everyone went viral with their version of the dance, from the Grammy-winning rapper Lizzo to various K-Pop stars to homegrown TikTok superstar Charli D’Amelio. One person who didn’t, however, was its creator: a 14-year-old dance student in the Atlanta suburbs named Jalaiah Harmon.

    In late 2019, Harmon uploaded a simple homemade video of the dance to the internet and it went viral almost immediately, filtering all the way up to the aforementioned million-click-grabbing tastemakers. TikTok, almost by its very nature, would eventually divorce the work from its creator: Her video’s popularity in turn inspired other users to recreate the dance on their own without citation, on and on up the food chain until its embrace by mainstream celebrities. After becoming somewhat of a cause celébrè for those concerned with murky issues of authorship and credit on the internet, Harmon earned a New York Times profile and eventually made it to that great showcase of down-the-middle mainstream culture, “Ellen.”

    Her odd saga—going from the near-universal experience of teens screwing around with their friends and making up silly dances, to national television and the center of a debate around cultural appropriation and credit—is a neat symbol of the emerging media landscape. A social media “creator” is more likely to be the 14-year-old next door, or your ambiguously employed cousin, or your math teacher, than the product of any slick entertainment enterprise.

    The pop culture landscape isn’t just atomized, it’s open source. We’re no longer just members of niche cultural fiefdoms; we have the power to create fiefdoms unto ourselves—and, inevitably, watch them escape our control. Enjoy responsibly.

    #Pop_culture #Culture_numérique #TikTok

  • A la rencontre de Marc’O

    Maquisard en Auvergne à quinze ans, marlou de Saint-Germain-des-Près après la guerre, programmateur au Tabou avec Boris Vian, introducteur de la poésie lettriste, producteur du Traité de bave et d’éternité d’Isidore Isou qu’il impose à Cocteau en 1951 à Cannes, éditeur du premier texte de Debord dans la revue Ion financée par le cagoulard Robert Mitterrand, animateur dès les années 1950 du groupe et du journal « Le soulèvement de la jeunesse » basée sur l’idée du prolétariat externiste (le prolétariat déserte de plus en plus une classe ouvrière toujours plus intégrée et se concentre chez les jeunes et tous ceux qui se vivent comme étrangers à cette société), inventeur du théâtre musical et d’un théâtre où le comédien n’est plus réduit à interpréter des rôles, mais à créer la pièce elle-même, mentor de la jeune troupe formée entre autres par Bulle Ogier, Jean-Pierre Kalfon, Pierre Clémenti et Jacques Higelin, critique impitoyable des yéyés, de la célébrité et de la télé-réalité (et quasi-inventeur du style punk) dès 1966 avec Les idoles, pionnier de l’occupation des théâtres dès 1967 à Reggio Emilia contre la guerre du Vietnam, co-fondateur avec Monique Wittig et Antoinette Fouque à la Sorbonne en mai 1968 du Comité Révolutionnaire d’Action Culturelle (CRAC), ancêtre du MLF (Mouvement de Libération des Femmes), passeur continu, avec Guattari, entre la France et l’Italie des années 1970, présent à Bologne, toujours avec Guattari, en septembre 1977 lors du fameux Congrès international contre la répression, initiateur en 1979 de l’opéra-rock Flashes rouges porté par la jeune Catherine Ringer, chercheur dans les années 1980 autour des nouvelles possibilités qu’ouvre pour l’image le développement des techniques audiovisuelles, animateur dans les années 1990 avec Cristina Bertelli des Périphériques vous parlent et de la jeune troupe Génération Chaos, où officient des anciens de l’excellent groupe de rock Witches Valley et qui ira jusqu’à faire des premières parties de concerts de Noir Désir, et puis on s’arrête là.

    Karen O n’est pas la fille de Marc’O



    • Jean-Pierre Kalfon . « my friend, mon ami »


