Monolecte 😷🤬

Je souligne une citation dans la citation parce qu’elle me parait être fondamentale :

avec la technique on sait ce qu’on gagne mais on ne sait pas ce qu’on perd

J’aimerai bien en discuter un de ces jours. Quand on aura le temps :)

la conférence en question de Benasayag était d’ailleurs mentionnée ici ►http://seenthis.net/messages/166428 en écho à un entretien avec Jacques Ellul

Merci @koldobika :)

Je vais rebondir mais un peu plus tard, je ne suis pas en vacances, moi ! Enfin si mais non. Justement :) Je cale des périodes pour expérimenter de nouveaux outils et/ou produire des sujets perso mais ça va de paire. Par exemple, j’ai officiellement fermé boutique pour travailler sereinement sur des travaux perso en cours. L’an passé, j’ai profité des vacances de Noël pour m’initier à l’aquarelle parce ça faisait un petit bout de temps que ça me titillait, notamment pour la carto mais depuis je la pratique dans d’autres domaines. C’est mon côté papillon, je ne me suis pas laissée enfermée par une technique particulière, ça ne m’a jamais intéressé la technique en tant que technique. Je trouve toujours enrichissant d’explorer d’autre univers. Les expériences qui en sortent sont plus ou moins heureuses mais ça me permet d’avancer. En fait, plutôt que de parler de technique, je préfère parler d’outil, de l’outil qu’on utilise pour exprimer des choses, celles qu’on ressent, celles qu’on veut mettre au grand jour. Parce que l’outil on fait en sorte qu’il s’adapte à nos besoins, et non l’inverse. Et donc chaque fois j’aborde l’outil en tâtonnant. Je me renseigne sur les principes de bases et rapidement ça va m’ennuyer alors j’expérimente avec ce minimum de savoir faire et je vais dialoguer avec l’outil et les matériaux pour mieux me les approprier pour parvenir à mes fins, l’image que je veux communiquer. C’est un travail en perpétuel mouvement. Je dis travail mais c’est un réel plaisir de naviguer ainsi, et parfois une réelle souffrance pour parvenir à ce qu’on veut.

@aude_v sauf qu’Illich pense l’outil dans une dimension industrielle alors que moi je le considère dans une dimension artisanale, c’est complètement différent. Sinon j’aime bien sa notion d’outil convivial.

Ça m’intéresse beaucoup ce questionnement de ni tanxxx ni Mathilde sur l’outil, la technique, l’identité ...
Il me semble qu’il y a la question du système, la maîtrise de la technique peut nous enfermer dans une identité « génétique » qui nous fait perdre notre être comme l’explique Benasayag. Dans mon travail j’utilise très peu d’outils, papier, bic et encre de Chine à la plume. Je pense souvent à ce risque d’enfermement dans le « beau dessin » et je m’y complaît certainement d’un certain point de vue. Il y a une citation de Hokusai qui m’a beaucoup influencée et guidée :

« Depuis l’âge de cinq ans, j’ai la manie de recopier la forme des choses et depuis près d’un demi siècle, j’expose beaucoup de dessins ; cependant je n’ai rien peint de notable avant d’avoir soixante-dix ans. A soixante-treize ans, j’ai assimilé légèrement la forme des herbes et des arbres, la structure des oiseaux et d’autres animaux, insectes et poissons ; par conséquent à quatre-vingt ans, j’espère que je me serai amélioré et à quatre-vingt-dix ans que j’aurai perçu l’essence même des choses, de telle sorte qu’à cent ans j’aurai atteint le divin mystère et qu’à cent dix ans, même un point ou une ligne seront vivants. Je prie pour que l’un de vous vive assez longtemps pour vérifier mes dires. »

On peu y voire du « toujours plus », toujours plus de maîtrise, mais il me semble qu’elle n’est pas une quête en soi, ce n’est pas le but de « avoir de la technique » mais se débarrasser des contraintes technique pour avoir la possibilité de s’occuper à l’être des êtres. Je sais plus ou j’avais lu ou entendu ça mais dessiner est une quête de compréhension, pour dessiner il faut avoir en tête qu’on observe de la lumière réfléchit, que la chose dessiner est un volume de telle ou telle nature et que le fait de chercher à dessiner ces choses demande de comprendre cette nature. Comme je pense ne jamais être capable de comprendre la « vrai nature » de quoi ou qui que ce soit puisque les choses et les êtres ne sont pas fixes, la nature est de fait insaisissable mais en même temps cette recherche ne me semble pas vaine. C’est plutôt une tentions vers qui me semble le moteur (un truc vivantes mouvement) plutôt que l’arrivée a des objectifs qui me paraît un truc de mort, quant on arrive au but, c’est quant on arrête de bouger soi même et que les vers peuvent passer à table.