      Au mitan des 60’s, Jean-Pierre Kalfon, qui ne pense qu’à suivre le cours de ses désirs, est confronté à un choix : être acteur à la filmographie impeccable ou vivre sa vie de rocker psychoactif de l’underground parisien. Il n’hésite pas une seconde : il opte pour les deux.
      Aujourd’hui, devenu acteur-culte, sa vraie passion a sans doute toujours été le rock’n’roll et le rhythm’n’blues. En 1965, juste avant d’incarner Simon le Magicien dans le film Les Idoles (un pamphlet situationniste à contre-courant de la yéyéitude réalisé par #Marc’O en 1968), Kalfon sort un EP chez CBS, guère éloigné de son personnage. « Avec frange stonienne, guitare fuzz et un ton pour le moins déglingué qui n’a guère marché mais est aujourd’hui un must sixties » dixit Patrick Eudeline.
      La turbulente Chanson Hebdomadaire anticipe de dix ans le punk français, quelque part entre le persiflage morveux des Olivensteins, l’art de la déglingue d’Asphalt Jungle et la gouaille en bamboche des Rita Mitsouko. Les trois autres morceaux sont aussi de véritables pièces de #pop_culture, théâtralisées par le contest’acteur Kalfon et magnifiquement arrangées par Michel Portal et Ivan Jullien. La Guerre est un explosif folk-rock anti-militariste, My Friend, Mon Ami, une épatante « chansong » légèrement déjantée et L’Amour À Fleur De Peau, co-écrite avec Valérie Lagrange, une ballade sans chiqué digne des meilleures productions Saravah.
      Plus de 50 ans après, Kalfon se souvient dans sa biographie narrant les contes filousophiques de sa vie hors-norme : « Mon disque n’a pas marché. Je chantais comme une casserole rouillée, ce qui est tout à mon honneur. En bon punk préhistorique — dix ans trop tôt et en France, ce n’était ni le lieu ni le moment pour s’y coller. »
      Kalfon est devenu une personnalité unique du théâtre et du cinéma français mais aussi un chanteur et un auteur-compositeur accompli (il fut un artiste du label mythique parisien New Rose). Sa présence, sa voix et sa diction au cinéma sont tellement magnétiques que leurs équivalents dans la pop musique des 60’s nous ramènent inéluctablement à Serge Gainsbourg. Ce n’est pas un mince compliment chez #Pop_Supérette, vous vous en doutez bien.


  • LesInrocks - Donkey Kong, l’histoire tragique du gorille de Nintendo

    Peu à peu éclipsé par Mario, le célèbre gorille de Nintendo revient en force dans Donkey Kong Country : Tropical Freeze. La preuve que la pop culture n’oublie jamais complètement ses héros.

    L’histoire est injuste. Tout le monde semble avoir oublié que Donkey Kong fut l’un des premiers jeux de l’histoire de Nintendo, en 1981. A l’époque, la célèbre firme rouge de Kyoto sort d’un échec majeur. Sa borne d’arcade, Radar Scope, conçue pour conquérir le marché américain, est un fiasco commercial.

    Pour éviter la faillite à sa branche US, la maison-mère lance une opération de sauvetage. Elle confie à un jeune game designer prometteur du nom de Shigeru Miyamoto la lourde tâche de réutiliser les bornes non vendues pour créer un nouveau jeu. Le futur créateur de Zelda et Mario travaille d’abord sur un jeu adapté de la licence Popeye mais au dernier moment les droits lui sont refusés.

    “Ils ont alors inventé de nouveaux personnages qui sont devenus Pauline (la demoiselle à libérer), Mario (le sauveteur en salopette) et Donkey Kong, le facétieux gorille kidnappeur”, raconte Régis Monterrin, auteur d’une passionnante Histoire de Donkey Kong aux éditions Pix’n Love.

    Durant cinq ans, Donkey Kong aura le droit à sa propre émission jeunesse sur France 2, fera quelques apparitions dans Les Simpson et sera même à l’origine d’une expression ultra populaire aux Etats-Unis : “It’s on like Donkey Kong” (“il est temps de sortir le grand jeu”) grâce à un titre du rappeur Ice Cube.

    Mais, au fil du temps et des aventures, Mario (qui a pris son nom du propriétaire des entrepôts de Nintendo of America à Seattle) devient la mascotte officielle de la marque rouge.

    Un gorille cuisiné à toutes les sauces

    “Si Donkey Kong n’a pas pris ce rôle, c’est sans doute parce qu’il a été pensé comme un antagoniste (en somme, le pendant de Brutus, l’ennemi de Popeye) et non un héros, mais aussi parce que Nintendo a été échaudée par le procès intenté par les détenteurs des droits de King Kong, le film de 1933, même s’il l’a remporté”, estime Régis Monterrin.

    Après avoir été cuisiné à toutes les sauces par Nintendo (jeux musicaux, d’escalade, de course sur rails…), le gorille a fini par être remisé au placard. “Lors de la création du jeu et durant les années qui suivirent, Nintendo a réalisé de belles choses avec. Et puis, au fil du temps, la popularité du gorille s’est estompée et ils se sont focalisés sur Mario.”