Bon d’un autre côté j’ai aussi souvent des doutes par rapport à ce risque de système, de recettes. Des moments ou la lenteur de la technique me décourage ou me paralyse. Je suis de plus en plus lente parceque je m’enfonce de plus en plus dans des petits détails. Il y a la contrainte de vouloir faire du beau qui me bloque, la peur de gâcher du papier me paralyse encore. D’un côté je légitimé ma quête du beau dessin dans une idée qu’elle est une politesse faite aux regardeureuses, mais d’un autre côté je déteste les œuvres que je qualifie de décoratives et je pense aussi que mon côté bourgeoise doit intervenir pour beaucoup dans mon goût pour le « beau dessin bien fait techniquement ». J’ai l’impression d’être toujours sur le fil du paradoxe. Il y a aussi le fait que la technique est un moyen de me protéger des attaques du style Mermet a la Fiac « un gosse de 5 ans pourrait faire mieux ». Truc qui fait que même si une personne n’aime pas mon travail elle ne m’agresse pas en me traitant de nulle.
Il y a quelques années lors de la dernière édition du festivals periscopage il y avait un dessinateur dont j’ai oublier le nom qui a fait une conférence hyper intéressante et surtout très décomplexante sur cette question du beau dessin ou de la technique. Il expliquait que la quête de beauté graphique et technique est un frein à la créativité, une idée élitiste et discriminante. Je pense qu’il a tout à fait raison, la maîtrise technique est réservée à celleux qui disposent du temps, et elle exclue celleux qui n’en ont pas pour s’entraîner. D’une part on exclue celleux qui n’ont pas ce temps, mais on s’exclue puisque pendant qu’on travail sur la technique on oublie que le principal c’est ce qu’on veux exprimer et ressentir. Pendant qu’on lutte avec son crayon, on perd le plaisir immédiat d’être en train de dessiner. On travail alors qu’on devrait jouir.
J’ai l’impression d’enfiler des évidences, désolé si c’est le cas.

Ce que tu dis @mad_meg me fait penser à ces expériences que je mène actuellement avec l’aquarelle (pour ne citer que celles-ci). Récemment j’ai fait une image « conceptuelle » on va dire pour mettre en comparaison des surfaces agricoles vivrières et des surfaces d’agriculture intensives. La façon de représenter ces surfaces d’agriculture vivrières n’étaient pas « conformes » : les petites parcelles sont représentées comme vues du ciel alors que les petites maisons sont représentées vues de face. Tous ceux qui ont vu l’image terminée ou en train de se faire n’ont rien vu. Il y a juste une amie peintre qui m’en a fait la remarque. Je lui ai répondu oui, je sais, mais je m’en fiche, si j’avais fait les maisons vues du dessus, ça n’aurait pas marché, alors que comme ça, ça fonctionne très bien, tout le monde comprends ce que je veux dire. C’est l’intention qui a guidé la technique, en quelque sorte.

Le dessin et ici pour ton exemple d’aquarelle ça marche aussi est la transcription d’une idée. Ici tu voulait faire passer une information de manière plaisante, le côté « photo réaliste » ou « conforme » du sens des maisons n’a aucune importance dans la transcription de ton idée. Toi @odilon tu veux qu’on comprenne l’idée de maison par un signe, pas imiter une vue de Google earth.
Le dessin me semble être la forme graphique la plus proche de ce qu’est une idée. Les sculpteurices, les peintres, les architectes, passent presque toutes par un dessin avant de matérialiser leurs idées. Le dessin est d’ailleurs utiliser comme système d’écriture dans les idéogrammes, mais même l’écriture phonétique abstraite est aussi du dessin, les typographes ne me contredirons pas.

La technique est très importante si on cherche à imiter, je pense au dessin d’observation qui demande de la pratique à mon avis mais le fait de bien savoir faire coïncider le degrés de détail nécessaire avec le message qu’on veut transmettre est aussi de la technique. En fait je sais pas si c’est la technique qui pose problème, elle pose problème quant elle deviens rechercher pour elle même et que le message disparaît pour elle.

oui oui @mad_meg, je suis tout à fait d’accord. Lorsque je peins un paysage, le dessin entre dans une grande part de l’œuvre finale. Par contre je vais sans doute jouer sur les couleurs et les contrastes pour donner une ambiance particulière ou mettre une partie plus en valeur. Selon ce qu’on veut faire, on va choisir telle ou telle technique. La technique doit rester un moyen, pas une fin c’est-à-dire rester au service du message qu’on souhaite transmettre. Sur la typo je ne vais pas te contredire, je viens des arts graphiques ;) D’ailleurs, c’est pareil pour un travail de graphisme, je commence toujours par dessiner pour poser les idées. Ou même le jardinage, je fais des esquisses avant de faire mes plantations.