    #Jeux-vidéo #Pop_culture Donkey_Kong #Mario #Nintendo

  • BBC Music - Sgt Pepper - Meet the Band - Sgt Pepper - Meet the Band

    As The Beatles’ iconic Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band album turns 50, discover its cover stars through the BBC archive - a presentation by arts series Arena for BBC Music

    Toutes les vidéos BBC seront là...

    #musique #pop_culture

  • Meet the Iconic Figures on the Cover of The Beatles’ Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band | Open Culture

    June 1 will mark the 50th anniversary of the release of The Beatles’ Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, an album considered revolutionary in every respect. Everything from the music itself, down to the album’s cover design, broke new ground. To commemorate the upcoming anniversary, the BBC has started to release a series of videos introducing you to the 60+ figures who appeared in the cutout cardboard collage that graced the album’s iconic cover.

    J’avoue que j’aime bien cette idée de partir d’une image présentant plusieurs personnages et de faire une courte description du travail de chacun. Mon premier hypertexte était basé sur le même principe à partir de « La fée électricité » de Raoul Dufy, qui présente une centaine de savants qui ont conduit aux découvertes de l’électricité, de l’électromagnétisme et de la radioactivité... C’était une simple pile hyperCard, avec pour chacun une courte biographie... bien sûr moins intéressante que les vidéos de la BBC à partir de la pochette de Sergent Pepper’s. Mais c’était en 1989 ou 90 ;-)

    #musique #pop_culture

  • Patti Smith devient propriétaire de la maison d’enfance d’Arthur Rimbaud

    Star du rock, musicienne et poétesse, Patti Smith n’a jamais caché son affection profonde pour Arthur Rimbaud. Et fin mars, elle a tout bonnement acheté la maison d’enfance du poète de Charleville-Mézières, dans les Ardennes

    #littérature #pop_culture

  • http://laspirale.org/texte-524--mutations-001-fevrier-2017.html
    Nouvelle renaissance et retour aux affaires pour La Spirale.org, avec le premier numéro de #Mutations, notre nouvelle lettre d’information imprimée, apériodique et gratuite. Comme un clin d’oeil à nos premiers pas, à cette Lettre de La Spirale photocopiée qui préfigura, entre 1993 et 1996, l’apparition de l’eZine des #Mutants_Digitaux sur #Internet. Avec toujours cette même motivation : provoquer des échanges et alimenter les cerveaux (plutôt que la machine), redonner du sens à l’idée même de « contenu », dévoyée par des années de narcissisme en réseau, et enfin renouer avec les délices du #monde_analogique, nouvel espace de liberté et de rencontres à l’heure de la surveillance de masse.
    #eZine #technologie #pop_culture #contre_cultures #graphisme

  • https://www.youtube.com/watch?v=rU-hEgc276A

    La tête de mort est partout dans la pop culture. Cet ouvrage recueille plus de 160 couvertures de livres et de magazines #pulp et de #comics américains des années 30 aux années 50 représentant des squelettes et des #têtes_de_mort.
    Never before has a book addressed the skull as a cover motif during the Golden Age of American publishing. Countless skull-themed comic book, pulp, and paperback covers appeared from the 1930s through the mid-50s. Popular Skullture assembles over 160 of the creepiest, oddest, and downright weirdest skull covers, edited and designed by award-winning art director Monte Beauchamp.

    #graphisme #pop_culture

  • Using blackface to make a point

    The filmmaker Sunny Bergman’s documentary ‘Our Colonial Hangover’ will premiere in Amsterdam at the annual international documentary IDFA festival on November 27th. The #FILM reflects Bergman’s personal search into national blackface character Zwarte Piet (Black Pete), Dutch colonial history and white privilege. Bergman herself has been active in campaigning against blackface. A teaser from the […]


  • The Limits of Alternative Africas

    Hard on the heels of an anti-climactic election season in the US punctuated by myopic views of the world and cataclysmic what-ifs, the resurgence of #Nikolaj_Cyon’s counterfactual map of Africa circulating on the web last week was a welcome relief from realpolitik run amok. Cyon, a Swedish artist and self-proclaimed revolutionary, asks us to […]

    #ART_VISUAL_,MEDIA,_AND_PERFORMANCE_Choose_a_Category_Below_to_Categorize #HISTORY #POP_CULTURE #Counterfactual_Africa #maps

  • Making African #Celebrity_Culture

    Soon after the MTV Africa #MUSIC Awards chief executive drops hints that there will be a special guest, Khloe Kardashian and her entourage appear at the awards’ press conference in #Durban, #South_Africa. The audience buzzes with excitement as she glides towards the plush stage. She generates more interest just by walking around than do her then-boyfriend, […]

    #POP_CULTURE #Ghana #hip_hop #house #MAMAs #MTV_Base #Nigeria #pop

  • What does it take to become a UNAIDS Goodwill Ambassador?

    After Africa Is A Country learned that the Joint United Nations Programme on #HIV/AIDS (UNAIDS) appointed former Spice girl turned fashion designer #Victoria_Beckham as a Goodwill Ambassador, our team decided to debate, “What does it take to take to become a UNAIDS Goodwill Ambassador?” Here’s what we came up with as a way to […]

    #DEVELOPMENT_&_AID #EDITORIAL #POP_CULTURE #AIDS #Goodwill_Ambassador_Program #UN

  • Sincerity, Not Irony, Is Our Age’s Ethos

    But you can’t determine the ethos of an entire age by looking at a sub-sub-sub-sub-culture. Rather, there are far more prominent indicators like, for example, a society’s cultural output. Take that into account, and a different picture emerges. The success of filmmakers like Judd Aptatow, the increasing popularity of ultra-sincere indie artists from Arcade Fire to Vampire Weekend, and the proliferation of wholesome, though not traditional, family-centered television shows like Modern Family point to a rise in what some call the “New Sincerity.”

    #pop_culture #hipsters #ironie #sincérité

  • Des extraits du livre de Satel et Scott O. Lilienfeld, “Brainwashed: The Seductive Appeal of Mindless Neuroscience”, publiés par Salon.com.

    « Pop neuroscience is bunk! » - By Satel and Scott O. Lilienfeld

    The media — and some scientists — use brain imaging to explain law, politics, even theology. It’s often hooey


    By now you’ve seen the pretty pictures: Color-drenched brain scans capturing Buddhist monks meditating, addicts craving cocaine, and college sophomores choosing Coke over Pepsi. The media—and even some neuroscientists, it seems—love to invoke the neural foundations of human behavior to explain everything from the Bernie Madoff financial fiasco to slavish devotion to our iPhones, the sexual indiscretions of politicians, conservatives’ dismissal of global warming, and even an obsession with self-tanning.

    Brains are big on campus, too. Take a map of any major university, and you can trace the march of neuroscience from research labs and medical centers into schools of law and business and departments of economics and philosophy. In recent years, neuroscience has merged with a host of other disciplines, spawning such new areas of study as neurolaw, neuroeconomics, neurophilosophy, neuromarketing, and neurofinance. Add to this the birth of neuroaesthetics, neurohistory, neuroliterature, neuromusicology, neuropolitics, and neurotheology. The brain has even wandered into such unlikely redoubts as English departments, where professors debate whether scanning subjects’ brains as they read passages from Jane Austen novels represents (a) a fertile inquiry into the power of literature or (b) a desperate attempt to inject novelty into a field that has exhausted its romance with psychoanalysis and postmodernism.

    Brains are in demand. Once the largely exclusive province of neuroscientists and neurologists, the brain has now entered the popular mainstream. As a newly minted cultural artifact, the brain is portrayed in paintings, sculptures, and tapestries and put on display in museums and galleries.

    #neuroscience #pop_neuroscience #neurobusiness #idées #science #pop_culture

  • Rencontre avec Hey ! | Ophelia Noor

    Cabinet de curiosités du XXIème siècle, larevue d’art contemporain Hey ! défend depuis deux ans les formes artistiques marginales et leurs évolutions. Retour sur la genèse du magazine et les 20 ans de parcours macadamisé de ses fondateurs Anne & Julien.

    #Culture #actuel #free_press #Hey ! #lowbrow_art #music #pop_culture #radio_nova #street-art #underground

  • Hey !, cabinet de curiosités du XXIe siècle | Anne et Julien (Hey !)

    Enfants des subcultures, nous avons vu Paris réglé à l’heure première des squats d’artistes, vu fleurir le pochoir, puis pris la mesure des premiers vagabondages du graffiti. Nous sommes des « macadamisés ».

    #Art #Cultures_numériques #Anne_&_Julien #edito #Hey ! #magazine #pop_culture