Tout artiste cherche à démonter le mécanisme de sa technique pour voir comment elle est faite et pour s’en servir, au besoin, à froid. Néanmoins, une œuvre d’art ne réussit que lorsqu’elle a pour l’artiste quelque chose de mystérieux. Naturel : l’histoire d’un artiste est le dépassement successif de la technique utilisée dans l’œuvre précédente, par une création qui suppose une loi esthétique plus complexe. L’autocritique est un moyen de se dépasser soi-même. L’artiste qui n’analyse pas et qui ne détruit pas continuellement sa technique est un pauvre type.

 
Cesare Pavese, Le métier de vivre

#toread

En fait je vis le dessin, la peinture, la photo ou le graphisme comme un apprentissage. Je suis toujours en apprentissage. C’est pour ça que j’explore par ci par là différents mode de représentation. J’ai pratiqué la photo un temps en produisant des images très personnelles. J’avais porté ce projet en moi longtemps avant de m’y mettre mais sans le penser. Et puis un jour le truc est parti, j’ai pris mon appareil, fait une petite installation et réalisé une première série. Ensuite j’ai travaillé des mises en scène avec différents objets et matériaux réfléchissants, et j’ai produits plusieurs séries assez différentes en testant d’autres choses. Et puis, comme dans ta citation @lyco, un moment je n’arrivais plus à dépasser cette production, un peu comme si j’étais parvenue à un seuil au-delà duquel je ne pourrais pas produire une nouvelle et belle émotion par ce moyen. J’ai arrêté la photo.

#aquarelle

ah oui et #revenu_de_base (pour payer le gaz sans s’obliger à faire du @tanxxx)

hé hé oui @fil, des amis plasticiens jalousaient les intermittents du spectacle qui touchaient des indemnités de chômage pendant les périodes de création, ce qui n’est pas le cas dans les arts plastiques :)

Pour revenir à @tanxxx, je comprends bien son dilemme. Dans ma vie de graphiste, il y eu une période où je travaillais sur des bases riches en couleurs et en contraste avec des dessins au trait que je mettais en fond, etc, bref, un truc un peu personnel qu’on reconnaissait du premier coup d’œil. Et puis voilà, j’en avais fait à peu près le tour et je suis passée à des graphismes complètement dépouillés, zen on pourrait dire. Ça ne plaisait pas à beaucoup mais ça a plu à d’autres. Je crois que c’est à ce moment que ma situation c’est vraiment dégradé. Mais ce n’était pas à cause de ça mais plutôt de la conjoncture (l’arrivée de la pao dans les services com des collectivités locales) et les circonstances (des personnels des collectivités locales qui changent avec les prestataires de service) et du fait que je suis complètement nulle pour faire de la prospection. Je passe sur les détails, c’est un peu long. Donc je me suis retrouvée à manger beaucoup de pommes de terre et à couper le gaz pour me chauffer uniquement avec du bois dans la petite cheminée et c’était juste :). L’option qui me restait était de me faire embaucher dans une boite. Et là, rien qu’à l’idée, j’en avais une boule dans la gorge. Non pas que je ne voulais pas être salariée, mais le boulot en agence, j’ai testé 4 mois, ne m’intéresse pas. J’ai tenu comme ça et j’ai découvert la carto, celle notamment de quelqu’un qui nous est cher ici. Ça m’a apporté un nouveau regard sur la façon de penser le comment raconter une histoire parce que finalement, faire une image, c’est raconter une image.
Tout ça pour dire que la façon dont on exerce son métier de dessinatrice ou de peintre ou de graphiste évolue aussi en fonction de sa propre histoire, des rencontres, des découvertes, des bouleversements. Pourquoi devrait-on avoir une production picturale linéaire alors que la vie ne l’est pas. Quand on parle de maitrise d’une technique ou d’un outil, en fait j’ai le sentiment qu’il ne nous apporte plus rien, qu’il ne nous surprend plus, bref, qu’on s’emmerde. A l’inverse, on peut trouver un intérêt toujours renouvelé dans la perfection du détail comme toi tu fais @mad_meg moi je trouve ton travail magnifique. Alors au-delà de toute considération, il faut tenir compte aussi du plaisir à faire ce qu’on fait. Je sais pas si l’artiste doit se dépasser, faire de l’art pour de l’art ça me parait pas très intéressant comme programme, il faut surtout avoir un truc à raconter.